Портрет в живописи: виды и история жанра

В первую очередь необходимо определиться, чем же является портретный жанр в живописи. Портрет — это форма изображения человека, где основной фокус держится на его лице, а также передает его психологическое состояние, социальный статус и принадлежность к определенной исторической эпохе. В зависимости от предназначения портрета и способа его исполнения, выделяют следующие его виды:

• парадный;
• камерный;
• костюмированный;
• коллективный;
• миниатюрный;
• исторический;
• портрет-прогулка;
• семейный;
• религиозный;
• автопортрет.

Иногда выделяют еще женский, мужской и детский виды портретов, как отдельную разновидность жанра.

Также, портреты делятся в зависимости от того, какую часть тела человека они охватывают. В связи с этим выделяют портрет:

• по грудь;
• по пояс;
• по бедра;
• по колени;
• в полный рост.

Ну и конечно же, портреты различаются в зависимости от стиля выполнения картины и материала, который используется для его создания.

История портрета

На данный момент, древнейшим рисунком человеческого лица является изображение, найденное в пещере Вильонер, Франция. Предположительный возраст данного портрета составляет 27 000 лет. Однако, местом зарождения портретного жанра считается не Франция, а древние средиземноморские цивилизации, к которым относятся Египет, Греция, Рим и Византия.

Считается, что первые портреты появились именно здесь, поскольку искусство тестно переплеталось с погребальными обрядами того времени. Однако, портретный жанр больше был востребован в скульптуре нежели в живописи, о чем говорят многочисленные бюсты и фрески с изображением знатных и влиятельных людей минувших эпох.

Во времена средневековья портрет как жанр утратил актуальность и носил исключительно религиозный характер. Помимо изображений на иконах, художники рисовали портреты преимущественно знатных людей, правителей и донаторов, которые делали пожертвования для церковной казны.

Когда на смену пришла эпоха Возрождения, портрет стал существенно преображаться. На это повлияло несколько ключевых факторов:

1. Ослабление влияния религии.
2. Возникновение новых техник в живописи.
3. Смена портретов в профиль на фас или три четверти.

Более того, именно в эту эпоху начали возникать разнообразные формы портрета. К примеру, особой популярностью пользовался именно портрет по грудь. Они начали делиться и по характеру: парадные и интимные. Также, стали появляться супружеские и групповые портреты. Однако, им был присущ определенный недостаток: фон и герой картины казались не связанными между собой, что создавало ощущение искусственности и, порой, несоответствия реалиям.

В ХVIII-XIX столетиях все чаще на портретах появляются не знатные персоны и их семьи, а простые люди в повседневном окружении. Данный жанр становиться одним из самых ярких способов выразить политические и социальные взгляды, а также, передать настроение и дух эпохи. Реализм вытесняет нарочитую наигранность и идеализацию персонажей, а импрессионизм делает акцент на внутренних переживаниях в моменте, а не на общей социальной значимости героя.

В ХХ веке развитие технологий, появление фото и видео оказывает существенное влияние на портретный жанр, превращая его в неактуальный анахронизм. Ведь появились другие способы отображения реальности. Но жанр не пропал, он нашел воплощение в новых стилистических направлениях, задачей которых стало уже не столько отображение реальности, сколько передача психологического портрета личности. Одни из самых выдающихся портретов ХХ века принадлежат таким художникам как Амедео Модильяни (портрет Лунии Чековской), Густав Климт (Адель Блох-Бауэр), Пабло Пикассо (портрет Поля в костюме Арлекина), Сальвадор Дали (Галарина).

Место портрета в современности

Если бы портрет, как жанр живописи, лишь предшествовал фотографии и выполнял её функцию до появления технологий, то в ХХ веке он должен был исчезнуть, чего не произошло. Выходит, предназначение портрета в современном мире шире, нежели фотографии. Данный жанр позволяет наиболее ярко выразить свою точку зрения с помощью живописи и передать определенную смысловую динамику, чего довольно сложно достичь прибегая к иным жанрам.

В современном мире даже ребенок может сделать портретную фотографию, нажав единственную кнопку на смартфоне. Однако портрет не теряет актуальности, ведь позволяет запечатлеть определенный момент в жизни человека или группы людей. Также, особое значение появляется у портретов обобщенных образов, которые характеризуют влияние социально-культурных и политических явлений на общество. К наиболее известным портретистам наших дней относятся Стив Хенкс, Стивен Райт, Элизабет Пейтон и Фан Лидзун.

В онлайн галерее картин маслом Struchaieva Art вы можете найти картины в портретном жанре в сериях Жизнь и Женская Сила. В этих работах автор отражает мужскую мудрость и женскую внутреннюю силу в различных социокультурных ситуациях. Также, каждая из картин доступна для печати на холсте или фото бумаге в необходимом размере.

Менеджер галереи ответит на все интересующие вас вопросы и поможет сделать правильный выбор.

История портрета в изобразительном искусстве

Цели урока:

• Познакомить с изображением человека разных эпох
• Познакомить с историей возникновения портрета
• Подвести учащихся к пониманию того, что жанр портрета – это не только передача индивидуального сходства, но и создание духовного и исторического образа человека
• Активизировать познавательный интерес к окружающему миру и интерес к процессу обучения

Задачи урока:

1. Предметные

— Используя метапредметную связь истории и МХК, ИЗО продолжить изучение раздела живописи: портрет; закрепить знания о жанре портрета.

— Развивать умение понимать язык искусства, его содержание (знаково-cимволические универсальные учебные действия).

2. Метапредметные:

познавательные:

— умение ориентироваться во множественных источниках информации;

— устанавливать причинно-следственные связи;

— продолжить формирование универсальных учебных действий — самостоятельно строить рассказ на основе различных источников информации, обобщать и структурировать отдельные факты;

регулятивные:

— преобразовывать практическую задачу в познавательную;

коммуникативные:

— развивать коммуникативные навыки речевого взаимодействия в аудитории класса; умение общаться, слышать и чувствовать других людей; работать совместно, добиваясь общей цели;

личностные:

— формировать умение находить красоту, гармонию, прекрасное во внутреннем и внешнем облике человека; формирование устойчивой учебно-познавательной мотивации; приобщать учащихся к духовно-нравственным ценностям.

Методы: словесные, наглядные, практические.

Тип урока: урок смешанного типа

Основные понятия: культура, искусство, шедевр, портрет.

Материал и оборудование для учителя: доска, проектор, музыкальный ряд.

Материал и оборудование для учащихся: листы бумаги А4, карандаш, краски.

План урока

1. Вводная часть. Формулирование темы урока.

2. Ход урока.

– Определение жанра портрет, история его развития в мире и России.

– Закрепление знаний о разновидностях портрета.

3. Практическая работа.

– Средства художественной выразительности.

– Цветовое решение портрета (закрепление) – мастер-класс.

4. Подведение итогов урока.

Ход урока

Древнейшая известная попытка изобразить человеческое лицо насчитывает 27 тыс. лет. Оно обнаружено в пещере Вильонер близ города Ангулем (департамент Шаранта). “Портрет” сделан мелом на естественных выпуклостях стены, напоминающих по форме лицо. Прочерчены горизонтальные линии глаз и рта и вертикальная полоса, обозначающая нос.

Зарождение портрета относится к глубокой древности. Первые значительные образцы портретов встречаются в древневосточной, главным образом древнеегипетской, скульптуре. Здесь назначение портрета было во многом обусловлено культовыми, религиозно-магическими задачами. Необходимость “дублирования” модели (портрет как двойник её в загробной жизни) приводила к проецированию на имперсональный канонический тип изображения (воплощающий нечто неизменное) индивидуально-неповторимых черт определённого человека.

В Древней Греции в эпоху классики создаются обобщённые, идеализированные скульптурные портреты поэтов, философов, общественных деятелей. С конца 5 в. до н. э. древнегреческий портрет всё более индивидуализируется (творчество Деметрия из Алопеки, Лисиппа), тяготея в период эллинизма (конец 4-1 вв. до н. э.) к драматизации образа. Высокого расцвета античной скульптуры портрет достигает в искусстве Древнего Рима. Развитие древнеримского портрета связало с усилением интереса к конкретному человеку, с расширением круга портретируемых. В основе художественной структуры многих древнеримского портрета — чёткая, подчас скрупулёзная передача неповторимых черт модели при соблюдении определённого единства индивидуального и типического начал. В период империи отдельные мастера обращались к идеализирующему, нередко мифологизированному портрету. В своих лучших образцах древнеримский портрет отмечен жизненной достоверностью, психологической выразительностью характеристик. В эпоху эллинизма и в Древнем Риме, наряду с портретными бюстами и статуями, широкое распространение получили портрет на монетах, камеях и т.п., отчасти живописные портреты.

Ранние сохранившиеся образцы станковой портретной живописи представляют фаюмские портреты (Египет, 1-4 вв. ) (Рис. 1, 2). Во многом связанные с традициями древневосточного портрета, с религиозно-магическими представлениями фаюмские портреты вместе с тем создавались под воздействием античного искусства, непосредственно с натуры, несли в себе ярко выраженное сходство с конкретным человеком, а в поздних образцах — специфическую духовность.

Фаюмские портреты — погребальные портреты, созданные с применением техники энкаустики в Римском Египте в I—III веках н.э. Свое название они получили по месту первой крупной находки в оазисе Фаюм в Египте в 1887 году британской экспедицией во главе с Флиндерсом Питри.

После того, как портреты привезли в Европу, их — в качестве заморских диковин, показывали на ярмарках и выставляли в модных тогда кунсткамерах. И посчитали экзотикой.

Ученые же называют фаюмские портреты элементом местной погребальной традиции, трансформированной за несколько веков под влиянием греков и римлян. Портрет заменял древним египтянам традиционную погребальную маску на мумии.

Рисунок 1

Рисунок 2

Ранние фаюмские портреты выполнены в технике энкаустики — от греческого слова “выжигать”, очень распространенной в то время. Это — восковая живопись расплавленными красками. Ее отличает объемность – пастозность — мазка. Это позволяет сделать именно энкаустика — техника живописи, в которой связующим веществом красок является воск. Живопись выполняется красками в расплавленном виде — отсюда и название.

Неизвестные мастера хорошо знали лицо: направление мазков обычно следует его формам — на нос, щеки, подбородок и в контуры глаз краски накладываются плотным слоем, а периферия — контуры лица и волос, очерчивалась более жидкими красками.

Исполненные таким способом портреты отличаются выпуклостью и свежестью цвета. Они оказались удивительно долговечны.

Важная особенность фаюмских портретов — использование тончайшего сусального золота. На некоторых портретах позолочен весь фон, на других золотом выполнены лишь венки или головные повязки, на некоторых портретах особо отделаны позолотой драгоценности и детали одежды.

Основа портретов — древесина различных пород: платан, липа, смоква, тис, а также завезенные из Южной Европы кедр, сосна, ель, кипарис, дуб. Но есть и портреты – видимо, тех, кто победней, выполненные на загрунтованном клеем полотне.

Фаюмский портрет стал самостоятельной категорией в живописи. Всего в мире насчитывается около 900 фаюмских портретов. И во много раз больше – подделок и хороших копий.

Перелом в портретном искусстве, которое снова вышло на видные позиции, наступил в эпоху Ренессанса. Он был связано с изменением идеологии эпохи. Ренессансный человек был полон гуманистического реализма, то есть он ослабил путы религии и уверовал в силу личности, стал считать себя мерой всех вещей — и поэтому он вышел на первый план в искусстве.

Ренессансный антропоцентризм особенно ярко проступает в портретном творчестве мастеров Высокого Возрождения. Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто ещё в большей мере углубляют содержание портретных образов, наделяют их силой интеллекта, чувством личной свободы и духовной гармонией, существенно обновляют средства художественной выразительности (воздушная перспектива Леонардо да Винчи, колористические открытия Тициана). Самый известный портрет в мире — “Мона Лиза” кисти да Винчи был написан именно в эту эпоху (Рис 3).

Рисунок 3

Почему этот портрет Леонардо да Винчи до сих пор поражает людей? Почему загадку этой картины пытается разгадать каждый, кто смотрит на портрет, но она так и остается не разгаданной?

Известный искусствовед А.М. Эфрос писал, что “Джаконда” — это менее всего портрет супруги Франческо дель Джаконда, а изображение какого то получеловеческого, полуземного существа, не то улыбающегося, не то хмурого. А еще Эфрос отметил, что Леонардо да Винчи ничего не делал спроста. У каждого его шифра есть ключ, и что вот уже пять столетий ни кто этот ключ не найдет. Некоторые авторы объясняют такое впечатление от лица Моны Лизы знаменитым леонардовским приемом светотени, введенным в живопись Леонардо (“сфумато” — с итальянского, мягкий, не ясный, растворяющийся, исчезающий).

Исследователь М.А. Гуковский писал о “Джаконде”, что она сама вглядывается в зрителя, а не только зритель в нее, и что зритель чувствует себя не ловко и тревожно под этим взглядом и в то же время не в состоянии отвести глаз от этого замечательного портрета.

В лице “Джаконды” не только необычайное выражение, но это выражение все время меняется. Следовательно, в лице “Джаконды” — движение. Но ведь всякое движение происходит во времени, а живописная картина – статична, она запечатлела какое то мгновение.

Из немецких живописцев этого периода особенно знаменит портретист А. Дюрер. Без портретов сложно себе представить творчество Альбрехта Дюрера. Картины его в этом жанре многочисленны и весьма интересны. Альбрехт уже в ранней работе, выполненной около 1499 года (портрет Освальда Креля) предстает сложившимся мастером. Он отлично передает внутреннюю энергию модели, своеобразие характера. Уникальность Альбрехта Дюрера состоит и в том, что автопортрет занимает ведущее место в ранний период его портретного творчества. Еще в 1484 году он создал рисунок серебряным штифтом.

Рисунок 4

Здесь Альбрехт изображен 13-летним ребенком (Рис. 4). Уже в то время рукой Дюрера руководила тяга к самопознанию, которая получила дальнейшее развитие в первых трех его живописных автопортретах. Речь идет о работах 1493, 1498 и 1500 годов. В последней работе Альбрехт изображен строго в фас. Обрамленное небольшой бородкой и длинными волосами его правильное лицо напоминает нам изображения Христа-Пантократора (Рис. 5).

Рисунок 5

“Я пишу, чтобы сохранить образы человеческие после их смерти”. Альбрехт Дюрер

В исполненном углем “Портрете матери” (1514) в асимметричном старческом лице с исхудавшими чертами, в глазах запечатлены следы жизненных невзгод и разрушений (Рис 6). Напряженно вьющиеся экспрессивные линии обостряют яркую выразительность образа. Эскизность, местами густой и черный, местами легкий штрих придают рисунку динамичность.

Рисунок 6

В России сложилась своя школа портрета, отличающаяся жанровым разнообразием. К концу XVIII века русский портрет по своему высокому уровню качества сравнялся с современными ему мировыми образцами. Его представителями являются Фёдор Рокотов, Дмитрий Левицкий, Владимир Боровиковский.

Левицкий и Рокотов проделывают путь от парадного и полупарадного портрета к камерному. К концу века русской портретной школе свойственна деликатность, подчеркнутая вдумчивость, сдержанная внимательность, некая добропорядочность и благовоспитанность без потери элегантности.

Рисунок 7	Рисунок 8
Рисунок 9

Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.
Ты помнишь, как из тьмы былого,
Едва закутана в атлас,
С портрета Рокотова снова
Смотрела Струйская на нас?
Её глаза — как два тумана,
Полуулыбка, полуплач,
Её глаза — как два обмана,
Покрытых мглою неудач.
Соединенье двух загадок,
Полувосторг, полуиспуг,
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенье смертных мук.
Когда потёмки наступают
И приближается гроза,
Со дна души моей мерцают
Её прекрасные глаза.
Николай Заболоцкий

вопросы историографии и перспективы исследования

ОБ ИСТОРИИ ИЗУЧЕНИИ ПОРТРЕТА: ВОПРОСЫ ИСТОРИОГРАФИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ ИССЛЕДОВАНИЯ
УДК 75. 041.5
Автор: Абрамкин Иван Александрович, студент 5 курса кафедры отечественного искусства Исторического факультета МГУ, e-mail: [email protected]
ORCID ID: 0000-0001-7648-2446
Аннотация: Целью статьи является рассмотрение различных взглядов на портретное искусство в отечественной историографии и выделение тех из них, которые могут оказаться вполне актуальными и плодотворными для современного этапа изучения портрета.
Ключевые слова: портрет, историография, теория, философия искусства

SOME QUESTIONS OF THE HISTORY OF THE RUSSIAN PORTRAIT PAINTING STUDIES: HISTORIOGRAPHY AND PROSPECTS
UDC 75.041.5
Author Abramkin Ivan, student of the 5th course of the Russian art’s department of the Historical faculty of MSU, e-mail: [email protected]
ORCID ID: 0000-0001-7648-2446
Summary: The object of this article is to consider different views on the art of a portrait in the Russian historiography and emphasize the aspects, which would be actual and seminal in contemporary portrait studies.
Keywords: portrait, historiography, theory, philosophy of art  

Ссылка для цитирования:
Абрамкин И.А. Об истории изучении портрета: вопросы историографии и перспективы исследования // Артикульт. 2014. 14(2). С. 6-12.

скачать в формате pdf

Портрет является, пожалуй, одним из наиболее привлекательных жанров живописи и вместе с тем самым неоднозначным. Именно портрет предоставляет возможность рассуждать об образе человека, позволяет подобраться к мироощущению личности в различные эпохи. Вопросы эстетики, философии и социологии имеют вес в произведении искусства наравне с проблемой художественного стиля и историческим контекстом. Все это вместе делает портрет средоточием огромного количества смыслов, которые исследователь стремится постичь с помощью научного познания. Но существуют ли четкие критерии описания портрета? Какая область гуманитарного знания имеет больше прав и средств для подобной претензии – история искусства, философия, а, может быть, скорее психология восприятия?

В этом кратком историографическом очерке, посвященном главным трудам по изучению портрета в отечественной истории искусства, мы ставим перед собой задачу осветить основные подходы и концепции, которые применялись для понимания искусства портрета в прошлом, а также постараемся обозначить возможные пути дальнейшего исследования данной темы на современном этапе научных знаний. Для полноты картины будут приведены как монографии по истории зарубежного и русского портрета, так и работы общетеоретической и философской направленности. Мы будем придерживаться хронологического порядка в изложении данной темы и условно разделим привлеченные труды на 3 периода: 1) 1910-е – зарождение проблематики и ее развитие вплоть до 1930-х; 2) 1960-1980-е – главный и самый плодотворный этап, отмеченный многими монографиями различной направленности; 3) современные исследования и перспективы развития.

Началом изучения портрета как самостоятельной области живописи можно считать 2 статьи известных искусствоведов начала 20 века – «Проблема сходства в портрете» Б.Р. Виппера и «О портрете» Я.А. Тугендхольда. Любопытно, что интерес к сущности портретного жанра возник в исторический момент, когда личность человека в искусстве стала терять целостность выражения под влиянием авангардных течений. В статье «Проблема сходства в портрете» Б.Р. Виппер рассматривает специфику портретного жанра в достаточно проблематичном ключе как конфликт между задачами художника и потребностями заказчика, и этот конфликт не решается вопросом сходства, этим условным, по мнению автора, основанием портрета. Далее исследователь дает точные характеристики жанру в разные эпохи, а заканчивает статью мыслью, которая поражает своей противоречивостью и при этом отражает суть портрета: «Мы способны воспринять картину, не спрашивая о сходстве, но мы должны признать, что, пока мы не поверили в ее сходство, мы не назовем ее портретом».

Статья Я.А. Тугендхольда «О портрете» имеет менее стройный вид, но при этом затрагивает большее количество вопросов именно портретного жанра. Автор заявляет о его связи с психологией и социологией, определяет портрет как самодостаточный внесюжетный жанр, который изображает человека полнее, чем в жизни, для чего требуется удивительно субъективное отношение художника к модели. Автор также тонко разделяет эстетический и исторический типы сходства. Затем Я.А. Тугендхольд рассуждает о национальных особенностях портрета, начиная с региональных основ восприятия человека вообще и заканчивая конкретными описаниями живописи от 19 века до постимпрессионистов. На основе данных наблюдений автор делает следующий общий вывод: «Другими словами, художник должен дать синтез модели, выявить ритм ее динамического бытия – то, что в ней есть непрерывного. А это значит, что художник может исправить модель, упростить ее, сделать ее более последовательной, чем она есть в действительности, идеализировать ее».

Начинание Б.Р. Виппера и Я.А. Тугендхольда подхватили два виднейших советских искусствоведа –М.В. Алпатов и В.Н. Лазарев, написавшие в 1937 году монографии: «Очерки по истории портрета» первого и «Портрет в европейском искусстве XVII века» — второго.

Книга М.В. Алпатова, «Очерки по истории портрета», отличается сложностью замысла и его блестящим воплощением. По сути, перед ученым стояла задача осветить историю портрета от Древнего мира (начиная с Древнего Египта) до современности в сжатой форме и живым языком, чтобы представить тему как нечто целостное и обладающее преемственностью в развитии. Благодаря сравнительному подходу М.В. Алпатов подмечает, какие изменения происходили в области портрета при смене эпох. Основанное на непосредственном впечатлении описание немногих шедевров разных времен и их соотнесение с великими литературными памятниками позволяет ученому создать образную, краткую и при этом убедительную историю портретного жанра в мировом искусстве. Стоит отметить, что изначальные положения М.В. Алпатова восходят к статье Б.Р. Виппера, но исследователь благодаря удивительному чувству и пониманию произведений живописи расширяет идеи своего предшественника, доводя их до законченного вида истории развития жанра.

Монография В.Н. Лазарева «Портрет в европейском искусстве XVII века» оставляет более неоднозначное впечатление. Исследователь с первых строк начинает говорить об истоках портрета XVII века в эпохе Возрождения, опуская вопросы, связанные с задачами, сложностями и сущностью портрета. Так же неожиданно, как и вступление, устроено завершение книги: краткие замечания о значении искусства Рембрандта становятся как бы итогом всего повествования. Если говорить о содержании глав, посвященных художникам XVII века, то оно выглядит местами неуравновешенным. Разным мастерам и разным аспектам их творчества уделено внимание, которое сложно назвать равномерным. Чувствуется, что В.Н. Лазарев отдает особое предпочтение голландским живописцам, Рембрандту и Гальсу – выразителям реалистического, демократического искусства, и принижает значение Ван Дейка и Веласкеса. Таким образом, опора на описание и анализ искусства главных мастеров разных национальных школ без достаточной опоры на исторические сведения и без внимания к общим чертам эпохи порой приводит к слишком резким суждениям по отношению к конкретным мастерам, а также влияет на общий характер монографии, на неоднородность представленного в ней материала и на обоснованность выводов автора.

Вторым и очень плодотворным этапом изучения портрета в советской историографии стал период 1960-х-1980-х годов, когда в свет выходит множество работ таких видных искусствоведов, как Н.М. Гершензон-Чегодаева, И.А. Смирнова, Ю.К. Золотов и К.С. Егорова. Мы же остановимся на трех работах, которые затрагивают разные области исследования: две из них посвящены истории русского и зарубежного портрета, а третья – теоретическим аспектам темы.

Первой в этом ряду будет книга Л.С. Зингера. «О портрете. Проблемы реализма в искусстве портрета». Подобный редкий обобщающе-теоретический труд должен был бы занимать особенное место в нашей историографии, но взгляд на портретное искусство с марксистско-ленинских позиций приводит к ограниченности и материала, и выводов. Текст буквально испещрен цитатами Маркса, Ленина, Энгельса, Чернышевского и Плеханова, а внимание уделено в первую очередь произведениям демократического искусства – портрету XVII века и русской реалистической школе второй половины XIX века. Перов становится таким же гениальным художником, как и Веласкес. Теоретические положения работы больше похожи на перепевы более ранних текстов и подтверждаются выдержками из вышеперечисленных авторов. Стиль изложения можно было бы назвать вопрошающим, но ответы на поставленные вопросы даются в таком простом и облегченном виде, что возникают сомнения в серьезности намерений автора. Л.С. Зингер создает мировую историю портрета, как когда-то М.В. Алпатов, но без живости и проникновенности последнего. Отличие более современной книги заключается только во включении социалистического портрета в историю искусства и во введении главы о будущем портрета – в остальном же рассуждения Л.С. Зингера кажутся расширенной версией положений М. В. Алпатова. К сожалению, идея создания теории и истории портрета в одной книге оказалась невоплощенной в полной мере, так как подобная амбициозная задача, на наш взгляд, требует более широкого и вдумчивого подхода к искусству, а также более критичного и свободного поведения по отношению к различным научным традициям и идеологическим конструкциям.

Следующим трудом является монография Т.В. Алексеевой «Владимир Лукич Боровиковский и русская культура на рубеже XVIII-XIX веков». Название отлично отражает содержание этого исследования. Автор стремится поместить искусство известного художника в контекст художественной ситуации рубежа веков, чтобы показать переходный характер его творчества и определить его положение среди неоднозначных культурных течений того времени. Т.В. Алексеева выстраивает творческий путь В.Л. Боровиковского на основе обширного фактического материала: контакты художника, влияние духовных кружков (масонство), эпохальные исторические события (Великая Французская революция, деятельность Наполеона), биографии заказчиков, истории создания произведений, — все это присутствует в работе исследователя. Однако стоит отметить, что исследование стилистики портретов художника слегка растворяется в обилии исторических сведений, которые имеют все-таки преобладающее значение. Тем не менее, необходимо учитывать, что на момент создания данной монографии некоторые атрибуции произведений Боровиковского вызывали сомнения, и главная заслуга Т.В. Алексеевой, помимо прекрасной характеристики русской культуры на рубеже веков, — это уточнение подлинных портретов, принадлежащих кисти мастера, и на основе этого ряда более верное, чем в предшествующей историографии, выстраивание творческого пути художника.

Исследованием, завершающим столь насыщенный второй этап изучения портрета, становится книга В. Н. Гращенкова о портрете в искусстве раннего Возрождения. Перед ученым стояла сложнейшая задача – в пределах обширной литературы, при обилии противоречащих концепций провести линию развития итальянского портрета XV века, которая смогла бы примирить различные подходы и представить тему полновесно и последовательно. В.Н Гращенков учитывает социально-экономические факторы, эстетические запросы общества, огромную роль гуманизма, связи итальянского портрета с нидерландской живописью, влияние медали, скульптурного бюста на формирование портретной традиции, особенности творческого метода художников, а также различный характер скрытых изображений в религиозной и монументальной живописи по сравнению со станковым портретом. Все это позволяет ученому создать настоящую основательную историю ренессансного портрета, где разнообразные аспекты данной темы учтены, показаны в их сложной взаимосвязи, логически обоснованы и тем самым комментируют и дополняют друг друга, придавая повествованию ясность и законченность. Можно точно сказать, что исследование В.Н. Гращенкова является эталоном исторического обобщенного подхода в изучении портрета.

Для представления современного этапа историографии нами был избран труд Г.В. Вдовина — основанная на защищенной кандидатской диссертации книга «Персона. Индивидуальность. Личность: опыт самопознания в искусстве русского портрета XVIII века». Чем обусловлен подобный выбор? Практически все предыдущие труды выражали в той или иной степени ориентацию на историческое освещение портретной темы и, отличаясь друг от друга оттенками, в целом, следовали общей парадигме: больше внимания уделялось то формально-стилистическому анализу, то сравнительному методу, а также мог преобладать историографический или контекстуальный аспект. Исследование Г.В. Вдовина, напротив, затрагивает совершенно другую проблематику – философско-антропологические основания русской культуры XVIII века вообще и жанра портрета в частности. Книга ученого состоит из нескольких глав, каждая из которых по-своему раскрывает специфику искусства XVIII столетия: эволюция психологической проблематики русской портретописи, рождение автора, а также значение риторического эффекта.

Особенный интерес вызывает первая из перечисленных глав, в которой отечественное искусство данного периода делится на три периода на основе критерия «становления особи в России»: от персоны через индивидуальность к личности. Важно то, что подобное деление не носит строгого хронологического порядка, так как видные мастера (к примеру, А. Матвеев и Ф. Рокотов) опережали время, выражая в своем творчестве черты, ставшие нормой только для следующих поколений живописцев. Стоит отметить, конечно, панорамный характер концепции Г.В. Вдовина, что признает и сам автор: он считает данную работу только намеченной схемой, которая требует дальнейшего развития и уточнения ее положений на основе подробного изучения портретов XVIII века. Нам кажется, что развитие такого философского подхода или критическое его рассмотрение обещает быть крайне плодотворным для современной стадии исследования русского портрета, и большое количество рецензий подтверждает активное внимание исследователей русского искусства к данной работе. Но можно ли считать подобный подход чем-то принципиально новым в науке? Сам Г.В. Вдовин несколько раз ссылается на статью А.Г. Габричевского, которая входит в сборник «Искусство портрета», изданный в 1928 году под редакцией этого видного советского ученого. Тем не менее, нельзя сказать, что указание данного научного труда не встречалось в предшествующей историографии. Практически каждый из вышеперечисленных авторов ссылался на сборник, однако это больше было похоже на чувство научного такта. Если статьи Б.Р. Виппера и Я.А. Тугендхольда стали органичной и неотъемлемой частью историографии, то сборник «Искусство портрета», углубляющий многие их положения, часто упоминается лишь вскользь. Именно Г.В. Вдовин в своей работе затрагивает область философии искусства и теоретические основания портрета как жанра, что приводит исследователя к новому прочтению, казалось бы, такого классического и изученного периода, как русская живопись XVIII cтолетия. Поэтому нам кажется полезным обратиться к сборнику под редакцией А.Г. Габричевского, чтобы более пристально изучить положения, разъясняющие специфику портрета вообще. Конечно, подобный ход нарушает хронологию, но нам кажется, что это отражает состояние историографии и тот постепенный интерес к философии искусства, который возникает сейчас.

Сборник «Искусство портрета» состоит из 5 статей, написанных разными авторами и касающихся разных аспектов данной темы. Нас особенно интересуют две из них – статья А.Г. Габричевского «Портрет как проблема изображения», а также текст А.Г. Циреса «Язык портретного изображения».

В статье А.Г. Габричевского обсуждается главная категория портрета – сходство, внутреннее и внешнее. Многие ученые ломали голову, пытаясь уточнить соотношение между этими двумя типами сходства. Мысль А.Г. Габричевского поражает новизной: «Сходство в портрете не внешнее и не внутреннее, а специфично портретное сходство, которое совершенно не зависит от степени идеализации или натурализма (это вопрос стиля), ибо оно возникает не из сопоставления изображаемой и изображенной личности, а из, если можно так выразиться, «личностных» качеств портрета-картины». Далее исследователь говорит об особенной, внутренней архитектонике композиции, которая в свою очередь определяет внутреннее устройство личности и впечатление, производимое ей. Однако, как замечает ученый, воздействие портрета обусловлено не только композиционными особенностями, но и формами экспрессии. Именно в отходе от изобразительных основ в искусстве А.Г. Габричевский видит причины трудностей портрета в XX веке. Ученый завершает статью мыслью о том, что портрет есть некая область, где сосуществуют личность художника, модели, зрителя и где рождается особенное, портретное сходство.

Текст А.Г. Циреса «Язык портретного изображения» посвящен более конкретной и при этом более трудной проблеме – общим понятиям портрета как системы изображения с особенными приемами и знаками. Автор отмечает, что выразительность и наглядность образа, в отличие от слова, зависит от структуры различных слоев смысла. Исследователь называет несколько уровней, с помощью которых образу сообщается портретность: содержание живописи, качество живописи, психика личности, ее социальное положение, мировое положение. Каждый слой изображения представляет собой систему знаков, которые бывают трех видов: слово, признак и художественный намек. Подробное рассмотрение таких достаточно отвлеченных типологических признаков, казалось бы, исключает область непосредственного восприятия живописи, но далее именно впечатлению автор уделяет основное внимание, не умаляя при этом значения взвешенного анализа: «Однако, разумеется, разбор произведения искусства не может быть ничем иным, кроме анализа. Но только этот анализ должен начинаться с (аналитического) раскрытия синтетического «первого впечатления», в котором концентрируется смысл и обаяние художественного произведения. «Первое впечатление» может быть, конечно, не первым по времени и не единственным. Но до появления одного из «первых впечатлений» у зрителя нет видения художественного портрета… Появление каждого нового первого впечатления… дает новый портретный образ». Первое впечатление имеет такую большую важность, так как определяет феномен портретной личности, независимой от проблемы сходства, свободной от внешних факторов и потому автономной. В этой принципиальной позиции кроется глубочайшее родство взглядов на портрет А.Г. Габричевского и А.Г. Циреса: единственным объектом портретного изображения является портретная личность.

Итак, обращение к слегка забытой философии портрета, сделанное нами в рамках данной историографии, представляется крайне перспективным для современных исследований в области портрета. С трудом верится, что привычный подход, основанный на исторических сведениях и преобладающий в научной традиции, позволит расширить или углубить понимание искусства портрета благодаря дальнейшему накоплению фактического материала. К сожалению, количественный прирост сведений не всегда обеспечивает качественный прирост знания или, по крайней мере, ставит ряд сложностей перед исследователем. Если характеризовать историографию портрета в самых общих чертах, то можно заметить, что зачастую описание самой живописи невольно растворяется в рассуждениях о контексте эпохи, который и становится настоящим предметом изучения. Напротив, приведенный нами подход философии искусства, основанный на последовательном и фундаментальном внимании к природе портретного образа, позволяет обратиться непосредственно к живописи, обосновать приоритет субъективного впечатления, которое на самом деле и определяет все последующие аналитические «научные» операции с произведением, а также позволяет каждый раз вновь задаться вопросом: «Портрет ли это? И если да, то почему?». Подобный вопрос должен быть, на наш взгляд, началом любого серьезного и вдумчивого исследования, если оно, конечно, претендует на обстоятельность и объяснение сущности изучаемого явления, то есть портрета.

ЛИТЕРАТУРА

1. Виппер, Борис. Проблема сходства в портрете // Статьи об искусстве. М., 1970. С. 342-351.

2. Тугендхольд, Яков. О портрете // Из истории западноевропейского, русского и советского искусства. М., 1987. С. 68-87.

3. Алпатов, Михаил. Очерки по истории портрета. М. — Л., 1937.

4. Лазарев, Виктор. Портрет в европейском искусстве XVII века. М. — Л., 1937.

5. Зингер, Леонид. О портрете. Проблемы реализма в искусстве портрета. М., 1969.

6. Алексеева, Татьяна. В.Л. Боровиковский и русская культура на рубеже 18–19 вв. М., 1975.

7. Гращенков, Виктор. Портрет в итальянской живописи Раннего Возрождения. М., 1996.

8. Вдовин, Геннадий. Персона, индивидуальность, личность: опыт самопознания в искусстве русского портрета ХVIII века. М.: Прогресс-Традиция, 2005.

9. Искусство портрета. Сб. ст., под ред. Габричевского, Александра. М., 1928.

10. Габричевский, Александр. Портрет как проблема изображения // Искусство портрета. Сб. ст., под ред. . Габричевского, Александра. М., 1928. С. 53-75.

11. Цирес, Алексей. Язык портретного изображения // Искусство портрета. Сб. ст., под ред. Габричевского, Александра. М., 1928. С. 86-158.

12. Кун, Томас. Структура научных революций. М.: Аст, 2009. С. 19-20.

REFERENCES

1. Vipper, Boris. Problema shodstva v portrete [The problem of likeness in the portrait] // Stat’i ob iskusstve [Articles about art], Moscow, 1970. P. 342-351.

2. Tugendhold, Yakov. O portrete [About portrait] // Iz istorii zapadnoevropeyskogo, russkogo i sovetskogo iskusstva [From the history of western, Russian and soviet art], Moscow, 1987. P. 68-87.

3. Alpatov, Mihail. Otcherki po istorii portreta [Studies in the history of portrait], Moscow – Leningrad, 1937.

4. Lazarev, Viktor. Portret v evropeyskom iskusstve XVII veka [Portrait in the European art of 17^th century], Moscow – Leningrad, 1937.

5. Zinger, Leonid. O portrete. Problemy realizma v iskusstve portreta [About portrait. Problems of realism in the art of portrait], Moscow, 1969.

6. Alekseeva, Tatiana. V.L. Borovikovsky I russkaya kultura na rubezhe 18-19 vv. [V.L. Borovikovsky and the Russian culture at the turn of 18^th-19^th centuries], Moscow, 1975.

7. Grashchenkov, Viktor. Portret v italyanskoi zhivopisi Rannego Vozrozhdeniya [Portrait in the Italian painting of the Early Renaissance], Moscow, 1996.

8. Vdovin, Gennadiy. Persona, individualnost’, lithchnost’: opyt samopoznaniya v iskusstve russkogo portreta XVIII veka [Figure, individuality, personality: the experience of self-knowledge in the art of Russian portrait of 18^th century], Moscow, 2005.

9. Iskusstvo portreta. Sb. st. pod redaktziei A. Gabrithchevskogo [The art of portrait. Coll. art., ed. by Gabrithchevskiy, Aleksandr], Moscow, 1928.

10. Gabrithchevskiy, Aleksandr. Portret kak problema izobrazheniya [A portrait like a problem of representation] // Iskusstvo portreta, Moscow, 1928. P. 53-75.

11. Thzhires, Aleksey. Yazyk portretnogo izobrazheniya [Language of portrait representation] // Iskusstvo portreta, Moscow, 1928. P. 86-158.

12. Kuhn, Thomas. Struktura nauthchnych revolyutzii [The Structure of Scientific Revolutions], Moscow, 2009. P. 19-20.

СНОСКИ

История портрета [Развитие портретного жанра]

Древняя Греция

Даже с наступлением цивилизаций в искусстве продолжает го­сподствовать та же система. Мы видим в греческих статуях юношей-атлетов не определенных людей, а обобщенный, типизированный образ. Черты их лиц схожи, пропорции тела одинаковы, позы одно­образны и повторяются без вариаций на протяжении нескольких ве­ков.

Древний Египет и Древняя Этрурия

Живописные изображения египтян и этрусков словно созданы по определенному канону. В росписях именных гробниц все персонажи (и рабы, и фараоны) наделены од­ним и тем же ликом с большими миндалевидными глазами, тонкой линией носа. Точно так же в этрусских фресках все герои изобра­жений однотипны: сам умерший, родственники, собравшиеся на по­минальное пиршество, жрецы и другие участники ритуала.

Искусство Этрурии и Египта наглядно демонстрирует два исто­рических фактора, повлиявшие на становление жанра портрета (идея власти и культ умерших предков). Этрусская традиция семейных за­хоронений в склепах, где были установлены саркофага с изображе­нием покойного, повлияла на то, что мастерам потребовалось более точно передавать индивидуальные характеристики, неповторимые черты модели при общем родовом сходстве (чтобы было понятно, где чье захоронение). Изображения становились все более конкретными, передавали сходство с определенной личностью, то есть, превраща­лись в портрет. Почитание правителя (а это всегда лицо конкретное) сопровождалось установлением его статуй и бюстов в публичных местах, рядом с храмами. Согласно идеологическим принципам не­обходимо было показать царя во всем его величии и безупречности. Поэтому, как правило, облик его идеализирован. Никогда мы не увидим признаков старости или бессилия в ликах египетских фарао­нов, вавилонских царей (да и в более позднюю эпоху всех вождей, властителей, руководителей любого масштаба и ранга). И если в египетском статичном портрете показаны внешнее сходство и атри­буты, то это означает, что художника в первую очередь интересовал статус, роль, персона. Те же качества важны для парадного портрета любой эпохи.

Древний Рим

Эту закономерную линию несколько нарушает портретный жанр древнеримской эпохи. Трудно объяснить, почему наряду с идеализа­цией в образах императоров там возникает отчетливая реалистиче­ская трактовка, передающая не только неприятную внешность, но и отвратительные черты характера (злобность, коварство в портретах Калигулы, неукротимую агрессию в портретах Каракаллы, хитрость Веспасиана и т. д.). Похоже, мы сталкиваемся здесь с безмерно возросшей субъективностью. Осознание своей уникальности и непо­вторимости, неуязвимости и свободы приводит к определен­ному результату: в портрете возникает попытка передать некие сущностные характеристики, свойства характера, свое­образие внутреннего мира личности. Это момент, непосредствен­но касающийся самопознания. Из истории культуры известно, что римляне, по сравнению с греками, были индивидуалистами. Они це­нили личностные качества, старались проявить себя. Если греческий атлет выступал на состязаниях прежде всего за свой полис, за свою общину, то римлянин добивался успеха ради собственного прести­жа. Стать знаменитым полководцем, или знаменитым гладиатором, пусть даже ценой своей жизни, — таковы амбиции гражданина рим­ской империи. Римская культура впервые дает такое ясное осозна­ние собственной неповторимости и уникальности, культивирование собственного Я, что нашло отражение в портрете. Теперь помимо сходства мастера стремились отразить характер человека, а затем попытались передать настроение и мысли, словом, от внешнего об­лика художники перешли к внутреннему миру.

Однако после римского скульптурного портрета с его преувели­ченной субъективностью все последующие эпохи вновь определяют человека через внешние черты и атрибуты. В образе всегда созда­ется идеализированная и унифицированная модель, даже если от­мечаются индивидуальные характеристики. В эпоху Средневековья жанр портрета практически исчезает. И это легко объясняется идео­логическими установками христианства. Пренебрежение к земному существованию человека, расценивание любого мышления вне дог­матов церкви как еретического, осознание своих творческих заслуг как проявление греха гордыни, — все это указывает на подчинен­ное положение личности коллективной идеологии. Редко появляю­щиеся изображения конкретных героев (например, галерея королей на фасаде собора Нотр-Дам де Пари) подчинены общим правилам религиозного искусства. Удлиненные фигуры почти бесплотны, без­личны, превращены в символы. Отдельный человек не интересует мыслителей и общество эпохи Средневековья. Его показывают либо как представителя цеховой ремесленной общины (каменщики, са­пожники, ткачи в витражах Шартрского собора Богоматери), либо как праведника или грешника. Человек осмысляется только через отношения с Богом. Его чувства и поступки оцениваются только в соизмерении с описываемыми в Библии ситуациями, эмоциями и событиями.

Эпоха Возрождения

Каждая культура дает определенный набор ориентиров, в связи с которыми и в отношении которых происходит самовосприятие и оценивание человека. В эпоху Возрождения личность соизмеряет­ся с гражданским обществом. Это положение очень хорошо иллю­стрируется высказыванием философа Пико делла Мирандола в его программном и пафосном обращении к человеку: «Тебе дана воз­можность упасть до уровня червя, но также тебе дана возможность подняться до уровня творца». Отныне человек сам волен выбирать себе судьбу, и его совершенство измеряется общественно полезны­ми поступками, сколько и чего он совершил для родного города, для своего народа. Человек новой эпохи фатально не зависит от Божьего промысла и не надеется на Всевышнего, так как он уверен в своих силах. Он ощущает себя действительно вершиной творения (религиозное мировоззрение пока еще остается в силе) и властели­ном над всеми остальными существами и предметами. Именно такое ощущение воссоздают портреты XV в., созданные во Флоренции и Риме. Популярность жанра свидетельствует о том, что вновь возник интерес к человеку во всех его земных проявлениях (внимательное отношение художника ко всем деталям лица, костюма). Модель, как правило, показана на фоне грандиозного пейзажа с низким горизон­том, простирающегося за спиной портретируемого. Причем человек всегда господствует в этом пространстве, подчеркнуто его домини­рующее положение.

Самонадеянность человека эпохи Возрождения дошла до таких высот, которые показались бы представителю Средневековья кощун­ством, потому что авторы Ренессанса уподобили свою деятельность творческому процессу создания мира Богом. Так, Микеландже­ло считал свой труд скульптора аналогичным труду Творца, кото­рый, подобно ему, каменщику и ваятелю Буонарроти, высекает мир из первоматерии, придает форму вещам, освобождая их из плена аморфного первозданного вещества. Более того, авторы Возрождения готовы соперничать с Создателем. Правда, эпоха не была еще к это­му готова и не приняла подобного вызова. По крайней мере извест­но, что за свои высказывания Леонардо был арестован по обвинению в ереси. Художник уверял, что в отличие от Бога, чьи творения подвержены тлену и смерти, он, Леонардо, создаст такие шедевры, которые останутся бессмертными в веках. Собственно, он не ошиб­ся. Но критическое отношение к церкви и религии возникнет много позже, лишь в XVIII в., а реакцией на Возрождение стало усиление клерикальной власти.

Эпоха барокко

Господство мистических сюжетов, мотивов видений и знамений, чудес и невероятных преображений в эпоху барокко свидетельствует о растерянности человека перед лицом реальности. Он разуверил­ся в собственных силах, потерял надежду совладать с природой и противостоять катаклизмам, а значит, в поисках надежды вновь об­ратился к религии. И эти тенденции мировосприятия тут же нашли отражение в изобразительном искусстве. Появился жанр пейзажа, в котором человек теперь вовсе не занимает господствующего положе­ния, напротив, он закружен вихрем стихий, он испытывает на себе разрушительные силы природы, раздавлен ею и подчинен. Однако церковь уже не могла основываться только на страхе. Привлечь при­ток прихожан после того, как человек Ренессанса узнал, что такое земная слава и власть, можно было только подобными же вещами. Поэтому религиозное искусство барокко поражает своей чувствен­ностью, богатством, роскошью, чрезмерностью форм и любовью к украшениям. Материал с сайта http://wikiwhat.ru

Новое усиление церкви не привело к утрате портретного жанра. Более того, теперь даже клерикальные власти желают увековечить себя и запечатлеть свои черты в живописи или скульптуре, то есть, не остаются равнодушными к славе и популярности. Иным авторам в рамках парадного портрета удается показать тщательно скрывае­мые за показной торжественностью и церемониальностью порочные черты натуры. Например, испанский художник XVII в. Диего Ве­ласкес в портрете Папы Иннокентия X уловил и воспроизвел чи­таемые во взгляде алчность, коварство, властолюбие и хитроумие. Сложные психологические характеры вновь начинают интересовать художников, что означает нарастание подобной тенденции в обще­стве в целом.

Эпоха классицизма

Правда, параллельно существующий стиль классицизм требу­ет передать в образе человека героическое начало. Это искусство создает некий абсолютизированный идеал справедливого, мудрого, сильного лидера, ведущего свой народ к свободе и лучшему буду­щему. Идеализация в искусстве всегда приводит к лозунгам, а на место реального человека выставляет некого идола. Подобный образ воплощает, конечно, устремления и чаяния человека, но ничего не расскажет нам о реальных интересах людей эпохи. Вни­мательный взгляд обнаружит в классицизме и всех последующих его имитациях усиление государственной идеологии. Это искусство напрямую связано с политическими режимами. И всякий раз клас­сические образцы используются, когда необходимо показать величие и патриотическую направленность тоталитарной власти. Это, своего рода, средство убеждения народа. Можно обнаружить немалое сход­ство в искусстве эпохи сталинизма, гитлеровской Германии и напо­леоновской империи. В таком государстве человек превращается в винтик, рабочий механизм большой государственной машины, легко заменяемый на другой, стандартный, поэтому не имеющий индиви­дуальной ценности.

Модернизм

см. Образ человека в искусстве#Человек в модернизме (19 век — начало 20 века)

Вопросы к этой статье:

• Расскажите об истории возникновения и развитии портретного жанра.

• Какие социальные и психологические факторы способствовали появлению портретного жанра?

• Верно ли утверждение, что портрет — зеркало для человека?

• Рекон­струируйте образ человека определённых культур на материале изо­бразительного искусства.

• Почему церковь так активно использует искусство: каковы приемы воздействия религиозного искусства на верующего?

• Какие сюжеты использовала церковь для укрепления собствен­ного авторитета?

• Является ли религиозное искусство символичным?

История фотографии : История фотопортрета

С дав­них пор че­лове­ка пос­то­ян­но прив­ле­ка­ет внеш­ний об­лик, ха­рак­тер и об­раз жиз­ни дру­гих лю­дей. Что, в свою оче­редь, по­рож­да­ет же­лание вы­разить свои впе­чат­ле­ния, ины­ми сло­вами, соз­дать порт­рет.

Пит Тер­нер

Круп­ный план

Су­щест­ву­ет мно­жест­во спо­собов, с по­мощью ко­торых в фо­тог­ра­фии мож­но по­казать глав­ное в об­ли­ке мо­дели — ли­цо. В за­виси­мос­ти от пос­тавлен­ной за­дачи фо­тог­раф во­лен пре­под­нести его при­выч­но, как не­отъ­ем­ле­мую часть внеш­ности ли­бо вы­делить круп­ным пла­ном, при­дав сним­ку ин­тимный ха­рак­тер.

Фо­то­ап­па­рат, ко­неч­но, мо­жет об­ма­нуть, но, как пра­вило, де­ла­ет это не очень убе­дитель­но. Фо­тог­ра­фия в пер­вую оче­редь приз­ва­на отоб­ра­жать конк­рет­ное мгно­вение. К на­ибо­лее удач­ным сним­кам ча­ще все­го от­но­сят­ся те, где слов­но воп­ло­щено ост­рое чувс­тво ре­аль­нос­ти. Та­кое не­дос­тупно ни­каким дру­гим изоб­ра­зитель­ным средс­твам.

Жи­вопись предс­тав­ля­ет со­бой со­чета­ние конк­рет­ных ощу­щений и эмо­ций, а фо­тог­ра­фия — это мо­мент дей­стви­тель­нос­ти, час­ти­ца жиз­ни, по­казан­ная фо­тог­ра­фом, да­бы вы­разить свое впе­чат­ле­ние о со­бытии или че­лове­ке. Фо­тог­раф име­ет воз­можность за­печат­леть не од­но изоб­ра­жение, а це­лую се­рию — на вы­бор.

Од­на­ко порт­рет это не ми­молет­ные кар­тинки и то­роп­ли­вое щел­канье зат­во­ром. Он тре­бу­ет ос­мыслен­ности, под­го­тов­ки и усер­дия. Кро­ме то­го, по-нас­то­яще­му хо­рошие фо­тог­ра­фии мож­но сде­лать не толь­ко на на­туре, но и в сту­дии.

Су­щест­ву­ют порт­ре­ты, ко­торые сле­ду­ет вы­пол­нять толь­ко в сту­дии, о чем не­оп­ро­вер­жи­мо сви­детель­ству­ет твор­чест­во та­ких фо­тог­ра­фов, как Ир­винг Пенн и Ри­чард Эй­вдон.

Где бы ни про­ходи­ла съ­ем­ка, всег­да пом­ни­те, что в ва­ших ру­ках осо­бое средс­тво вы­раже­ния. Фо­то­ап­па­рат, по­доб­но гла­зу, не дол­жен за­мирать ни на миг. Он обя­зан неп­ре­рыв­но вгля­дывать­ся, под­ме­чать, дви­гать­ся в по­ис­ках луч­ше­го, са­мого вы­рази­тель­но­го объ­ек­та.

Ева Ар­нольд

Ста­рость

Это чут­кий, не­пос­редс­твен­ный порт­рет по­жилой ки­та­ян­ки — блес­тя­щий при­мер спо­соб­ности фо­тог­ра­фии до­носить до зри­теля прон­зи­тель­ную точ­ность изоб­ра­жения. Во­об­ще, ре­аль­ные лю­ди в ре­аль­ных обс­то­ятель­ствах — ед­ва ли не луч­ший объ­ект для фо­тог­ра­фа.

Пред­шест­вен­ни­ком порт­ре­та фо­тог­ра­фичес­ко­го был жи­вопис­ный

К са­мым древ­ним из до­шед­ших до нас жи­вопис­ных изоб­ра­жений это­го жан­ра от­но­сят­ся кар­ти­ны на еги­петс­ких сар­ко­фагах эпо­хи римс­ко­го вла­дычест­ва.

Они да­тиру­ют­ся I — II ве­ками на­шей эры. К на­чалу XVI сто­летия мас­те­ра позд­не­го Воз­рожде­ния дос­тигли в ис­кусс­тве порт­ре­та выс­ше­го со­вер­шенс­тва. Но за­каз­чи­ки тре­бова­ли, что­бы их об­лик был бла­горо­ден, изя­щен и гор­де­лив, и ху­дож­ни­кам при­ходи­лось удов­летво­рять по­доб­ное тщес­ла­вие. В ре­зуль­та­те боль­шинс­тво ху­дож­ни­ков стра­дало от не­дос­татка твор­ческой сво­боды.

В XIX ве­ке нас­ту­пили пе­реме­ны к луч­ше­му, но к то­му вре­мени фо­тог­ра­фия уже на­чала вы­тес­нять жи­вопис­ный порт­рет.

Пер­вы­ми серь­ез­ность кон­ку­рен­ции со сто­роны но­вого изоб­ра­зитель­но­го средс­тва ощу­тили ху­дож­ни­ки-ми­ни­атю­рис­ты. Ис­полнен­ное бо­ли предс­ка­зание: «С се­го дня жи­вопись по­гиб­ла», про­из­не­сен­ное ху­дож­ни­ком Ла­рошем в 1839 го­ду на офи­ци­аль­ном предс­тав­ле­нии но­вого отк­ры­тия, сбы­лось не пол­ностью.

По­яв­ле­ние фо­тог­ра­фичес­ки точ­ных изоб­ра­жений очень ско­ро при­вело поч­ти к пол­но­му ис­чезно­вению порт­ре­тис­тов — тво­рили лишь луч­шие из луч­ших. Ран­ни­ми фо­тог­ра­фичес­ки­ми изоб­ра­жени­ями ста­ли да­гер­ро­типы. Соз­да­вать порт­ре­ты в тех­ни­ке да­гер­ро­типии бы­ло труд­но. Этот спо­соб тре­бовал очень дли­тель­ной вы­держ­ки — це­лых пол­ча­са. Од­на­ко в ско­ром вре­мени хи­мика­ты, объ­ек­ти­вы и фо­то­ап­па­раты уда­лось усо­вер­шенс­тво­вать, и вре­мя вы­держ­ки при сол­нечной по­годе сок­ра­тилось до 1 — 2 ми­нут. У да­гер­ро­тип­ных фо­топ­ласти­нок су­щест­во­вал еще один серь­ез­ный не­дос­та­ток: каж­дый кадр был уни­каль­ным — с не­го не де­лали от­пе­чат­ков.

Пер­вый не­гатив­но-по­зитив­ный фо­тог­ра­фичес­кий про­цесс — ка­лоти­пию изоб­рел в 1839 го­ду анг­ли­чанин Уиль­ям Ген­ри Фокс Таль­бот. Ка­лоти­пи­ей поль­зо­вались пер­вые в ми­ре ве­ликие мас­те­ра фо­топорт­ре­та шот­ланд­цы Дей­вид Ок­та­ви­ус Хилл и Ро­берт Адам­сон. Сле­ду­ющее зна­мена­тель­ное со­бытие, ока­зав­шее вли­яние на порт­рет­ную съ­ем­ку, про­изош­ло в 1851 го­ду. Фре­дерик Скотт Ар­чер изоб­рел мок­ро­кол­ло­ди­он­ный спо­соб, при ко­тором не­гатив­ное изоб­ра­жение ре­гист­ри­рова­лось на стек­лянной плас­тинке. Этот спо­соб не толь­ко дал воз­можность восп­ро­из­во­дить изоб­ра­жение в не­ог­ра­ничен­ном ко­личест­ве, но и поз­во­лил су­щест­вен­но сок­ра­тить вре­мя вы­держ­ки.

Мок­ро­кол­ло­ди­он­ный спо­соб че­рес­чур ус­ложнил на­тур­ные съ­ем­ки, так как фо­топ­ластин­ку при­ходи­лось сен­си­били­зиро­вать и про­яв­лять, по­ка она не вы­сох­ла, в ла­бора­тор­ных ус­ло­ви­ях. За­то порт­ре­тис­ту, ра­бота­юще­му в сту­дии, он очень об­легчил жизнь.

В треть­ей чет­верти XIX ве­ка жанр фо­топорт­ре­та бур­но раз­ви­вал­ся, и по обе сто­роны Ат­ланти­чес­ко­го оке­ана по­яви­лась це­лая пле­яда круп­ных ху­дож­ни­ков.

В Аме­рике выд­ви­нулись Мэттью Брей­ди, Аль­берт Сэндс Са­утуорт и Джо­сайя Джон­сон Хо­уз, во Фран­ции на­иболь­шей из­вест­ностью поль­зо­вались Эть­ен Кар­жа, Ка­миль Силь­ви и На­дар, в Анг­лии — Ос­кар Гус­тав Рей­лан­дер.

В Анг­лии же в 1864 — 1875 го­дах без­раздель­но царс­тво­вала нес­равнен­ная Джу­лия Мар­га­рет Ка­мерон.

Джу­лия Мар­га­рет Ка­мерон

Сэр Джон Гер­шель

Од­на­ко за яр­ким иск­лю­чени­ем Джу­лии Мар­га­рет Ка­мерон, по­пирав­шей все ка­ноны сво­ими круп­ны­ми пла­нами, с ко­торых смот­ре­ли ли­ца зна­мени­тос­тей, да, по­жалуй, Ль­юиса Кэр­ролла, стре­мив­ше­гося к не­пос­редс­твен­ности и неп­ри­нуж­деннос­ти, фо­топорт­ре­тис­ты XIX ве­ка в ос­новном за­имс­тво­вали при­емы порт­рет­ной жи­вопи­си.

В боль­шинс­тве сво­ем они сле­дова­ли шаб­ло­ну и соз­да­вали ста­тич­ные, нем­но­го тя­жело­вес­ные изоб­ра­жения.

Ти­пич­ный порт­рет выг­ля­дел так: хо­рошо ос­ве­щен­ная мо­дель, обыч­но в крес­ле, с по­воро­том на три чет­верти, дра­пиров­ка или жи­вопис­ный зад­ний план, ими­тиру­ющий ес­тест­вен­ную обс­та­нов­ку.

За иск­лю­чени­ем от­дель­ных вдох­но­вен­ных но­вато­ров и фо­торе­алис­тов, та­кая трак­товка, боль­ше по­хожая на жи­вопись, с не­кото­рыми мо­дифи­каци­ями и усо­вер­шенс­тво­вани­ями сох­ра­нялась в прак­ти­ке мно­гих порт­ре­тис­тов вплоть до се­реди­ны XX сто­летия.

По­дав­ля­ющее боль­шинс­тво фо­тог­ра­фов XX ве­ка при­мени­тель­но к порт­рет­ной съ­ем­ке ста­вило во гла­ву уг­ла два тре­бова­ния: сни­мать порт­ре­ты толь­ко в сту­дии и при­давать ос­ве­щению обо­жест­вля­ющий от­части мис­ти­чес­кий ха­рак­тер.

Эти не­писа­ные за­коны сдер­жи­вали раз­ви­тие порт­рет­ной фо­тосъ­ем­ки.

Эл­вин Лэнг­дон Ко­уберн

Марк Твен, 1908

Порт­ре­ты пи­сате­лей и ху­дож­ни­ков в ис­полне­нии Ко­убер­на со­чета­ют в се­бе эле­мен­ты на­тура­лиз­ма с ще­петиль­ной ува­житель­ностью к клас­си­чес­кой ком­по­зиции и рав­но­весию. Хо­тя Ко­убер­на луч­ше зна­ют по экс­пе­римен­там в об­ласти фо­то­абс­трак­ции, в пос­леднее вре­мя бо­лее вы­сокую оцен­ку по­луча­ют его порт­ре­ты, сня­тые в тра­дици­он­ной ма­нере. Он сде­лал этот сни­мок на плен­ке «Ав­тохром» в 1910 го­ду.

Э. Л. Ко­уберн, Ман Рэй, Гу­го Эр­фурт, Хо­вард Кос­тер, Чард­жшей­мер, Эд­вард Стей­хен, Жи­зель Фрой­нд, Юсуф Карш, Фи­липп Халс­ман, Ир­винг Пенн и Ри­чард Эй­вдон — все эти мас­те­ра порт­рет­но­го жан­ра поч­ти не­из­менно ра­бота­ли в сту­дии.

В то вре­мя как ос­новная мас­са пос­редс­твен­ных фо­тог­ра­фов про­из­во­дила на свет фо­тош­тампы, твор­чест­во нас­то­ящих ху­дож­ни­ков от­ме­чено не­обы­чай­ной изоб­ре­татель­ностью и но­ваторс­твом Ман Рэй, отк­рыв при­ем со­ляри­зации, соз­дал мно­го за­меча­тель­ных, поч­ти объ­ем­ных порт­рет­ных изоб­ра­жений.

Юсуф Карш

Эр­нест Хе­мин­гу­эй

Карш, ве­ро­ят­но, на­ибо­лее из­вест­ный из пос­ле­во­ен­ных фо­топорт­ре­тис­тов. Он прос­ла­вил­ся мас­терс­ким вла­дени­ем круп­но­фор­ма­ными ка­мера­ми и тща­тель­ным, вы­рази­тель­ным ос­ве­щени­ем. Его порт­ре­ты бы­ли очень по­пуляр­ны в 1950-х и 1960-х го­дах.

Эд­вард Стей­хен с вы­дум­кой ис­поль­зо­вал те­ни и рек­ви­зит при ра­боте над изыс­канны­ми порт­ре­тами «звезд» и зна­мени­тос­тей. От­ли­читель­ной осо­бен­ностью ма­неры Чард­жшей­ме­ра бы­ла рез­кость, очень вы­сокая конт­рас­тность сним­ков.

Ир­винг Пенн

Пикассо

А Ир­винг Пенн, так­же обыч­но ра­ботав­ший в сту­дии, пред­по­читал са­мое прос­тое ос­ве­щение — как пра­вило, днев­ное — и сни­мал мо­дель круп­ным пла­ном, уси­ливая впе­чат­ле­ние с по­мощью конт­рас­тно­го че­редо­вания све­та и те­ни. Пенн прос­ла­вил­ся еще и прос­то­той ин­терь­ера, к при­меру, угол сте­ны или ко­роб­ки, нак­ры­тые меш­ко­виной.

Ричард Аведон при­об­рел из­вест­ность в выс­шей сте­пени ре­алис­ти­чес­ки­ми, прав­ди­выми порт­ре­тами вы­да­ющих­ся лич­ностей. 

Ричард Аведон

Пол Маккартни

Нес­мотря на то, что эти фо­тог­ра­фы лишь из­редка ра­бота­ли вне сту­дии, они, бе­зус­ловно, бы­ли и ос­та­ют­ся ху­дож­ни­ками в сво­ем де­ле. Их мас­терс­тво приз­на­но бла­года­ря то­му, что они вы­бира­ли при­емы, ви­ды ос­ве­щения с уче­том осо­бен­ностей дан­ной мо­дели. О лич­ности по­зиру­юще­го за­быва­ют лишь те, у ко­го пре­об­ла­да­ет тех­ни­чес­кая сто­рона фо­тосъ­ем­ки.

К со­жале­нию, мно­гие фо­топорт­ре­тис­ты — воз­можно, вдох­новлен­ные ус­пе­хом Юсу­фа Кар­ша, слиш­ком ув­ле­ка­ют­ся проб­ле­мами ос­ве­щения. Ра­боты Кар­ша нас­толь­ко вы­деля­ют­ся тех­ни­чес­ким со­вер­шенс­твом, и поль­зу­ет­ся он столь сме­лыми при­ема­ми ос­ве­щения, что фо­тог­ра­фы до­воль­но час­то, без­думно под­ра­жая ему, де­ла­ют сним­ки, в ко­торых за внеш­ним блес­ком очень сла­бо ощу­ща­ют­ся ду­ша, мысль и зна­ние пред­ме­та.

До­роти Лэндж

Мать — пе­ресе­ленкa

Лэндж бы­ла од­ним из луч­ших аме­риканс­ких до­кумен­та­лис­тов. Порт­рет сде­лан в 1930-х го­дах, ког­да Лэндж ра­бота­ла в Ад­ми­нист­ра­ции по за­щите фер­ме­ров. «Мать — пе­ресе­лен­ка», бе­зус­ловно, на­ибо­лее зна­мени­тый сни­мок 20 сто­летия. Для не­го не по­зиро­вали, он не­от­ре­пети­рован и пре­дель­но ре­алис­ти­чен.

За­поми­на­ют­ся порт­ре­ты лишь тог­да, ког­да ав­тор и на­мерен­но, и ин­ту­итив­но прис­по­саб­ли­ва­ет тех­ни­ку и стиль к каж­дой мо­дели в от­дель­нос­ти. Хо­роший порт­рет дол­жен в пер­вую оче­редь раск­ры­вать лич­ность по­зиру­юще­го. Пер­вым еще до вто­рой ми­ровой вой­ны та­кой под­ход ис­по­ведо­вал Фе­ликс Г. Ман.

Позд­нее в этой ма­нере на­чали ра­ботать фо­тожур­на­лис­ты Ан­ри Картье-Брес­сон и У. Юд­жин Смит, а так­же ве­лико­леп­ный фо­тог­раф пос­ле­во­ен­ной по­ры Билл Брандт.

Они ре­шили пос­ту­пить­ся ос­на­щен­ностью и удобс­тва­ми сту­дии, да­бы по­пытать­ся най­ти ис­тинную сущ­ность сво­их ге­ро­ев в их при­выч­ной обс­та­нов­ке. В род­ном до­ме мо­дель раск­ре­поще­на, а раз­личные пред­ме­ты, ме­бель и про­фес­си­ональ­ные при­над­лежнос­ти мо­гут уси­лить крас­но­речи­вость об­ра­за. Билл Бранд по­шел еще даль­ше.

Что­бы пе­редать ха­рак­тер мо­дели, он по­рой ис­кал осо­бое мес­то или ок­ру­жение, оп­ре­деляя са­мос­то­ятель­но, что вклю­чить в кадр и ре­шая, как имен­но по­казать мо­дель. В из­вест­ном смыс­ле та­кая фо­тог­ра­фия не бу­дет впол­не объ­ек­тивной. Од­на­ко да­же под­линные ре­алис­ты — Пол Стрэнд и Огаст Сан­дер, вы­бира­ют вре­мя и ус­ло­вия съ­ем­ки.

Сесил Би­тон

Од­ри Хеп­берн

В по­ис­ках при­мера для под­ра­жания сто­ит об­ра­тить вни­мание еще на трех фо­тог­ра­фов — сэ­ра Се­сила Би­тона, лор­да Сно­удо­на и Ар­ноль­да Нь­юма­на.

Би­тон из­вестен не толь­ко как зна­мени­тый фо­тог­раф, но и как один из ве­дущих те­ат­раль­ных ху­дож­ни­ков. Эти та­лан­ты он со­четал в сво­их рос­кошных де­кора­тив­ных сним­ках, где пол­новласт­ным хо­зя­ином час­то яв­ля­ет­ся цвет. На про­тяже­нии трех де­сяти­летий Би­тон был од­ним из ве­дущих фо­тог­ра­фов жур­на­ла «Вог» и вы­рабо­тал но­вый стиль съ­ём­ки, где мо­дель как бы ста­новит­ся частью де­кора­тив­но­го ок­ру­жения.

Порт­ре­ты Би­тона — и те, что сде­ланы в ес­тест­вен­ной обс­та­нов­ке, и бо­лее прос­тые, — сня­тые в сту­дии, ис­полне­ны боль­шой си­лы и про­ник­но­вен­ности, хо­тя зна­читель­ная часть его при­хот­ли­вой ат­ри­бути­ки поп­росту де­кора­тив­на.

Сно­удон — один из са­мых наб­лю­датель­ных и раз­носто­рон­них из сов­ре­мен­ных фо­топорт­ре­тис­тов. Он уде­ля­ет мно­го вре­мени сво­им мо­делям, и как следс­твие это­го порт­ре­ты по­луча­ют­ся глу­боки­ми и во мно­гом раск­ры­ва­ют ха­рак­тер че­лове­ка.

Ар­ноль­д Нь­юма­н

Дали

Нь­юман, по­жалуй, бо­лее дру­гих порт­ре­тис­тов сос­ре­дото­чен на ком­по­зици­он­ных ре­шени­ях, что осо­бен­но за­мет­но по его изу­митель­ным порт­ре­там Стра­винс­ко­го и Монд­ри­ана.

Нас­коль­ко ши­роки се­год­ня рам­ки порт­рет­ной фо­тог­ра­фии. Преж­нее предс­тав­ле­ние о ней как о сту­дий­ном сним­ке че­лове­ка по пле­чи — не­сос­то­ятель­но и ста­ромод­но.

 

Фо­тог­ра­фия в ос­но­ве сво­ей опи­ралась на слож­ное вза­имо­дей­ствие оп­ти­ки и хи­мии. Меж­ду тем мно­гие фо­тог­ра­фии, соз­данные за ми­нув­шие 160 лет, — бесс­пор­ные ше­дев­ры.

Что та­кое фо­тог­ра­фия — на­ука, ис­кусс­тво или ре­мес­ло?

Оп­ре­делен­но мож­но ска­зать толь­ко сле­ду­ющее: мы су­дим о фо­тос­нимке по то­му, ка­кое впе­чат­ле­ние он про­из­во­дит на зри­теля, по его эмо­ци­ональ­но­му за­ряду и объ­ему ин­форма­ции, ко­торая в нем за­ложе­на. Не­ос­по­рим и тот факт, что нель­зя под­нять­ся до вы­сот мас­терс­тва, не имея тех­ни­чес­ких зна­ний. В порт­ре­те, как и в лю­бом дру­гом жан­ре, фо­тог­раф не мо­жет пол­ностью пос­вя­тить се­бя ре­шению твор­ческих воп­ро­сов, не зная осо­бен­ностей ме­хани­ки соз­да­ния сним­ка.

Се­мей­ная груп­па, Мэй­отт Маг­нус

Этот се­мей­ный порт­рет про­думан до мель­чай­ших под­робнос­тей и от­ве­ча­ет тре­бова­ни­ям ком­по­зиции и рав­но­весия. Зри­тель пе­рево­дит взгляд с от­ца в ок­не на мать и дочь, сто­ящую спра­ва от неё, а уж по­том на дру­гих де­тей. В этом от­но­шении фо­тог­ра­фия очень силь­ное средс­тво вы­раже­ния, сто­ящее в од­ном ря­ду с дру­гими ви­дами ис­кусс­тва.

Од­на­ко в дан­ном слу­чае, как и во­об­ще в ис­кусс­тве, твор­ческое на­чало кро­ет­ся не собс­твен­но в средс­тве вы­раже­ния, а в уме­нии мас­те­ра ис­поль­зо­вать его воз­можнос­ти.

Воз­можнос­ти фо­тог­ра­фии про­яв­ля­ют­ся в пол­ной ме­ре, ес­ли в неп­редс­ка­зу­емый миг уда­ет­ся за­печат­леть ха­рак­тер и лич­ность че­лове­ка.

Фо­тог­ра­фия без сом­не­ния луч­шее средс­тво для соз­да­ния порт­ре­тов. Ес­ли этим средс­твом поль­зо­вать­ся с умом и зна­ни­ем де­ла, мож­но по­лучать изоб­ра­жения лю­дей столь крас­но­речи­вые, прон­зи­тель­ные и по­рой столь тро­гатель­ные, что с ни­ми не срав­нятся ни­какие иные спо­собы вы­раже­ния, за иск­лю­чени­ем раз­ве ки­нема­тог­ра­фа.

Из кни­ги Хор­хе Лу­инс­ки и Мэй­отт Маг­нус «The Book of Portrait Photography, A Dorling Kindersley Book, London».

Материал подготовила P.S. София

На данный момент ни одного комментария не добавлено, будьте первым!

Портрет – HiSoUR История культуры

Портрет – это живопись, фотография, скульптура или другое художественное изображение человека, в котором лицо и его выражение преобладают. Цель состоит в том, чтобы показать подобие, личность и даже настроение человека. По этой причине в фотографии портрет обычно не является снимком, а составленным изображением человека в неподвижном положении. В портрете часто отображается человек, который смотрит прямо на художника или фотографа, чтобы наиболее успешно привлечь субъекта к зрителю.

Просмотр профиля, просмотр в полноэкранном режиме и трехквартальное представление – это три общих обозначения для портретов, каждый из которых относится к определенной ориентации головы изображенного лица. Такие термины, как правило, имеют большую применимость к двумерным произведениям, таким как фотография и живопись, чем к трехмерным произведениям искусства, таким как скульптура. В случае трехмерного изображения зритель обычно может изменить свою ориентацию на произведение, передвигая его.

Портрет представляет собой произведение изобразительного, графического, фотографического искусства и т. Д., Целью которого является представление аналогичным образом человека с его нарядом и его характерными выражениями. Термин портрет, примененный к скульптуре в Франция в классическом периоде.

Этот термин более редко применяется к представлению животного, хотя животные часто появляются в портретах, как приложения, характерные для представленного человека, как в конном портрете.

история
Большинство ранних представлений, которые явно предназначены для того, чтобы показать человека, являются правителями и склонны следовать идеализационным художественным соглашениям, а не индивидуальным особенностям тела субъекта, хотя, когда нет никаких других доказательств относительно появления правителя, степень идеализации может трудно оценить. Тем не менее, многие предметы, такие как Эхнатон и некоторые другие египетские фараоны, могут быть распознаны их отличительными особенностями. 28 сохранившихся довольно маленьких статуй Гудеи, правителя Лагаш в Шумере между c. 2144 – 2124 гг. До н.э., демонстрируют последовательную внешность с некоторой индивидуальностью.

Некоторые из самых ранних сохранившихся портретов людей, которые не были правителями, – это греко-римские погребальные портреты, сохранившиеся в сухом климате Египет в Файюмском районе. Это почти единственные картины из классического мира, которые сохранились, кроме фресок, хотя многие скульптуры и портреты на монетах были лучше. Хотя внешний вид фигур значительно отличается, они значительно идеализированы, и все они показывают относительно молодых людей, что делает его неопределенным, были ли они окрашены из жизни.

Искусство портрета процветало в древнегреческой и особенно римской скульптуре, где ситтеры требовали индивидуализированных и реалистичных портретов, даже нелестных. В течение 4-го века портрет начал отступать в пользу идеализированного символа того, как выглядел этот человек. (Сравните портреты римских императоров Константина I и Феодосия I по их записям.) В Европа раннего средневековья представления индивидов в основном обобщаются. Истинные портреты внешнего облика людей вновь появились в позднем средневековье, в памятниках гробниц, портретах-донорах, миниатюрах в освещенных рукописях, а затем на панельных рисунках.

Моче культура Перу была одной из немногих древних цивилизаций, которые создавали портреты. Эти работы очень точно отражают анатомические особенности. Индивидуумы, которые были изображены, были бы узнаваемы без необходимости использования других символов или письменной ссылки на их имена. Лица, изображенные, были членами правящей элиты, священников, воинов и даже выдающихся ремесленников. Они были представлены на нескольких этапах их жизни. Также изображены лица богов. На сегодняшний день никаких портретов женщин не найдено. Особое внимание уделяется представлению деталей головных уборов, причесок, украшений для тела и живописи.

Одним из самых известных портретов в западном мире является картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза», в которой изображена Лиза дель Джокондо. То, что считалось самым старым известным портретом в мире, было обнаружено в 2006 году в вильхоннурском гроте близ Ангулема, и ему, как полагают, 27 000 лет.

Жанры портрета
Self-портретной
Когда художник создает портрет самого себя, он называется автопортретом. Идентифицируемые примеры становятся многочисленными в позднем средневековье. Но если определение будет расширено, то первым был скульптор египетского фараона Эхнатона Бак, который вырезал представление о себе и своей жене Тахери. 1365 г. до н. Тем не менее, кажется вероятным, что автопортреты возвращаются к картинам пещер, самому раннему изобразительному искусству, а в литературе записаны несколько классических примеров, которые теперь потеряны.

Официальный портрет
Официальный портрет – это фотографическое производство записей и распространение важных личностей, особенно королей, президентов и губернаторов. Его обычно украшают официальные цвета и символы, такие как флаг, президентские полосы и гербы стран, штатов или муниципалитетов. Существует также коннотация как изображение событий, продуктов и встреч.

Портретная фотография
Портретная фотография – популярная коммерческая индустрия во всем мире. Многим людям нравится иметь профессионально созданные семейные портреты, чтобы висеть в их домах, или специальные портреты в ознаменование определенных событий, таких как выпускные вечера или свадьбы. С самого начала фотографии люди делали портреты. Популярность дагерротипа в середине XIX века во многом объяснялась спросом на недорогие портреты. Студии возникли в городах по всему миру, некоторые из них выпускали более 500 тарелок в день. Стиль этих ранних работ отражал технические проблемы, связанные с 30-секундным временем экспозиции и живописной эстетикой того времени. Субъекты, как правило, сидели на равнинах и освещены мягким светом верхнего окна и все остальное могло отражаться на зеркалах.

По мере того, как разрабатывались фотографические методы, бесстрашная группа фотографов выходила из студии и на поля битвы, через океаны и в глубь пустыни. «Дагерротип Салон Уильяма Шева», «Фотографический фургон Роджера Фентона» и «Что-есть-то» Мэтью Брэди? вагон устанавливал стандарты для создания портретов и других фотографий в полевых условиях.

Политика
В политике портреты лидера часто используются в качестве символа государства. В большинстве стран общий протокол о том, чтобы портрет главы государства появлялся в важных правительственных зданиях. Чрезмерное использование портрета лидера, например, сделанное Иосифом Сталиным, Адольфом Гитлером или Мао Цзэдуном, может показаться культом личности.

Литература
В литературе термин «портрет» относится к письменному описанию или анализу человека или вещи. Письменный портрет часто дает глубокое понимание и предлагает анализ, который выходит далеко за пределы поверхностного. Например, американский автор Патриция Корнуэлл написала книгу «Портрет убийцы», в которой рассказывается о личности, происхождении и возможных мотивах Джека Потрошителя, а также о освещении в СМИ его убийств и последующем полицейском расследовании его преступлений ,

Техника и практика:
Ожидается, что хорошо выполненный портрет покажет внутреннюю сущность предмета (с точки зрения художника) или лестное представление, а не просто буквальное подобие. Как утверждал Аристотель: «Целью искусства является не внешний вид вещей, а их внутреннее значение, ибо это не внешняя манера и детали, а истинная реальность». Художники могут стремиться к фотографическому реализму или импрессионистическому сходству при изображении своего предмета, но это отличается от карикатуры, которая пытается выявить характер посредством преувеличения физических особенностей. Художник обычно пытается изобразить представителя, как заявил Эдвард Бёрн-Джонс: «Единственное выражение, допустимое в большой портретной живописи, – это выражение характера и морального качества, а не что-то временное, мимолетное или случайное».

В большинстве случаев это приводит к серьезному закрытому губному взгляду, и что-то за пределами легкой улыбки довольно редко встречается в истории. Или, как сказал Чарльз Диккенс, «есть только два стиля портретной живописи: серьезная и ухмылка». Даже учитывая эти ограничения, полный тираж тонких эмоций возможен от тихой угрозы до нежного удовлетворения. Однако, если рот относительно нейтрален, большая часть выражения лица должна создаваться через глаза и брови. Как утверждает автор и художник Гордон К. Аймар, «глаза – это место, где ищут самую полную, надежную и соответствующую информацию» о предмете. И брови могут регистрироваться «почти в одиночку, чудо, жалость, страх, боль, цинизм, концентрация, задумчивость, неудовольствие и ожидание в бесконечных вариациях и комбинациях».

Портретная картина может изображать тему «полная длина», «половина длины», «голова и плечи» (также называемая «бюст») или «голова», а также в профиле «трехквартальное представление», полное лицо “, с различными направлениями света и тени. Иногда художники создавали портреты с несколькими видами, как с «Тройным портретом Карла I» Антони ван Дейка. Есть даже несколько портретов, где фронт предмета вообще не виден. Мир Кристины Эндрю Уайта (1948) – это знаменитый пример, где поза девушки-инвалида с ее спиной обратилась к зрителю, интегрируется с обстановкой, в которой она помещается, чтобы передать интерпретацию художника.

Другой пример «трехквартального представления» в портрете, в данном случае фотографии, можно найти здесь, в статье «Портрет».

Среди других возможных переменных предмет может быть одет или обнажен; в помещении или вне; стоя, сидя, лежа; даже на лошади. Портретные картины могут быть отдельными лицами, парами, родителями и детьми, семьями или коллегиальными группами. Они могут быть созданы в различных средах, включая масла, акварель, ручку и чернила, карандаш, древесный уголь, пастель и смешанные среды. Художники могут использовать широкую палитру цветов, как с маской Пьера-Огюста Ренуара. Шарпантье и ее дети в 1878 году или ограничились большей частью белым или черным, как в «Портрет Джорджа Вашингтона» Гильберта Стюарта (1796).

Иногда общий размер портрета является важным соображением. Огромные портреты Chuck Close, созданные для музейного дисплея, сильно отличаются от большинства портретов, предназначенных для размещения в доме или легко путешествующих с клиентом. Часто художник учитывает, где будет виден последний портрет, а также цвета и стиль окружающего декора.

Создание портрета может занять значительное время, обычно требуя нескольких сеансов. Сезанн, с одной стороны, настаивал на более чем 100 заседаниях от его предмета. Гойя, с другой стороны, предпочел один длинный день. В среднем около четырех. Художники иногда представляют своих сиделок с портфолио рисунков или фотографий, из которых няня выбирает предпочтительную позу, как и сэр Джошуа Рейнольдс. Некоторые, такие как Ханс Гольбейн Младший, делают рисунок лица, затем завершают оставшуюся картину без сидения. В 18-ом столетии, как правило, требуется около года, чтобы доставить завершенный портрет клиенту.

Управление ожиданиями и настроением ситтера вызывает серьезную озабоченность у портретиста. Что касается верности портрета к внешнему виду няни, то, как правило, в их подходе преобладают портретисты. Клиенты, которые искали сэра Джошуа Рейнольдса, знали, что они получат льстивый результат, в то время как ситтеры Томаса Икинса знали, что ожидают реалистичного, неутомимого портрета. Некоторые субъекты озвучивают сильные предпочтения, другие позволяют художнику полностью решить. Оливер Кромвель классно потребовал, чтобы его портрет показывал «все эти неровности, прыщи, бородавки и все, что вы меня видите, иначе я никогда не заплачу за это».

После того, как он поместил сидящего в покое и вдохновил естественную позу, художник изучает свой предмет, ища одно выражение лица, из множества возможностей, которое удовлетворяет его концепции сущности няни. Поза субъекта также тщательно рассматривается, чтобы выявить эмоциональное и физическое состояние няни, как и костюм. Чтобы удержать сидящего и мотивированного, искусный художник часто будет поддерживать приятное поведение и беседу. Элизабет Виге-Лебрен посоветовала коллегам-художникам обмануть женщин и похвалить их внешность, чтобы добиться их сотрудничества на заседании.

Центральное место в успешном исполнении портрета – это овладение человеческой анатомией. Человеческие лица являются асимметричными, и искусные художники портрета воспроизводят это с тонкими различиями влево-вправо. Художники должны быть осведомлены о лежащей в основе структуре костей и тканей, чтобы сделать убедительный портрет.

Для сложных композиций художник может сначала сделать полный карандаш, чернила, древесный уголь или масляный эскиз, что особенно полезно, если доступное время стоянки ограничено. В противном случае общий вид, а затем грубое подобие нарисован на холсте карандашом, древесным углем или тонким маслом. Во многих случаях лицо завершается первым, а остальное потом. В студиях многих великих художников-портретистов мастер сделал бы только голову и руки, в то время как одежда и фон были бы завершены главными учениками. Были даже внешние специалисты, которые занимались такими предметами, как драпировка и одежда, такие как Джозеф ван Акен. Некоторые художники в прошлые времена использовали фигурки или куклы, чтобы помочь установить и исполнить позу и одежду. Использование символических элементов, расположенных вокруг няни (включая знаки, предметы домашнего обихода, животных и растений), часто использовалось для кодирования картины с моральным или религиозным характером субъекта или с символами, представляющими профессию, интересы или социальную положение дел. Фон может быть полностью черным и без содержания или полной сцены, которая помещает няню в их социальную или рекреационную среду.

Автопортреты обычно производятся с помощью зеркала, а конечный результат – портрет зеркального изображения, поворот того, что происходит в нормальном портрете, когда няня и художник противоположны друг другу. В автопортрете художник с правой рукой, казалось бы, держит кисть в левой руке, если художник не намеренно исправляет изображение или не использует второе зеркало заднего вида во время рисования.

Иногда клиент или семья клиента недовольны результирующим портретом, и художник обязан повторно связать его или сделать это или выйти из комиссии без выплаты, страдающей от унижения неудачи. Жак-Луи Дэвид отпраздновал портрет мадам Рекамье, дико популярный на выставках, был отвергнут нянькой, как и печально известный портрет г-жи X. Джон Саргент. Портрет Джона Трамбулла, генерал Джордж Вашингтон в Трентоне, был отклонен комитетом который его заказал. Лично колючий Гилберт Стюарт однажды ответил на неудовлетворенность клиента портретом своей жены: «Вы принесли мне картошку, и вы ожидаете персика!»

Однако успешный портрет может получить пожизненную благодарность клиенту. Граф Бальтазар был так доволен тем, что Рафаил создал свою жену, что он сказал художнику: «Только ваш образ … может облегчить мои заботы. Этот образ – мое удовольствие, я направляю свои улыбки к нему, это моя радость».

ПОРТРЕТ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ | Энциклопедия Кругосвет

ПОРТРЕТ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ – это художественное высказывание, имеющее содержание и способ выражения (грамматику, стилистику). Какова тема любого портрета? На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека. Всеобщая (инвариантная) тема портрета – индивидуальная жизнь человека, индивидуальная форма его бытия. Независимо от того, сколько человек изображено на портрете – двое (парный портрет) или несколько (групповой), каждый из них на портрете обладает относительной автономией. На портрете могут звучать две, три темы и т.д., но каждая из них – тема индивидуальной жизни. Если темы теряют свою самостоятельность, портрет выходит за пределы своей жанровой специфики. Так, например, если темой выступает событие, перед нами не портрет, а картина, хотя ее герои могут быть изображены портретно.

Кроме темы, портрет имеет всеобщий (инвариантный) сюжет, такую форму бытия, как созерцание-мышление, интеллектуальное, внутреннее созерцание. В этом состоянии субъект вбирает в себя весь мир предметов и связей со стороны их значения, смысла, коренных вопросов человеческого существования. Сознание погружается в самого себя. Человек при этом освобождается от односторонности, от узости страсти или случайного настроения. Индивид внутри себя преисполнен поэзии и фантазии, глубокого погружения в размышления и мысли, в собственный замкнутый внутренний мир.

Такому состоянию противопоказано действие, речедвигательная активность (на портрете человек, как правило, не «говорит». На портрете человек молчит, но это красноречивое молчание. Портрету противопоказаны аффекты (гнев, ярость, бурное веселье и т.д.) – сильное кратковременное чувство, связанное с активной двигательной реакцией. Для портрета характерен одушевленный покой.

Человек созерцающий предполагает разнообразное сочетание иных характеристик – социальное положение, национальность, возраст, религиозные и нравственные признаки, характер и др.

Созерцающе-размышляющий индивид изображается на портрете во внешнем облике. Главное здесь – зеркало души, лицо, а в лице – выражение глаз. Взгляд устремлен вдаль или уходит вглубь души, он «проходит» сквозь зрителя.

В чем заключается эстетический инвариант жанра портрета? Замечено, что модель на портрете не смеется и не вызывает смеха. Категория комического противопоказана «архетипу» жанра портрета. Эстетическим инвариантом портрета является категория «серьезного». Портрет – серьезен. Модель на портрете изображена в серьезную минуту жизни. Портрет опускает то, что принадлежит простой случайности, мимолетной ситуации, присущей человеку в реальной жизни. В этом смысле портрет, по выражению Гегеля, «льстит» модели. Существует внутренняя связь между созерцанием-размышлением и эстетической серьезностью. Когда человек серьезен, он не смеется. Там, где на портрете модели смеются, жанр портрета находится на границе с другими жанрами – этюдом, эскизом, «жанром» и т.п. Духовный аспект – главное в портрете. Содержанием серьезного может быть и трагическое и возвышенное.

Портрет, как и каждое художественное высказывание, реализует себя через композиционную форму. Она специфична для искусства. Композиционным инвариантом портрета выступает такое построение, в результате которого в центре композиции, в фокусе зрительского восприятия оказывается лицо модели. Не случайно композиционным симптомом становления жанра европейского портрета в эпоху раннего Возрождения называют «Выход из профиля» в фас. Исторические каноны в сфере композиции портрета предписывают определенную трактовку центрального положения лица по отношению к позе, одежде, окружению, фону и т.п.

С точки зрения содержания (семантики) портрета жанра, несовместимыми с его архетипом принято считать «натюрмортные» и «декоративные» портреты. «Натюрмортные» портреты, изображая индивидуальность, трактуют ее как «вещь», «декоративные» – не с позиций категории «серьезного», а с точки зрения «декоративного ощущения».

Анализ «архетипа» жанра портрета с точки зрения способов выражения ведется на трех уровнях: коммуникативном, эстетическом и композиционном. Эстетическая форма выражения должна быть только совершенной, гармоничной, «прекрасной», композиционная – «технически» обеспечивать реализацию эстетической и коммуникативной формы. Коммуникативным инвариантом жанра портрета является изображение. Основная черта изображения – сходство с отображаемым объектом, с моделью. Сходство – это подобие, но не тождество. Отступление от тождества в границах подобия не только допустимо, но необходимо для целей портрета.

Портрет не только изображает индивидуальность человека, но и выражает индивидуальность художественной личности автора. Портрет –«автопортретен». Художник вживается в облик модели, благодаря чему постигает духовную сущность человеческой индивидуальности. Такое постижение происходит только в акте эмпатии (перевоплощения) в процессе слияния «Я» модели и «Я» автора. В результате возникает новое единство, подобное тому, которое возникает между актером и его ролью. Благодаря такому слиянию модель на портрете выглядит как если бы она в действительности была живая. Одушевленность модели на портрете также входит в число черт, составляющих инвариант портрета. Поскольку портрет всегда в чем-то похож на автора, одновременно он в чем-то не похож на модель. Похожесть и непохожесть одинаково важны для портрета.

Для чего создается портрет, каково его жизненное назначение?

Портрет, который не превращает лицо в «вещь» и не живет только по каким-то совершенно абстрактным формальным законам, заключает в себе истину об индивидуальности Человека созерцающего (и модели и автора). Вот почему познавательная функция портрета – существенный и необходимый признак жанра портрета, его «архетипа». Это не мешает иным способам использования портрета (мемориального, репрезентативного, декоративного и др.) в соответствии с бытующей в искусствознании типологией портретного искусства.

В отличие от инварианта («архетипа») каноническая структура портрета относится не ко всем эпохам, а лишь к некоторым: через каноны, их историческую смену совершается развитие портретного жанра. Канон не следует отождествлять со штампом, он является одной из форм развития искусства и его жанров. Требования канона распространяются на все уровни формы, которые в своей целостности характеризуют стиль портрета. Например, стиль авангардного портрета конца XIX–XX вв. характеризуют такие черты, как «натюрмортность», выражение родового начала (не «Я», а «МЫ»), самовыражение, конструктивное сходство с моделью, гротесковость как ведущая эстетическая категория. Все это говорит о кризисе классического канона портретного жанра в искусстве авангарда при сохранении «архетипа».

В итоге можно дать следующее определение жанра портрета в его классическом виде: портрет раскрывает с позиций эстетической категории «серьезного» и в рамках живописного стиля истину человеческой индивидуальности посредством одушевленного изображения внешнего облика человека (композиция изображения такова, что в центре оказывается лицо и глаза), выражающего рефлексивно-медитативное состояние модели и автора.

Евгений Басин

История портретной живописи | Торговый центр Галереи

Филип Молд OBE

Художественный исследователь был щедро финансирован Фондом Фойла.

Обзор

Вот уже 500 лет мы являемся нацией любителей портрета. Мы не только родили великих мастеров рисования лица — местных гениев, таких как Уильям Добсон, Уильям Хогарт, сэр Джошуа Рейнольдс, Томас Гейнсборо и сэр Томас Лоуренс, — но, когда это было необходимо, мы заманили их к нашим берегам.

Мастера вроде Ханса Гольбейна, сэра Энтони ван Дейка, сэра Годфри Кнеллера, Карла Ксавьера Винтерхальтера и Джона Сингера Сарджента приехали в Лондон за богатством и признанием, которое может дать им общество, захваченное самопрезентацией.

В последние годы британские художники, такие как Стэнли Спенсер, Люсьен Фрейд и Дэвид Хокни, продолжали держать британское лицо в авангарде фигуративного искусства мирового класса.

Сегодня

Сегодня портретная живопись — это процветающий вид искусства, который пережил заметное возрождение, о чем свидетельствуют разнообразные предложения и таланты, которые ежегодно проявляются в Национальной портретной галерее и Королевском обществе портретистов.

По широте, глубине и статусу Национальная портретная галерея в Лондоне (основана в 1856 году) не имеет себе равных во всем мире, включая Америку.Это обогащает этот вид искусства одобрением учреждения.

Палата общин и Палата лордов постоянно вводят в эксплуатацию новые произведения для своих коллекций произведений искусства, равно как и многочисленные городские гильдии, дворцы и общественные организации по всей стране. В любой момент сотни людей по всей стране увековечиваются в бесчисленных противоположных обличьях и средствах массовой информации.

История Тюдоров

Во времена Тюдоров озабоченность утверждением (недавно обретенной) власти совпадала с запретом на религиозное искусство.В результате немецкий гений Ганс Гольбейн с нетерпением получил задание стать портретистом. Только человек с его иллюзионистскими способностями мог превратить теплоту, которой был Генрих VIII, в объект имперской силы.

Он был немного меньше волшебника. Его рисунки лиц тюдоровского двора достигают современного зрителя кинематографической ясности и убедительности, закладывая основы нашей портретной культуры.

Силовые портреты

Крупные игроки в самые яркие моменты английской истории воспользовались услугами некоторых выдающихся художников.В высшей степени изящный брак между художественным гением Флеме Энтони Ван Дейком и тонким телом Карла I привел к созданию образов почти божественной силы. Позже в этом веке Карл II нашел в сэре Питере Лели человека, который лучше, чем он, мог путешествовать по чувственным щекам и телам придворной госпожи.

Меритократов Просвещения в разнообразных обличьях увековечил Рейнольдс, который перенес жестикуляции римской древности на бледные английские тела.

Хотя викторианцам не хватало типа élan, подходящего для чванливой кисти, пена эпохи Регентства Джорджа IV начала XIX века была кристаллизована сэром Томасом Лоуренсом.

Впоследствии эдвардианский бомонд был захвачен ослепительными, искрящимися движениями Джона Сингера Сарджента.

Новаторство, шик, непосредственность и театральность отличают всех этих портретистов: действительно, есть соблазн поверить, что они частично создали, а не просто зафиксировали историю британского общества.

Гордость среднего класса

В основе истории британской портретной живописи лежала ненасытная потребность фиксировать статус и достижения. Большой рост среднего класса в конце 17 века создал класс торговцев и профессионалов, которые начали заказывать портреты. Мэр, солдат, банкир, священнослужитель и политик — вместе со своими женами, а иногда и детьми — все нуждались в прикосновении к бессмертию.

Уильям Хогарт был первым гениальным художником по рождению, который понимал баланс между рангом и личностью.Портреты Томаса Гейнсборо его натурщиков из Ипсвича, достойных сэра Генри Реберна из Эдинбурга и бесчисленных голов таких художников, как Джон Партридж, Джордж Фредерик Уоттс и Джон Эверетт Милле, следуют по пути через 20-й век, который завершается, среди прочего, в Королевском обществе Художники-портретисты.

Портреты для искусства

Портретная живопись, или человеческое лицо и тело, позволила художникам выразить свои собственные опасения и интересы по поводу состояния человека.Это часть давней традиции, которая в некотором смысле началась с самоанализа автопортретов Рембрандта. Он принял захватывающие и разнообразные направления.

Фрэнсис Бэкон блестяще исказил тела и лица, чтобы выразить свое душевное волнение. Во многих смыслах каждый Люсьен Фрейд является автопортретом, настолько последовательны его неотразимо индивидуалистические, часто тревожные характеристики.

Художественно живым образный портрет сохраняет творчество поистине новаторских практиков, которые воплощают то, что может стать пешеходной формой искусства, с личными, рефлексивными и сложными подходами.

© Филип Молд ОБЕ 2009

Изображение предоставлено

Сверху вниз:

Студия Гольбейна, Генриха VIII, © Historical Portraits Ltd.

Сэр Питер Лели, Молл Дэвис, © Historical Portraits Ltd.

Сэр Томас Лоуренс, Георг IV, © Historical Portraits Ltd.

Уильям Хогарт, Уильям Фицхерберт, © Historical Portraits Ltd.

Июнь Мендоса, баронесса Тэтчер, © Historical Portraits Ltd.

Стюарт Пирсон Райт, Бен Уишоу, © Historical Portraits Ltd.

6 самых легендарных портретов истории искусства

Иоганнес Вермеер, Девушка с жемчужной сережкой (около 1665 г.) / Via Wikimedia Commons

Откройте для себя необычные портреты на KAZoART.com

Портретная живопись — один из самых популярных жанров в живописи.В принципе, это способствует точному представлению человека, подчеркивая его физические характеристики и, возможно, даже интеллектуальные или духовные качества. Чтобы лучше проиллюстрировать это, KAZoART обратится к шести наиболее известным портретам, которые стали неотъемлемой частью истории искусства.

1. Мона Лиза , Леонардо да Винчи (1503-1506)
Леонар де Винчи, Мона Лиза, 1503-1506 / через Wikimedia Commons (улучшенное изображение)

Безусловно, самый известный портрет в мире, Мона Лиза очаровывает нас на протяжении веков.Эта молодая женщина является предметом многочисленных исследований и интриг и поэтому стала источником вдохновения для многих художников по всему миру, скопировавших ее стиль. Она даже несколько раз подвергалась плагиату.

Было много гипотез, связанных с личностью натурщика, но искусствоведы пришли к согласию относительно имени: Лиза Герадини дель Джокондо. Эта молодая женщина без бровей и ресниц, кажется, следит за нами глазами, куда бы мы ни пошли! Украденная в 1911 году, а затем возвращенная, она сейчас сидит в своей комнате в Лувре и продолжает озадачивать нас своей улыбкой, которая говорит слишком много, но все же недостаточно.Вся шумиха вокруг этого небольшого холста привела к тому, что ее назвали «переоцененной». Обожаете ли вы ее или относитесь к ней равнодушно, она никуда не денется и продолжит занимать первое место.

2. Девушка с жемчужной сережкой , Йоханнес Вермеер (около 1665 года)
Йоханнес Вермеер, Девушка с жемчужной серьгой (около 1665 г.) / Через Wikimedia Commons

Написано около 1665 года художником Девушка с жемчужной серьгой изначально называлось Девушка в тюрбане и, несомненно, является одним из главных произведений западного искусства.Этот портрет, который часто называют «Мона Лиза Северной», представляет собой одну из дочерей голландского художника. Мягкие черты лица молодой женщины выделяются на глубоком черном фоне. Ее шелковистый сине-желтый наряд еще раз подчеркивает общую изысканность работы.

Похоже, она хотела что-то сказать. Но чего она ждет? Загадка остается. Она смотрит через плечо, чтобы посмотреть на зрителя, и не отводит взгляда. Маленькая, но важная деталь, которой мы обязаны названием работы, — это, очевидно, жемчужина, которая сияет и противостоит окружающей тьме, символизируя целомудрие.

3. Мэрилин Монро , Энди Уоррол (1967)
Энди Уоррол, Мэрилин Монро, (1967)

Эта серия портретов объехала весь мир! Уорхол видел в Монро неиссякаемый источник вдохновения и умножил ее портрет на набор красочных шелкографий. Ключевой игрок в движении поп-арта, Уорхол разделил шок американской публики, когда в 1962 году было обнаружено, что актриса и певица покончили с собой.Происхождение этих портретов — фотография из рекламы фильма «Ниагара», на которой Монро предстает в черно-белом цвете с застывшей улыбкой.

На своих шелкографических принтах Уорхол раскрашивает ее лицо и доводит ее макияж до предела. Более того, цвет ее век систематически перекликается с фоном. Иногда это может выглядеть как ее реальное изображение, но в других версиях ее ультра-яркие цвета могут быть немного резкими для глаз. Этот странный контраст был способом Уорхола воздать должное ослепительному присутствию иконы в Голливуде 50-60-х годов.

4. Портрет Адель Блох Бауэр I , Густав Климт (1907)
Густав Климт, Портрет Адель Блох-Бауэр I (1907 г.) / Via Wikimedia Commons

На этом знаменитом портрете Густава Климта в центре внимания — женственность. Техника, использованная для этой картины, очень похожа на тех, что использовались в Поцелуй, , который был написан всего несколько месяцев спустя. Квадратный формат работы погружен в золото, что освещает молодую женщину и ее хорошо изображенные черты лица.Адель Блох Бауэр была обожаемым другом и покровителем художника. Она и ее муж Фердинанд поддерживали великих художников своего времени, одним из которых был Климт.

По их покровительству родился этот стилизованный портрет. Тело Адель покрыто множеством византийских мотивов. Повторяющиеся мозаичные изображения часто встречаются в работах Климта. Белая кожа модели радикально контрастирует со всеми золотыми нарядами вокруг нее, а общая абстракция работы прекрасно сочетается с реализмом ее портрета.

# 5 Vertumne, Arcimboldo (1590)
Арчимбольдо, Vertumne (1590) / через Wikimedia Commons

Арчимбольдо — художник, стиль которого невозможно не узнать. Итальянский художник эпохи Возрождения известен своими портретами, состоящими из растений и растений. Сделанный в 1590 году, этот Вертюмне, написанный маслом по дереву, представляет собой портрет немецкого императора Рудольфа II. Подход художника бесконечно точен, каждая деталь представлена ​​разными продуктами или растениями.Даже зубы заметны!

Хотя этот портрет далек от реалистичного изображения, мы должны приветствовать гений Арчимбольдо. Зеленая фасоль для бровей, красные фрукты для губ, яблоки для щек и груша для носа — это технический подвиг. Тем не менее, он по-прежнему соблюдает (большинство) стандартов типичной портретной фотографии. Фон — приглушенный черный, голова объекта повернута на три четверти. Эта картина была написана как дополнение к его серии под названием The Seasons , начатой ​​несколькими годами ранее.

# 6 Американская готика , Грант Вуд (1930) Грант Вуд, Американская готика (1930) / Via Wikimedia Common

Пародировали больше раз, чем мы можем сосчитать, Американская готика — одно из самых известных произведений 20 века. Эта картина Гранта Вуда была вдохновлена ​​архитектурой фермерского дома 19 века. Модели были не кто иной, как сестра художника и дантист. При дальнейшем наблюдении зритель может начать немного беспокоиться или беспокоиться об этой картине.Нас заставляют спросить, почему мужчина держит вилы и почему женщина в фартуке смотрит вдаль.

Ну, вилы связаны с красным сараем с жестяной крышей на заднем плане. Но что более важно, мы видим дом с высокой симметрией. Центральное готическое окно на верхнем этаже равноудалено от двух фигур. Увлечение Гранта Вуда этим хорошо известным архитектурным жанром в конечном итоге стало тезкой картины.

8 субъектов, сыгравших главную роль в самых известных портретах истории искусства

Иоганнес Вермеер, «Искусство живописи (детали)», ок.1666-1668 ((Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может заработать партнерскую комиссию. Для получения дополнительной информации ознакомьтесь с нашим раскрытием.

Независимо от объема их любимых предметов, большинство художников баловались старинным искусством портретной живописи . Этот жанр, определяемый изображениями людей, практикуется самыми влиятельными художниками в истории искусства, кульминацией которого является обширная коллекция всемирно известных портретов.

Хотя художники, создавшие эти произведения, широко известны, сюжеты зачастую менее очевидны. Хотя многие, включая мерцающее золото Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр », указывают на личность натурщика, некоторые из них более расплывчаты, например, причудливая Женщина в шляпе Анри Матисса. В обоих случаях изучение сюжетов картин может помочь нам увидеть эти знакомые и знаменитые портреты в новом свете.

Мона Лиза

Леонардо да Винчи, «Мона Лиза», ок.1503-1516 (Фото: Galerie de tableaux en très haute définition через Wikimedia Commons Public Domain)

Пожалуй, самый известный портрет в истории искусства, Мона Лиза был написан итальянским художником, изобретателем и писателем Леонардо да Винчи в 1506 году. Шедевр представляет собой поясной портрет сидящей женщины на лоджии (комната с хотя бы одна открытая сторона) с видом на туманный природный ландшафт. Фигура смотрит на зрителя и мягко улыбается.

Итак, кто такая Мона Лиза ? На протяжении веков личность очень узнаваемой фигуры оставалась загадкой.Однако в 2005 году немецкие ученые обнаружили рукописный комментарий в рукописи Гейдельберга , который определенно идентифицировал ее как Лиза дель Джокондо (урожденная Герардини), флорентийская дворянка. Портрет был заказан ее мужем, Франческо Джокондо, купцом.

Хотя портрет, который висит в парижском Лувре, является самым известным Мона Лиза , он не единственный. На протяжении веков многие художники — в том числе, в случае с копией музея Прадо, ученики Леонардо да Винчи — создавали свои собственные портреты ныне легендарной Лизы дель Джокондо.

Мастерская Леонардо да Винчи, «Мона Лиза (копия Прадо)», ок. 1503-1516 (Фото: Museo del Prado через Wikimedia Commons Public Domain)

Девушка с жемчужной сережкой

Йоханнес Вермеер, «Девушка с жемчужной сережкой», ок. 1665 г. (Фото: Маурицхейтс через Wiki Art Public Domain)

В 1665 году голландский художник Иоганнес Вермеер создал свое самое известное произведение искусства: Девушка с жемчужной сережкой . Несколько историков искусства поставили под сомнение истинную личность молодой женщины, изображенной на картине.Одна из наиболее распространенных теорий заключается в том, что речь идет о Марии Вермеер , старшей дочери художника. Тем не менее, есть еще несколько ученых, которые сомневаются в этом, и хотя эта картина маслом часто считается одним из самых значительных портретов, технически это вовсе не портрет.

Девушка с жемчужной сережкой на самом деле трони — исследование неопознанного человека. Трони были особенно популярны во время Золотого века Голландии, когда такие художники, как Вермеер и Рембрандт, начали использовать неназванные сюжеты для своих «портретов».Часто эти фигуры облачены в роскошную одежду и установлены на однотонном фоне, что подчеркивает их анонимность.

Девушка с жемчужной серьгой является ярким примером этой традиции, так как изображает неизвестную девушку, одетую в роскошные одежды. «Подобно видению, исходящему из тьмы, она не принадлежит определенному времени или месту», — заявляют искусствоведы Артур К. Уилок и Бен Брус в каталоге выставки. «Ее экзотический тюрбан, окутывающий ее голову кристально-голубым, увенчан яркой желтой тканью, которая драматически ниспадает за ее плечо, придавая образу таинственности.”

Трони Рембрандта в Метрополитен-музее

Портрет Адели Блох-Бауэр

Густав Климт, «Адель Блох-Бауэр I», 1907 г. (Фото: Neue Galerie через Wikimedia Commons Public Domain)

В золотой период художник Густав Климт начал украшать свои холсты сусальным золотом. Это монументальное решение стало кульминацией двух его самых ценных картин: Поцелуй и Портрет Адели Блох-Бауэр I .

Портрет Адели Блох-Бауэр I звезды Адель Блох-Бауэр, богатая еврейка из Вены. Блох-Бауэр, которого считали другом или любовницей художника, был покровителем искусств. Она и ее муж, Фердинанд Блох-Бауэр, собрали коллекцию из более чем 400 произведений искусства, в том числе Портрет Адели Блох-Бауэр — картины, заказанной Фердинандом в качестве юбилейного подарка его родственникам.

В дополнение к неземному изображению миссисБлох-Бауэр, картина известна своей неоднозначной историей. Хотя она заявила в своем завещании, что картина должна быть доставлена ​​в Австрийскую государственную галерею в Вене, ее зять посчитал это «просьбой» и решил оставить картину в семье. Его часто одалживали музеям и галереям для выставок, но в 1941 году его украли нацисты.

После войны он был помещен в Венскую Österreichische Galerie Belvedere, где оставался до тех пор, пока в 2006 году не был возвращен семье Блох-Бауэр.Спустя несколько месяцев они продали его за 135 миллионов долларов.

Композиция в сером и черном цвете

Джеймс Эбботт Макнил Уистлер, «Композиция в сером и черном № 1», 1871 г. (Фото: Музей Орсе через Wikimedia Commons Public Domain)

Американский художник Джеймс Эбботт Макнил Уистлер написал Композиция в сером и черном № 1 , портрет своей матери, Анна Макнил Уистлер , в 1871 году.

Анна Макнил Уистлер родилась в Северной Каролине и переехала в Россию со своим мужем Джорджем Вашингтоном Уистлером в 1830-х годах.После его смерти несколько лет спустя она переехала в Англию, где жила со своим сыном Джеймсом. Именно в их лондонском доме он написал этот знаменитый портрет, на котором 67-летняя женщина сидит перед серой стеной.

Хотя это произведение часто называют просто Мать Уистлера , художник назвал его Аранжировка в сером и черном № 1 как дань его лирическому подходу к живописи. «Как музыка — это поэзия звука, так и живопись — это поэзия зрения, и предмет не имеет ничего общего с гармонией звука или цвета.. . вот почему я настаиваю на том, чтобы называть свои работы аранжировками и гармониями », — сказал он в 1878 году.

Анна Матильда Уистл (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Портрет Гертруды Стайн

Пабло Пикассо, «Портрет Гертруды Стайн», 1905–1906 (фото через Wikimedia Commons Public Domain)

В начале 20 века известная писательница и коллекционер произведений искусства Гертруда Стайн была в авангарде Парижа.После переезда из Окленда, штат Калифорния, во французскую столицу в 1903 году, она тесно сотрудничала с важными модернистами, от новаторских писателей, таких как Ф. Скотт Фицджеральд и Эрнест Хемингуэй, до художников-авангардистов, таких как Анри Матисс и Пабло Пикассо.

Поддержка Штейн была особенно важна для Пикассо, который считал ее покровительство катализатором своего раннего успеха. В 1905 году он написал портрет Штейна в стиле, типичном для его периода роз, который характеризуется теплой цветовой палитрой и оттенками «примитивных» влияний, таких как африканские маски и иберийская скульптура.

Помимо иллюстрации ключевых особенностей этого важного периода, Портрет Гертруды Стайн также отражает самоуверенное поведение и самоуверенный статус его натурщицы — к большому удовлетворению Стайн. «Я была и до сих пор довольна своим портретом, для меня это я, и для меня это единственная репродукция меня, которая всегда есть я», — написала она в своей книге, Picasso .

Карл Ван Ветчен, «Портрет Гертруды Стайн на фоне американского флага», 1935 г. (Фото: Библиотека Конгресса через Wikimedia Commons Public Domain)

Женщина в шляпе

Анри Матисс, «Женщина в шляпе», 1905 г. (Фото: SFMOMA через Wikimedia Commons Public Domain)

В 1905 году художник Анри Матисс написал Женщина в шляпе , полихроматический портрет своей жены Амели .Эта картина не только демонстрирует выразительный подход Матисса к живописи и формированию фовизма, но и игриво указывает на реальную профессию Амели: владение магазином шляп.

Хотя Амели много лет работала менеджером своего мужа, его одержимость своим ремеслом в конечном итоге разлучила их. «Я очень люблю вас, мадемуазель, — сказал Матисс своей жене, — но я всегда буду больше любить рисовать».

Хотя они расстались в 1939 году после более чем 40 лет брака, их романтические и рабочие отношения увековечены картиной Женщина в шляпе и несколькими другими картинами с изображением Мадам Матисс .

Амели Матисс (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Американская готика

Грант Вуд, «Американская готика», 1930 г. (Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)

Художник Грант Вуд нарисовал «Американская готика », одну из самых известных современных американских картин, в 1930 году. Хотя многие люди предполагают, что мрачные мужчина и женщина созданы с изображением реальных фермера и его жены, культовая картина — это на самом деле портрет невероятного дуэта: младшая сестра художника, , Нэн Вуд Грэм , и дантист, доктор. Байрон Маккиби .

Вуд был вдохновлен на создание этой картины, когда он увидел Диббл-Хаус, дом в неоготическом стиле, который можно раскрашивать в Элдоне, штат Айова. Чтобы создать сцену, он решил включить «те люди, которые, по его мнению, должны жить в этом доме». Вместо того, чтобы искать натурщиков для картины, он попросил Грэма и МакКиби стать моделью.

Хотя Вуд планировал, что пара будет изображать отца и его дочь, он был открыт для интерпретаций зрителей. «Эти подробности, конечно, не имеют особого значения», — писал художник в письме в 1941 году.«Важно то, соответствуют ли эти лица американской жизни и раскрывают ли они что-то об этом».

Нэн Вуд Грэм и доктор Байрон Маккиби

Статьи по теме:

Знаменитые художники, увековечившие себя через известные автопортреты

20 терминов по истории искусства, которые помогут вам умело описать произведение искусства

Захватывающие картины показывают уникальные мастерские 5 известных художников

Монументальные шедевры: 8 самых известных крупномасштабных картин в истории искусства

Очень краткая история портретной живописи

Портретная живопись существует с тех пор, как была живопись.Портретная живопись восходит к древнему Египту, по крайней мере, 5000 лет назад, откуда, как говорят, возникла эта форма искусства (хотя многие другие древние народы также практиковали портретное искусство). Портреты определены музеем Тейт Модерн просто как «изображение конкретного человека». Живопись — не единственный способ создания портретов художниками. Скульптуры, фотографии и рисунки также считаются портретами, если искусство направлено на отображение выражения, подобия или настроения конкретного человека.

‍

2144-2124 до н.э.

СТАТУЯ ГУДЕА — МУЗЕЙ MET

‍

Некоторые из самых ранних известных портретов называются «статуями Гудеа». 28 из этих маленьких статуй остались и считаются портретными, потому что все они имеют схожие черты, которые, кажется, характерны и уникальны для Гудеа — могущественного правителя древнего Лагаша.

‍

55-79 нашей эры

Древние портретные фрески из Помпеи почти 2000 лет хорошо сохранились от лавы и пепла.Один из самых известных — «Терентиус Нео и его жена». Он держит свиток, а она — табличку, что первоначально считалось показателем их статуса и образования. Сегодняшние историки расходятся во мнениях относительно профессии Терентиуса Нео: одни утверждают, что он студент юридического факультета, а другие считают, что он был пекарем (http://www.portrait-masters.com/history/).

‍

985 AD

В эпоху Возрождения и Средневековья портретное искусство стало приобретать новую форму. Вместо очень реалистичных черт своих предметов художники того времени стремились создавать портреты со стереотипными выражениями лиц, плоским фоном и отсутствием реализма (мастера-портретисты.com).

‍

1503 AD

В 1503 году нашей эры Леонардо да Винчи создал, пожалуй, самый знаковый портрет в истории современного искусства: Мона Лизу. Да Винчи использовал другую технику, чем многие другие художники того времени. Вместо жестких и очень реалистичных линий да Винчи использовал мягкие и смешанные мазки кисти. Хотя Мона Лиза — невероятная картина с ее игривой ухмылкой и выразительными глазами, эта картина, вероятно, получила большую часть своей известности из-за своей печально известной кражи в 1911 году.В ту эпоху только богатые, влиятельные и обладатели статуса могли позволить себе портретную живопись. Краски и холст найти было трудно, и их приходилось делать учениками в студии.

Середина и конец 1800-х годов

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ АВТОПОРТРЕТ 1887

‍

С промышленной революцией пришло массовое производство товаров для искусства. Это означало, что впервые семьи среднего класса могли позволить себе покупать материалы и учиться рисовать. Известные французские художники, такие как Гюстав Курбе и Оноре Домье, были частью движения соцреализма и впервые изобразили портреты среднего и рабочего классов того времени.Это также время, когда импрессионисты и постимпрессионисты начали подвергать сомнению природу портретного искусства и раздвигать свои художественные границы.

Пожалуй, двумя самыми революционными художниками этого периода были Винсент Ван Гог и Поль Гоген. Оба создали портреты в конце 1800-х годов, которые шокирующе отличались от любых портретов, созданных до этого времени (crafty.com).

‍

Начало 1900-х годов

В это время художники начали исследовать внутреннюю психику своего натурщика, больше, чем его черты лица или выражения.Портретная живопись возникла как исследование человеческой психологии, когда такие художники, как Матисс и Пикассо, как никогда раньше играли с цветом, линиями и формой.

ПАБЛО ПИКАССО ПОРТРЕТ ДОРА МААР 1937

‍

1960-е

ЭНДИ УОРХОЛ МЭРИЛИН МОНРО 1962

‍

В середине 1900-х портретное искусство стало менее популярным, уступив место абстрактному и концептуальному искусству. Однако в 1960-х годах такие художники, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, снова привлекли внимание к портретам с появлением поп-арта.

‍

Сегодня

ОБЕЗЬЯНА СЕЛФИ, ПРИНЯТОЕ ОБЕЗЬЯНОЙ НАТУРО. АВТОРСКОЕ ПРАВО: DAVID SLATER

‍

Пожалуй, наиболее широко распространенная сегодня форма портретного искусства — это искусство селфи. С нашими мобильными телефонами мы все стали опытными художниками-портретистами, делая снимки своих любимых и самих себя в самых разных местах и ​​ситуациях. В мире искусства портретное искусство и портретная живопись продолжают оставаться популярными видами искусства, которые могут принимать множество различных подходов и форм.

‍

Портреты, вошедшие в историю рынка искусства

Хороший портрет предлагает гораздо больше, чем изображение другого человека — он может заглянуть в его душу. Здесь мы оглядываемся на одни из лучших, когда-либо проданных на Christie’s

.

• 1
• Портрет Чандоса (1600-10) неизвестного художника Продан за 33400 фунтов стерлингов, 15 августа — 7 октября 1848 г.

У этой картины есть две основные претензии на известность.Первый: считается, что это единственный портрет Уильяма Шекспира, написанный с натуры. Во-вторых, это была первая работа, вошедшая в коллекцию Национальной портретной галереи в Лондоне при ее основании в 1856 году.

Неизвестный художник, Портрет Чандоса, возможно, Уильям Шекспир , около 1600-10, приписывается Джону Тейлору (ум.1651). Масло на холсте. 22 х 17 дюймов (55 х 44 см). Продано Christie’s за 33 400 фунтов стерлингов с 15 августа по 7 октября 1848 года в Stowe House в Бакингемшире. Национальная портретная галерея, Лондон. Фото: Bridgeman Images

Художник и дата казни неизвестны.Точно так же и первым владельцем, хотя возможно, это мог быть сэр Уильям Дэвенант, поэт и директор театра, который утверждал, что является сыном Шекспира.

Слово «Чандос» в названии относится к более позднему владельцу, Джеймсу Бриджесу, 3-му герцогу Чандос. В середине 19-го века один из его безденежных потомков выставил на продажу все картины из своего дома, Стоу-хаус в Бакингемшире — покупатель портрета Шекспира позже подарил их НПГ.

Узнайте больше о нашем обновленном календаре онлайн-продаж

• 2
• Хуан де Пареха (1650) Диего Веласкес Продан за 2 310 000 фунтов стерлингов в 1970 году.

Во время двухлетнего пребывания в Риме между 1649 и 1651 годами Диего Веласкес создал одни из самых блестящих портретов в своей карьере, в том числе свое знаменитое изображение Папы Иннокентия X.

Он также нарисовал помощника, сопровождавшего его в путешествиях, Хуана де Пареха, в портрете, который сочетал в себе симпатию, непосредственность и сходство с предметом, что поразило современных зрителей.

Диего Веласкес (1599-1660), Хуан де Пареха , 1650.Масло на холсте. 32 x 27½ дюйма (81,5 x 70 см). Продана за 2 310 000 фунтов стерлингов 27 ноября 1970 года на Christie’s в Лондоне. Покупка, фонды Флетчера и Роджерса и завещание мисс Аделаиды Милтон де Гроот (1876–1967) путем обмена, дополненного подарками от друзей музея, 1971. Инв. 1971. 86. Фото: © Метрополитен-музей / Художественный ресурс / Scala, Флоренция

Де Пареха был рабом Веласкеса и получил освобождение в середине 1650-х годов, после того, как пара вернулась из Рима.В течение нескольких лет он работал независимым художником в Мадриде.

Что касается портрета, то он прошел через многие руки, прежде чем был продан 8-м графом Рэднором в 1970 году, когда он стал первой картиной, проданной на аукционе более чем на 1 миллион фунтов стерлингов. Сегодня он является частью коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке.

• 3
• Gimcrack на Ньюмаркет-Хит, с тренером, конюхом и жокеем (1765) Джорджа Стаббса Продан за 22 441 250 фунтов стерлингов в 2011 году.

Серый жеребенок Гимкрэк был одной из лучших породистых скаковых лошадей 18 века, славившейся своими небольшими размерами и большой скоростью.В 1765 году он выиграл 10 гонок подряд, и именно на одной из них — в Ньюмаркете — Джордж Стаббс написал этот портрет для тогдашнего владельца Gimcrack, Фредерика Сент-Джона, 2-го виконта Болингброка.

Джордж Стаббс (1724-1806), Гимкрак на Ньюмаркет-Хит с тренером, жокеем и конюхом , 1765.Масло на холсте. 40½ x 76½ дюйма (102 x 194 см). Продано 5 июля 2011 года за 22 441 250 фунтов стерлингов на Christie’s в Лондоне,

.

Стаббс считается одним из величайших художников-конных художников всех времен, благодаря сочетанию сострадания и анатомической точности.Здесь он дважды изображает Грюка (и жокея) на одной и той же картинке: ведущий гонку на заднем плане и стоящий рядом с обветшавшим домом на переднем плане.

Картина проходила через торговые залы Christie’s четыре раза: сначала в 1780 году, а последний раз в 2011 году.

• 4
• Джордж Вашингтон в Принстоне (1779) Чарльз Уилсон Пил Продан за 21 296 000 долларов в 2006 г.

Чарльз Уилсон Пил, не сумевший попробовать себя в качестве седельного мастера или мастера по ремонту часов, показал себя значительно лучше в своей третьей профессии: искусстве.К концу своей карьеры он нарисовал практически всех ключевых игроков Американской революции, от Томаса Джефферсона до Александра Гамильтона.

Он также создал 60 портретов Джорджа Вашингтона, который сидел для него семь раз. В этой работе его объект уверенно опирается на пушку после победы в важнейшей битве при Принстоне.

Чарльз Уилсон Пил (1741-1827), Джордж Вашингтон в Принстоне , 1779.Масло на холсте. 96½ x 61½ дюйма (244 x 156 см). Продана за 21 296 000 долларов 21 января 2006 года на Christie’s в Нью-Йорке. Частная коллекция

Картина должна была быть отправлена ​​во Францию ​​в качестве дипломатического подарка, но корабль, на котором она плыл, из-за непогоды вынужден был пристыковаться в Испании.Работа завершилась заказом монахов-капуцинов в северной испанской провинции Наварра.

В 2006 году, вернувшись на территорию США, он был продан на Christie’s в Нью-Йорке за 21 миллион долларов, установив аукционный рекорд для американского портрета.

• 5
• Портрет Джорджианы, герцогини Девонширской (1787) Томаса Гейнсборо Продан за 10100 гиней в 1876 году.

В мае 1876 года на Christie’s собрались огромные толпы людей. The Times сообщила, что «весь мир пришел посмотреть на прекрасную герцогиню Томаса Гейнсборо, и все… были покорены ее завораживающей красотой».Поводом для ажиотажа стал виртуозный портрет герцогини Девонширской XVIII века.

Она с намеком сжимает розовый бутон между указательным и большим пальцами и бросает кокетливый взгляд, подобающий женщине, известной своим либеральным отношением к сексу.

Томас Гейнсборо (1727-1788), Портрет Джорджианы, герцогини Девонширской , около 1785-87.Масло на холсте. 127 х 101,5 см. Продано за 10 100 гиней 6 мая 1876 года на Christie’s в Лондоне. Коллекции Девоншира, Чатсуорт. Воспроизведено с разрешения Chatsworth Settlement Trustees / Bridgeman Images

Сама распродажа соответствовала шумихе, The Times описывала ее как «экстраординарное соревнование», в котором торги были одними из «самых захватывающих из когда-либо виденных» — до тех пор, пока молоток, наконец, не упал и «аудитория, плотно собравшаяся на приподнятых сиденьях… и на полу топали, хлопали и бравировали ».

Картина была продана за 10 100 гиней, что было самой высокой ценой, когда-либо уплаченной за произведение искусства на аукционе.

• 6
• Портрет военачальника, в три четверти длины, одетого для битвы (около 1612-1614) — Питер Пауль Рубенс Продан за 9 001250 фунтов стерлингов в 2010 году.

Портрет военачальника, в три четверти длины, одетый для битвы был завершен на пике творческих способностей Рубенса как художника, и все же до 1947 года имя картины не было указано.Считалось, что это школа Рубенса, а затем школа Франса Поурбуса. Почему он так долго томился в глубинах истории искусства, остается загадкой, хотя, возможно, это связано с двойственным отношением к творчеству Рубенса в Британии в XIX веке.

Когда аристократическая семья Спенсеров купила картину в 1802 году, Рубенс считался в Европе князем художников, но в Британии его чувственный колорит и театральный стиль барокко воспринимались с пуританским подозрением.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640), Портрет полководца, в три четверти длины, одетый для битвы , около 1612-14.Масло на панели, 48½ x 38½ (123 x 98 см). Частная коллекция

Портрет командира изображает героического, но уставшего в боях военного, готовящегося к бою. Его непоколебимый взгляд наводит на мысль о с трудом достигнутом понимании разрушительных последствий войны, но его рука нежно лежит на странице в тихой нежной манере.

В течение 200 лет картина висела у двери в Олторпе, резиденции семьи Спенсеров в Нортгемптоншире. В 2010 году он был продан немецкому дилеру Конраду Бернхеймеру за более чем 9 миллионов фунтов стерлингов и сейчас находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.

• 7
• Май Принсеп («Глава Святого Иоанна») (1866) Джулия Маргарет Кэмерон Продан за 48000 фунтов стерлингов в 2006 году.

Викторианский фотограф Джулия Маргарет Кэмерон была одним из величайших портретистов в истории медиа.На этой богатой альбуминовой печати, прикрепленной к открытке, она запечатлела свою племянницу Мэй Принсеп в образе святого Иоанна.

Джулия Маргарет Кэмерон (1815–1879), Мэй Принсеп («Глава Святого Иоанна») , 1866.Альбуминная печать. 15 x 12 дюймов (38 x 30,5 см). Продана за 48 000 фунтов стерлингов 14 ноября 2006 года на Christie’s в Лондоне. Частная коллекция

В то время, когда фотография находилась в зачаточном состоянии — а портреты были связаны, прежде всего, с подробной записью особенностей объекта — Кэмерон отверг условность новаторства.Здесь она плотно остригла голову Принсепа и использовала магию света и фотохимию, чтобы добиться мягкого фокуса, который придает изображению мистическое качество.

• 8
• Портрет доктора Гаше (1890) автор Винсент Ван Гог Продан за 82 500 000 долларов в 1990 году.

Поль Гаше был врачом, который лечил Винсента Ван Гога в последние несколько месяцев его жизни.Художник написал этот портрет своего врача незадолго до самоубийства в 1890 году, охарактеризовав его как «усталый от убитого горем выражения лица нашего времени».

Винсент Ван Гог (1853-1890), Портрет доктора Гаше , 1890.Масло на холсте. 26 x 22½ дюйма (66 x 57 см). Продана за 82 500 долларов 15 мая 1990 года на Christie’s в Нью-Йорке. Частная коллекция. Фото: Bridgeman Images

Портрет на протяжении многих лет был приобретен рядом известных личностей, в том числе парижским торговцем произведениями искусства Амбруазом Волларом и высокопоставленным нацистом Германом Герингом.

Его снова продали в 1990 году, когда японские покупатели потратили много десятилетий на искусство импрессионистов и постимпрессионистов. Производитель бумаги Ryoei Saito приобрел Portrait of Dr. Gachet на Christie’s за 82,5 миллиона долларов, что на тот момент было самой высокой ценой, когда-либо уплаченной за произведение искусства на аукционе.

• 9
• Портрет Адели Блох-Бауэр II (1912) автор Густав Климт Продана за 87 936 000 долларов в 2006 году.

Жена еврейского торговца сахаром , Адель Блох-Бауэр была ведущей светской хозяйкой в ​​Вене на рубеже веков — статус, отраженный в ее портрете Густава Климта.Ее стройная фигура в роскошном платье и шляпе с широкими полями запечатлена в богато декорированном домашнем интерьере.

Густав Климт (1862-1918), Портрет Адели Блох-Бауэр 2 , 1912.Масло на холсте. 75 x 47½ дюймов (190 x 120 см). Продан за 87 936 000 долларов 8 ноября 2006 года на Christie’s в Нью-Йорке,

.

Эта картина — вместе с другой картиной Климта на ту же тему, Портрет Адели Блох-Бауэр I — была конфискована нацистами в 1938 году.Шестьдесят лет спустя австрийское правительство приняло закон о реституции, позволяющий вернуть имущество, украденное нацистами, его старым владельцам.

В 2006 году, после длительной судебной тяжбы, племянница Адели Мария Альтманн получила право называть оба портрета своими. Впоследствии она продала Портрет Адели Блох-Бауэр II на Christie’s.

Зарегистрируйтесь сегодня

Интернет-журнал Christie’s каждую неделю доставляет на ваш почтовый ящик наши лучшие функции, видеоролики и новости аукционов

Подписаться

• 10
• Автопортрет с распущенными волосами (1947) Фриды Кало Продан за 1 650 000 долларов в 1991 году.

В 1947 году Фриде Кало исполнилось 40 лет.Однако у нее не было ничего, кроме счастливого дня рождения. В том же году она перенесла серию изнурительных операций на позвоночнике, который был сломан в нескольких местах во время автобусной аварии два десятилетия назад. Она написала «Автопортрет с распущенными волосами» в период выздоровления.

Фрида Кало (1907-1954), Автопортрет с распущенными волосами , 1947.Масонит, масло. 24 х 18 дюймов (61 х 45 см). Продана за 1 650 000 долларов 15 мая 1991 года на Christie’s в Нью-Йорке. Работа: © Banco de México Diego Rivera Музейный фонд Фриды Кало, Мексика, D.F. / DACS 2020

Кало отвергла традиционные представления о красоте, обычно изображая себя с густой однобровью и пушистыми усами.Эта работа даже более откровенна, чем обычно: ее длинные волосы, которые часто можно увидеть заплетенными или завязанными назад, спускаются каскадом на ее левое плечо, указывая на уязвимость.

Кало умерла в 1954 году в возрасте 47 лет. В 1991 году Автопортрет с распущенными волосами стал первым латиноамериканским произведением искусства, проданным на аукционе за более чем 1 миллион долларов.

• 11
• Три исследования Люсьена Фрейда (1969) Фрэнсиса Бэкона Продан за 142 405 000 долларов в 2013 году.

Дружба Фрэнсиса Бэкона и Люсьена Фрейда была такой же захватывающей и сложной, как и дружба между любыми художниками ХХ века.Многие годы они были неразлучны, и этот редкий триптих Фрейда Бэкона был написан в 1969 году, незадолго до того, как их отношения окончательно охладились.

Фрэнсис Бэкон, Три исследования Люсьена Фрейда , 1969.Холст, масло, 3 части. Каждый: 78 x 58 дюймов (198 x 147,5 см). Продано за 142 405 000 долларов 12 ноября 2013 года на Christie’s в Нью-Йорке. Работа: © Поместье Фрэнсиса Бэкона. Все права защищены. DACS 2020

На нем изображены три полноразмерных портрета Фрейда рядом, каждый из которых изображает его с сильно искаженными чертами лица, сидящего на стуле внутри конструкции, напоминающей клетку.Вопреки желанию Бэкона три панели работы были разделены в середине 1970-х годов и собраны заново только в конце 1980-х.

Когда триптих появился на аукционе в 2013 году, разгорелась острая конкуренция между 10 участниками торгов, прежде чем он в конечном итоге был продан за 142 405 000 долларов, то есть самую высокую цену, когда-либо уплаченную за произведение искусства на аукционе.

• 12
• Бригадир (2003-04) Люсьен Фрейд Продана за 34 885 000 долларов в 2015 году.

Портреты Люсьена Фрейда никогда не предназначались для пользы и уважения.Его девизом была холодная проверка. Почти во всех случаях его взгляды отводятся: на эти фигуры смотрят, но никогда не оглядываются.

Люсьен Фрейд, Бригадир , 2003-4.Масло на холсте. 88⅛ x 54½ дюйма (223,8 x 138,4 см). Продана за 34 885 000 долларов 10 ноября 2015 года на Christie’s в Нью-Йорке. Иллюстрация: © Архив Люсьена Фрейда / Bridgeman Images

Один из лучших примеров — изображение отставного шестидесятилетнего бригадира Эндрю Паркера Боулза в парадной форме — было написано, когда Фрейду было далеко за восемьдесят.Куртка испытуемого поразительно расстегнута, лицо опухшее, глаза опущены, веки опущены.

Он кажется потерянным в своих мыслях, как будто неуверенно насчет наступления старости — периода жизни, в котором сам Фрейд, как никогда, проявлял себя блестяще.

История портретной миниатюры

Портретная миниатюра Карла V, Лукаса Хоренбута, ок. 1525-30, акварель на пергаменте, перемонтирована на современную открытку.Музей № P.22-1942, © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Миниатюры впервые были нарисованы для украшения и иллюстрации рукописных книг. Действительно, слово «миниатюра» происходит от латинского слова «miniare». Это означает «раскрашивать красным свинцом», практика, которая использовалась для заглавных букв.

С 1460-х годов рукописные книги должны были конкурировать с печатными книгами. В то же время, однако, состоятельные покровители требовали более широкого ассортимента предметов роскоши. Такие миниатюристы, как Саймон Бенинг, продолжали иллюстрировать дорогие книги, но также предлагали покровителям независимые миниатюры.Некоторые предназначались для частного поклонения, другие — просто желаемые предметы.

Портретные миниатюры впервые появились в 1520-х годах при французском и английском дворах. Как и медали, они были портативными, но при этом имели реалистичный цвет. Самые ранние образцы были написаны двумя нидерландскими миниатюристами: Жаном Клуэ, работающим во Франции, и Лукасом Хоренбоутом в Англии.

Королевская портретная живопись 1580–1625 гг.

Миниатюры были особенно полезны для монархии. Они были достаточно маленькими, чтобы дарить их лично, иногда на публичных церемониях, в знак расположения монарха.Но поскольку миниатюру можно было представить без рамы, человек, получавший ее, часто тратил на предоставление подходящего медальона.

Более богатые подданные Елизаветы I начали носить ее изображение в знак лояльности в 1580-х годах, когда протестантской Англии угрожала католическая Испания. Яков I, унаследовавший трон в 1603 году, узнал от Елизаветы пропагандистскую силу миниатюр, и во время его правления Николас Хиллиард и Исаак Оливер создали множество миниатюр с изображением короля и его семьи.

Период после реставрации

Сэмюэл Купер основал бизнес в 1642 году и после казни Карла I в 1649 году продолжал успешно работать в Лондоне, среди его клиентов — Оливер Кромвель и его семья. После восстановления монархии в 1660 году репутация Купера быстро принесла ему покровительство Карла II и его семьи. Его положение как ведущего миниатюриста было подтверждено, когда в 1663 году он был назначен королевским лимнером.

Конкурс исходил от Ричарда Гибсона, который стал миниатюристом короля после смерти Купера в 1672 году.Среди младших соперников были Николас Диксон и Питер Кросс. Диксон смешал мазки кисти для получения глянцевого покрытия, а Питер Кросс создал эффект мягкого фокуса с тонкими штрихами и точками.

Живопись на слоновой кости

Первым британским художником, написавшим на слоновой кости, был Бернард Ленс примерно в 1707 году. В то время как слоновая кость пришла на смену пергаменту, миниатюры, как правило, становились меньше. Вероятно, это было из-за сложности использования акварели на слоновой кости. Другой причиной могла быть мода на эмалевые портреты, которые были небольшими.

Живопись в миниатюре стала теперь утонченным развлечением. До 1760-х годов у большинства миниатюристов не было профессиональной подготовки. Пенелопа Карвардин была любителем, ставшим профессионалом, в то время как Жерваз Спенсер, первоначально лакей, и Сэмюэл Котес, аптекарь (фармацевт), оба были самоучками. Многие даже не были штатными миниатюристами. Люк Салливан был гравером, а Томас Фрай руководил фарфоровой фабрикой Bow.

18 век

В начале 18 века миниатюристы экспериментировали со способами облегчить рисование на слоновой кости акварелью.К ним относились придание шероховатости слоновой кости, ее обезжиривание и повышение липкости краски.

Затем Иеремия Мейер использовал достижения своих предшественников и показал другим художникам возможности работы со слоновой костью.

В конце 1760-х годов несколько молодых художников стали миниатюристами, включая Ричарда Косуэя, Джона Смарта и Ричарда Кросса, родившихся около 1742 года. С 14 лет эти мальчики брали уроки в новой школе рисования Уильяма Шипли, первой такая школа в Лондоне.

Портретные миниатюры и Королевская академия

В 1768 году группа лондонских художников основала Королевскую академию художеств. На ежегодных выставках Академии миниатюристы выставляли свои крохотные работы в зале, заполненном большими картинами, написанными маслом. Многие рисовали более крупные картины и знаменитостей, чтобы привлечь внимание людей. Другие подражали позам в полный рост и насыщенному цвету масел.

Рост национального богатства стимулировал рынок портретной живописи. Многие молодые художники занялись миниатюрой, предлагая клиентам памятные подарки своих близких.Многие, например шотландец Джон Богл, приехали в Лондон в поисках работы, но Томас Хазлхерст нашел прибыльный рынок в своем быстро развивающемся родном городе Ливерпуле.

Портретные миниатюры и Индия

В 1785 году миниатюристы Джон Смарт, Озиас Хамфри и Дайана Хилл независимо друг от друга совершили шестимесячное плавание на лодке в Индию. Чтобы открыть бизнес в Мадрасе или Калькутте, им требовалось разрешение Ост-Индской компании, торговой компании, которая фактически управляла этими районами на тот момент.

Хотя некоторые из их сиделок были местными сановниками, большинство из них были британцами.Среди них были сотрудники Компании и члены их семей. С миниатюристами, живущими в Индии, обмен портретами между Великобританией и Индией стал дешевым и легким. Их мог отправить или отнести домой друг или родственник.

Ричард Косвей и Эндрю Робертсон

Примерно в 1801 году молодой художник Эндрю Робертсон разработал новый стиль миниатюрной живописи, который стал доминирующим стилем середины 19 века. Робертсон сознательно противопоставил себя Ричарду Косуэю, модному миниатюристу предыдущего поколения.Он называл миниатюры Косвея «красивыми вещами, но не картинками» и презирал своих последователей.

Новый стиль Робертсона объединил элементы, исследованные предыдущими миниатюристами. Они включали большую слоновую кость, прямоугольный формат и добавление большего количества жевательной резинки, чтобы имитировать богатство масляной краски. Но его большие, плотно раскрашенные миниатюры были трудоемкими, поэтому Робертсон в основном писал миниатюры меньшего размера, чтобы заработать себе на жизнь.

Влияние фотографии

Миниатюрист королевы Виктории, сэр Уильям Чарльз Росс, был последним великим художником-миниатюристом.Его модно большие миниатюры были похожи на картины маслом. Но этот эффект потребовал кропотливой работы, и Россу позволить себе было мало кто. Другие миниатюристы высшего класса были столь же дорогими, даже Альфред Эдвард Шалон с его элегантным, легким стилем.

Фотография, представленная в 1839 году, предоставила широкой публике доступное и точное изображение. Многие миниатюристы из более дешевого сегмента рынка занялись фотографией, в то время как молодые художники редко делали карьеру миниатюристов.

Однако в конце века интерес к миниатюрной живописи на короткое время возродился с учреждением в 1896 году Королевского общества художников-миниатюристов.

Очень краткая история портрета

Портреты, пожалуй, самый известный и популярный вид фотографии. Портретная фотография так популярна, потому что портрет может сказать очень многое таким простым способом. Основная цель портретной и автопортретной фотографии — просто, но элегантно рассказать какую-то историю, а основные составляющие этого стиля — постановка идеальной позы и освещения.Сегодня я расскажу вам очень краткую историю этого прекрасного стиля фотографии, а затем дам несколько советов о том, как с помощью BeFunky Photo Editor сделать вашу портретную фотографию уникальной.

В начале:

Портреты и портретная живопись начинались как живопись.Обычно такие портреты делались, чтобы показать власть, статус и благородство, и обычно предназначались для богатых. Однако, как только фотография стала популярной в конце 1800-х годов с выпуском самых первых фотоаппаратов Kodak, портретная фотография стала популярной и стала более доступной для широких масс. Портретная и автопортретная фотография заменили картины из-за их удобства и способности снимать сразу несколько людей, например, семьи, без утомительных сеансов сидения.

Джулия Маргарет Кэмерон и дети, 1860 год

Портретов в фотожурналистике:

Во время Великой депрессии в Америке фотографы начали фотографировать семьи и отдельных лиц, пострадавших от этой экономической катастрофы, чтобы показать миру, какие очень реальные страдания ежедневно испытывают рабочие-мигранты и семьи с низким доходом.Эти фотографии были также известны как «Фотография пыльной чаши». Одним из самых знаковых фотографов того времени является Дортеа Ланге из-за ее печально известного портрета 1936 года «Мать-мигрантка».

Этот портрет стал олицетворением картины, говорящей тысячу слов, и до сих пор находит отклик в истории фотожурналистики.

Современная портретная живопись:

Портреты стали неотъемлемой частью современной фотографии, и их можно увидеть в средствах массовой информации практически везде, особенно среди знаменитостей.Энни Лейбовиц — один из пионеров портретной фотографии знаменитостей. Простота фотографий Лейбовица — вот что делает их такими яркими и действительно воплощает цель портретной фотографии, то есть многое с небольшим.

Уильям С.Берроуз

Как и многие другие стили фотографии, портретная живопись развивалась и модернизировалась с помощью смартфонов и устройств, а автопортрет стал более удобным с помощью селфи .

Хотя многие люди склонны шутить о популярности селфи, важно признать, что они являются продуктом вековой практики портретной фотографии.Они просты, креативны и стоят тысячи слов.

Источники: Национальная портретная галерея и PBS

.

Инструкции:

В прошлый Хэллоуин мой друг сделал этот откровенный портрет меня, одетого как Йоши, которого я просто обожаю:

Я обожаю этот портрет, потому что мягкое освещение было идеальным, и мой друг смог запечатлеть настоящий момент удовлетворения, который я испытал на вечеринке в окружении друзей.Чтобы сделать эту и без того прекрасную фотографию еще более привлекательной, я открываю BeFunky Photo Editor и приступаю к работе.

Сначала я увеличиваю резкость фотографии до 50%, чтобы сделать ее более выраженной, а затем перехожу в Beautify, чтобы сделать мои цвета яркими, которые я применяю на 30%, чтобы было проще.

Чтобы закончить, я перехожу к Vignette и настраиваю его до 36%, а затем перехожу к Blur Edges, которое я применяю только при 10%

Все эти приложения находятся в разделе «Редактировать» фоторедактора и добавляют простую мечтательную элегантность, которая отражает суть портретной фотографии, чтобы объект фотографии (я) выделялся среди загруженности фона.

Добавьте новый снимок в свою историю портретов:

Упрощенное редактирование фотографий.