Портрет акварелью по фотографии. | Рисуем вместе

Опубликовано 27 Июн 2012 в рубрике «Уроки рисования»

У всех художников есть свои любимые цвета, и я не исключение. Хотя в моем наборе акварели 24 цвета, около половины этих красок используются достаточно редко (а, допустим, черная не расходуется вообще).

Безусловно, все краски необходимы в работе, но редко возникает потребность использовать всё и сразу. Тем более, что акварель в смеси очень легко превращается в грязь, и чтобы подружить на одном листе большое количество различных красок нужно быть профессионалом экстра-класса. Которым я, разумеется, себя не считаю. Поэтому предпочитаю руководствоваться правилом «Лучше меньше, но лучше»)

На примере этой работы я хочу показать, как при создании портрета акварелью можно обойтись достаточно скудной палитрой.

Писать портрет я буду по фотографии. Надо сказать, исходный снимок оказался не самой лучшей основой для создания портрета… Ну, что делать, у меня та же проблема, что и у моей модели — я редко фотографируюсь, а выбрать среди моих снимков подходящее для портрета фото вообще невозможно.

Но на этом снимке есть главное: свет и настроение, это я и постараюсь сохранить.

Работать я буду в технике «по сырому», в один слой.

Смотрите видео:

 

Итак, какие краски были использованы:

 Вначале была сделана небольшая теплая подложка: охра и кадмий желтый. Если вы помните, в статье «Акварель — некоторые тонкости» я писала о том, что светлые краски не перекрывают более темные. Поэтому охра и желтые наносятся прямо на бумагу, накладывать их в чистом виде поверх готового красочного слоя не рекомендуется. Охру можно использовать в смеси для того чтобы смягчить и немного «погасить» другие цвета.

В дальнейшем работа велась в 2 цвета: кобальт синий + английская красная. В принципе, эти 2 краски дают в сочетании достаточно широкий спектр тепло-холодных цветов, и можно было бы обойтись только ими. Но, поскольку на фото солнечный день, хотелось добавить теплых желтых бликов.

Кроме солнечных бликов, для такого освещения характерны относительно холодные полутона и тени (большее количество кобальта синего в смеси) и горячие рефлексы (английская красная).

При прорисовке губ я добавила в смесь краплак, буквально каплю, чтобы сделать тон более «человеческим», иначе губы казались бы черными.

 Вот такой получился легкий летний этюд)

P. S. Портрет написан для Лады, победительницы конкурса-эстафеты «Поэтическое ожерелье», в котором я выступала в роли куратора.

Итоги эстафеты и ссылки на посты победителей можно найти ЗДЕСЬ.

Благодарю всех конкурсантов за возможность перечитать любимые строчки и открыть для себя незнакомых мне авторов!

Содержание

Вернуться на главную страницу

Как снять бизнес-портрет в фотостудии

03.03.2020

Сегодня мы рассмотрим 2 световых схемы для съёмки бизнес-портрета.

Схема 1.

Это простейшая схема всего с одним источником света. К слову, для большинства задач в портретной съёмке достаточно 1-2 приборов, а остальные если и используются, то работают по фону на заднем плане.

Итак, сама схема (рис. 1):

Рис. 1. Схема с одним источником

Модель ставим рядом с серой стеной настолько близко, чтобы отбрасывать на неё тень. Тень нам нужна для создания объёма в кадре.

Стену можно заменить на бумажный фон, это не имеет никакого значения. Для бизнес-портретов чаще всего используют нейтральные цвета фона. Но, конечно, всё зависит и от поставленной задачи.

Единственный источник с октобоксом диаметром 140 см. располагаем выше головы модели и сбоку от камеры.

С теневой стороны рядом с моделью ставим чёрный флаг, чтобы усилить тени на модели и убрать возможные отражения от светлых стен студии.

 

Рис. 2. Бэкстейдж схемы №1

Настройки камеры и объектива: выдержка 1/160, диафрагма f/9, чувствительность iso 400.

Настройки источников света: рисующий октобокс Hensel – мощность 7.6.

Рис. 3. Полученный исходник

 

Схема 2.

В этой схеме модель стоит на белой циклораме. В нашем случае использовалась угловая циклорама зала Milk, но это не принципиальный момент – прямая циклорама тоже подойдет (рис. 3):

Рис. 4. Схема с двумя источниками

Расстояние до фона определяем исходя из стоящих перед нами задач. Чем ближе к фону, тем он светлее; чем дальше, тем, соответственно, темнее, и будет бОльшая глубина в кадре.

По свету мы используем все тот же октобокс 140 см. в качестве рисующего света и добавляем стрипбокс 140 х 30 см. с сотами как лёгкий контровой. Его располагаем со стороны рисующего источника – так свет будет более гармоничен. Октобокс у нас работает сверху почти от камеры, но всё же чуть-чуть справа. При этом контровой заносим справа от модели по камере.

Соты на стрипбоксе нам нужны, чтобы сузить световой поток, не засвечивать ненужные участки заднего плана и избежать засветки в объектив камеры.

Для усиления контраста с левой стороны от модели добавляем черный флаг.

Рис. 5. Бэкстейдж схемы №2

Настройки камеры и объектива: выдержка 1/160, диафрагма f/8, чувствительность iso 200.

Настройки источников света: рисующий октобокс Hensel – мощность 7.5, контровой стрипбокс Hensel – мощность 6.5.

Рис. 6. Полученный исходник

Эти простые, но очень эффективные схемы света позволяют снимать как мужские, так и женские бизнес-портреты и не только. Надеемся, что они вам помогут в начале вашего длинного и успешного пути коммерческого фотографа. Приходите к нам в зал Milk для реализации подобных схем и заказов.

Автор: @kirillovphotography

Фотографии зала Milk

«Портрет» за 9 минут. Краткое содержание повести Гоголя

: Молодой художник покупает портрет, в котором находит тайник с золотом. Золото совращает его, губит его талант. Позже выясняется, что в портрете заключена душа ростовщика, погубившего много людей.

Названия частей — условные.

Часть 1. Таинственный портрет губит молодого художника

Проходя однажды мимо одного из петербургских рынков, молодой художник Чартков случайно зашёл в лавку с дешёвыми картинами, начал рыться в хранившемся там хламе и нашёл неоконченный, но очень талантливо написанный портрет.

Андрей Петрович Чартков — молодой художник, талантливый, бедный, трудолюбивый, но способный увлечься и сойти с верного пути

На портрете был изображён старик со смуглым восточным лицом, в широком азиатском костюме. Особенно тщательно были написаны глаза старика, глядящие с полотна как живые.

Это было уже не искусство: это разрушало даже гармонию самого портрета. Это были живые, это были человеческие глаза!

На последние деньги Чартков купил портрет и повесил его в своей квартирке.

Продолжение после рекламы:

Художник был беден, талантлив и самоотверженно предан своему делу, но нетерпелив и иногда слишком увлекался чем-то одним. Профессор не раз предупреждал Чарткова, чтобы тот берёг свой талант, не поддавался пустому щегольству и не вздумал становиться модным живописцем. Двадцати­двух­летнему Чарткову иногда хотелось «кутнуть и щегольнуть», но был он способен и на упорный труд. Большую часть времени он проводил в своей мастерской, совершен­ствуясь во владении кистью и забывая про еду и сон.

Когда стемнело, портрет старика стал ещё более зловещим. Чартков начал его бояться. Закрыв портрет простынёй, он лёг за ширму и уснул. Ему приснилось, как старик вылез из портрета, сел у его постели и начал пересчитывать продолговатые свёртки с золотыми монетами. Один свёрток откатился в сторону и художник схватил его. Старик же пересчитал своё золото, собрался залезть обратно в портрет, но обнаружил, что одного свёртка не хватает, и вернулся. Задыхаясь от ужаса, Чартков проснулся, увидел, что стоит перед портретом и смотрит ему в глаза и… проснулся снова, а потом проснулся ещё раз, увидев, как страшный старик пытается сбросить накинутую на портрет постынь. После этой чреды кошмаров Чартков заснул только под утро.

Брифли существует благодаря рекламе:

Поздно утром к художнику явился хозяин дома в сопровождении квартального и начал требовать плату за квартиру. Квартальный тем временем, рассматривая портрет старика, слишком сильно нажал на раму, в ней открылся тайник, из которого выпал продолговатый свёрток с монетами, точно такой же, как и во сне Чарткова. Художник подхватил свёрток так быстро, что никто не заметил, что же выпало из рамы. Быстро выпроводив домовладельца и квартального, Чартков открыл свёрток. В нём была тысяча золотых монет. На один миг у Чарткова мелькнула мысль, что теперь он может надолго запереться в мастерской, работать и стать хорошим художником. Однако потом в нём заговорила «горячая юность», и он не устоял перед искушением.

Чартков переехал в хорошую квартиру, купил новую одежду и заказал журналисту статью, которая описывала его как непревзой­дённого портретиста. Вскоре у него появились клиенты из высшего света.

Сначала Чартков старался выписывать каждую деталь, подмечать индивидуальные черты, вкладывать в портреты душу и талант. Его первая работа — портрет дочери богатой дамы, вышел очень хорошо. О Чарткове заговорили, клиенты потекли рекой. Каждый из них требовал изобразить себя в неестественной, шаблонной позе, сглаживая все изъяны, художнику приходилось повиноваться. Вскоре Чартков перестал работать тщательно, его портреты стали похожи на грубые картинки из дешёвой лавки.

Продолжение после рекламы:

Шли года. Сначала Чартков стал модным художником и светским щёголем, потом его начали считать мэтром, «предлагать по службе почётные места», приглашать в комитеты и на экзамены. С высоты своего положения он упрекал молодёжь в безнрав­ственности и начинал верить, что вдохновения не существует.

Слава не может дать наслажденья тому, кто украл её, а не заслужил; она производит постоянный трепет только в достойном её.

Постепенно страстью Чарткова стало золото, он начал копить, скопил огромные богатства и стал «беспричинным скрягой».

Однажды его попросили высказать своё мнение о художнике, приславшем из Италии свою картину. В отличие от Чарткова, этот художник не польстился на соблазны и сумел раскрыть свой талант. Увидев картину, Чартков разрыдался и выбежал из залы. Он понял, что безжалостно погубил свой талант. Чартков попытался написать падшего ангела, но убедился, что может создавать только «модные картинки».

Чартковым овладела ужасная зависть. Он начал скупать картины талантливых художников и уничтожать их. Благодаря накопленному богатству, он смог купить и уничтожить множество прекрасных произведений. Жгучая зависть изменила внешность Чарткова, он стал похож на демона. Наконец, накал страстей сказался на его здоровье — у него начались припадки бешенства, во время которых ему виделись живые глаза старика с портрета. Затем он заболел чахоткой и умер.

От огромных богатств Чарткова ничего не осталось. Люди нашли только куски уничтоженных им картин.

Брифли существует благодаря рекламе:

Часть 2. История создания портрета

В одном богатом доме проходил аукцион — продавалось имущество умершего мецената. Большая толпа собралась возле портрета смуглолицего старика в восточном одеянии с необычайно живыми глазами. Все жаждали купить этот портрет, но внезапно появился известный художник Б., предъявивший на него права.

Художник Б. — известный и талантливый художник, 35 лет, сын художника-самоучки, скромно одет, с приятным, беззаботным лицом и чёрными кудрями

Он рассказал историю этого портрета, написанного его отцом.

Во времена царствования Екатерины II в мрачном каменном доме глухого района Петербурга жил очень богатый ростовщик, о котором ходили плохие слухи.

Ростовщик — богатый, нелюдимый старик в просторном азиатском одеянии, высокий, смуглолиций, с восточной внешностью и горящими, пронзительными глазами

Ростовщик щедро раздавал деньги на казалось бы выгодных условиях, которые оборачивались пожизненной кабалой. Кроме этого, деньги ростовщика приносили несчастья.

Один молодой меценат, отличившийся на государ­ственной службе и замеченный императрицей, взял у ростовщика денег на развитие наук и искусств, но после этого сильно изменился. Им овладела зависть к уму и таланту, он стал подозри­тельным и начал писать доносы. Узнав об этом, императрица наказала его, и он умер в припадке страшного безумия.

Один князь, хотевший жениться на первой красавице Петербурга, тоже взял заём у ростовщика — родня красавицы считала, что он слишком беден. До этого благородный князь и красавица были влюблены друг в друга и считались идеальной парой, но после свадьбы молодой муж стал неимоверно ревнив, начал всячески изводить и даже избивать жену. Когда она заговорила о разводе, князь попытался убить её, и, потерпев неудачу, покончил с собой.

Ходили слухи и о множестве других несчастий, случившихся с простыми людьми, которые взяли деньги у ростовщика.

Там честный, трезвый человек делался пьяницей; там купеческий приказчик обворовал своего хозяина; там извозчик, возивший несколько лет честно, за грош зарезал седока.

Недалеко от ростовщика жила и семья художника Б. Его отец был талантливым художником-самоучкой, он писал картины и иконы для церквей.

Отец художника Б. — художник-самоучка, талантливый самородок, честный, прямой, немного грубый, с гордой душой и твёрдым характером и принципами

Однажды ему заказали картину, на которой должен был присутствовать дьявол. Размышляя о том, каким должен быть дьявол, художник невольно вспоминал тёмное лицо и горящие глаза ростовщика.

Однажды ростовщик сам явился в мастерскую художника и заказал ему свой портрет. У ростовщика было одно условие: портрет должен быть «совершенно как живой».

Художник согласился, пришёл в дом ростовщика и начал писать портрет, особенно тщательно выписывая его глаза. Постепенно художником овладел сильный страх. Наконец, он отказался продолжать работу и ушёл, хотя ростовщик и умолял его закончить портрет. Он верил, что если художник верно передаст его черты, он останется жить в этом портрете.

На следующий день слуги ростовщика художнику принесли незаконченный портрет. Вечером художник узнал, что ростовщик умер.

Вскоре характер художника начал меняться, он стал зол, раздражителен и завидовал своему самому талантливому ученику. Когда ученик обошёл его в конкурсе на картину для новой церкви, художник впал в ярость и хотел сжечь незаконченный портрет. Картину спас его приятель-живописец, большой весельчак. Он взял картину себе, но вскоре почувствовал беспричинный страх, и отдал её племяннику, тот продал портрет коллекционеру, и картина пошла по рукам.

Узнав об этом, художник понял, что стал орудием дьявола. Смерть жены, дочери и младшего сына убедили его в этом. Отправив оставшегося сына в Академию искусств, художник ушёл в монастырь, а потом стал отшельником. Отмолив свой грех, он создал великолепную картину, изображавшую рождение Иисуса.

К этому времени художник Б. окончил Академию искусств и перед отъездом в Италию пришёл попрощаться с отцом. Отец рассказал сыну историю портрета и попросил уничтожить, если он попадётся ему на глаза.

Мне говорили, что портрет этот ходит по рукам,… зарождая в художнике чувство зависти, мрачной ненависти к брату, злобную жажду производить гоненья и угнетенья.

Закончив рассказ, художник Б. обернулся к стене, где висел портрет, и обнаружил, что он исчез — пока все слушали историю, кто-то стащил картину. Люди долго недоумевали: на самом ли деле они видели изображение страшного старика, «или это была просто мечта, представшая только на миг глазам их, утружденным долгим рассмат­риванием старинных картин».

Свет в фотостудии. Один источник

Сразу же стоит сказать, что КПД это схемы — самый высокий среди всех других схем. С помощью одного источника можно получить, пожалуй, самые художественно выразительные портреты. Конечно, такие схемы не универсальны и не покрывают весь спектр потребностей фотографа в студии, например, им достаточно трудно управлять при съемке групповых композиций или особенностей некоторых портретируемых людей. Однако при всей своей экономичности и достаточно простой управляемости при съемке одной модели, схема с одним источником освещения остается одной из самых популярных и востребованных. Для начала давайте посмотрим, как можно располагать источник относительно модели.

Вот так будет выглядеть светотеневой рисунок при разных вариантах освещения: Фронтальное и передне-диагональное освещение (рисующий свет слева)

Боковое освещение (рисующий свет слева) и задне-диагональное освещение (моделирующий свет)

Контровое освещение (контровой свет)

Источник света ставится немного выше головы модели. Если поставить его слишком высоко, то тени будут ползти вниз, вы получите тени под глазами и длинную тень от носа. Если слишком низко — тени поползут вверх и лицо будет вылядеть широким и жутковатым.

Вот варианты верхнего и нижнего света, как пример распределения теней.

Верхний свет и нижний свет

Теперь давайте на конкретных примерах посмотрим, как работает схема с одним источником освещения. Немалую роль здесь играют насадки и отражатели. Используя рефлектор, стрип или тарелку (и соты к ним), софтбоксы, отражатели, экраны (непрозрачные поверхности) и т. д., мы может добиться большого разнообразия светотеневого рисунка.

Здесь мы используем моноблок, тарелку и белый фон. В итоге получаем жесткий рисунок света и тени, с четкими переходами между ними. Модель необходимо поставить как можно ближе к фону для того, чтобы источник света, расположенный фронтально, создавал короткую, плотную тень на белом фоне. Высота моноблока может быть разной, все зависит от поставленной задачи. Чем выше моноблок относительно модели, тем длиннее будет тень. В идеале нужна стойка типа «журавль», это позволит расположить моноблок строго напротив модели и ничего не будет мешать съемке, как это может быть в случае использования обычной стойки.

Здесь мы используем моноблок, белый зонт «на просвет» и черный фон. Такая схема света добавит глубины и выразительности портрету, хотя ее специфика в том, что подойдет она не любой модели. В данном случае модель должна встать на некотором расстоянии от фона. Обычно моноблок располагается на уровне головы модели.

И опять — портретная тарелка, но уже под углом 45−50 гр. Свет локально, но мягко ложится на лицо модели, а светотеневой рисунок создается за счет поворота головы. Близкое расположение источника света сделает тени жестче и «провалит» задний фон, сделав его темным до черноты. Чем дальше будет расположен источник света в этой ситуации, тем больше будет световое пятно, мягче тени и светлее фон.

В этом случае не стоит акцентировать свое внимание только на лице, ведь у модели есть много и других достоинств, поэтому мы используем софтбокс, который позволяет получить большое световое пятно и мягкий свет. Но для получения четкого, несмазанного светотеневого рисунка с глубокими тенями, подчеркивающими объем и фактуру модели, мы используем непрозрачный экран (картон, со стороной не меньшей стороны софтбокса), ограничивая площадь и пропорции софтбокса.

Достаточно интересна схема с одним источником и отражателем, когда источник работает, как моделирующий, а отражатель — как рисующий свет. Немного дублей для правильного расположения моноблока и отражателя, повернутого серебристой стороной — и портрет готов. Просто пообщайтесь с моделью, — отражение света пилота импульсного источника освещения для нее должно быть расположено по центру отражателя. Не забывайте, что последний расположен выше уровня головы модели. Этим мы решаем сразу две важные задачи: свет от моноблока не заслоняется портретируемой и источник отраженного света находится на правильном месте.

Интересные результаты дает использование одного источника освещения, расположенного сверху ровно над моделью на «журавле». Из насадок это может быть как рефлектор, дающий жесткий свет и четкие тени (и здесь стоит поиграть с расположением источника «дальше-ближе»), так и софтбокс, использование которого видно на примере.

Для этой фотографии был использован один источник света — портретная тарелка с сотами. Располагается источник над моделью сверху с помощью журавля или подвесной системы крепления, чтобы не мешали стойки. Тарелка направлена вниз под углом около 60 градусов. Моноблок с насадкой расположен в полуметре от лица модели. Обратите внимание, что свет на лице модели и световое пятно на фоне — от одного источника, поэтому стоит поиграть и сделать несколько дублей, что бы найти свой светотеневой рисунок.

Конечно, все световые схемы с одним источником освещения, дающие различные нюансы при создании фотопортрета, мы рассмотреть не можем. Да, если честно, это и незачем, — слишком разные варианты имеющегося оборудования у фотостудий, в которых вы будете снимать; их площадь и высота потолков; физиогномических особенностей моделей и другие аспекты. Но один секрет рассматриваемой сегодня схемы мы все же раскроем: один источник освещения идеален для съемке портрета мужчины в возрасте. Именно резкий боковой свет особенно выгодно подчеркивает лепку мужского лица, морщины и его брутальность…

… но это не значит, с его помощью нельзя передать и фактуру женской кожи.

N.B. При съемке в студии многие начинающие фотографы теряются в разнообразии насадок и большого количества источников. В действительности все не так сложно, как кажется и сегодня мы рассмотрели несколько вариантов интересного освещения с 1 источником и одной насадкой. Можно заметить, что днем чаще всего мы наблюдаем только один источник, этот источник солнце, оно находится значительно выше наших глаз и дает свет, от которого возникают жесткие тени. Однако в пасмурную погоду свет гораздо более мягкий, тени соответственно не такие жесткие и поэтому многие фотографы любят снимать именно тогда когда солнце заходит за облака. По большому счету, студийное оборудование создано для того, чтобы мы не зависели от погодных условий и могли создавать нужный нам свет в нужном нам месте. Фактически, используя насадки, которые делают свет более мягким (софтбоксы, октобоксы, стрипбоксы и т. д.), мы имитируем освещение в пасмурную погоду, рассеивая свет вспышки, как облака рассеивают солнце, а поднимая источник на большое расстояние в точности повторяем световую схему которую видим на улице. Помните о принципах естественного освещения в природе — это поможет вам правильно использовать описанные схемы и придумать свои.

Источник: http://photonews.ru

Руководство по портретной фотографии. Шаг 7: домашний портрет с одним источником света. Часть 2

Translated from A Guide to Portrait Photography,
Step Seven: In-Home Portraits With One Light, Part Two
by Jerry Walch

Большинство базовых студийных схем освещения для портретной съемки требуют установки ключевого источника света под углом 45° к объекту (см. схему).

Рисующий (key light) источник — это всегда наиболее сильный, не важно, сколько всего источников используется. Для портрета с одним источником он размещается под углом 45° к лицу модели и чуть выше ее, так что свет направлен под небольшим углом вниз. Рисующий свет создает настроение портрета. Вы можете добавлять другие источники: заполняющий свет, фоновый, контровой для подсветки волос и т.д., но рисующий должен всегда быть под 45° и чуть выше головы. Причина этого в том, что 45° — угол, идеальный для моделирования формы человеческого лица. Термин «моделирование» здесь обозначает изображение трехмерности объекта за счет света. Объем будет потерян, если источник света находится на камере, поскольку получится плоское освещение, не создающее теней на лице.

Если используется заполняющий свет, он должен быть настроен первым. Это должен быть большой источник с софтбоксом или зонтом, расположенный за камерой. Заполняющий источник мягко заливает светом объект, чтобы смягчить тени, создаваемые ключевым источником. При правильной настройке заполняющий свет не должен быть явно виден в результирующем изображении. Он должен быть слабее рисующего на 1-1,5 стопа. Если вы только начинаете заниматься студийной фотографией и еще не обзавелись экспонометром, можете воспользоваться встроенным в камеру. Просто переключите ее в точечный режим замера. Изучив свое оборудование, вы сможете делать правильные настройки и вообще без реальных замеров света. Удобнее всего хранить записи всех когда-либо сделанных настроек в карманном блокноте. Зарисовывайте ваши световые схемы с указанием всех параметров.

Контровой свет отделяет модель от фона, добавив сияния волосам. Он устанавливается с той же стороны, что и ключевой. Контровой осветитель должен быть расположен позади рисующего также под углом 45° к объекту. Мощность его зависит от цвета волос модели: чем темнее волосы, тем ярче нужен свет. Используется осветитель с дверцами, снутом (тубусом) или гридом («сотами» из множества тонких трубочек), чтобы ограничить росплеск света. Для начала выставьте мощность контрового источника такой же как у рисующего, а затем, в зависимости от потребности, увеличивайте или уменьшайте.

Фоновый источник размещается за объектом и направляется непосредственно на фон, чтобы создать круговое пятно света за плечами модели. Задача фонового света — отделить модель от фона и привлечь внимание к ее лицу. Мощность фонового источника связана с цветом фона, так же как контрового — с цветом волос. Начинайте с мощности, совпадающей с рисующим светом, а затем увеличивайте по необходимости.

Несколько основных советов по настроке света для вашего первого студийного портрета

1. Установите камеру на штатив и настройте его высоту так, чтобы она оказалась на уровне груди модели.
2. Проверьте «кошачий блеск» в глазах модели. Эти блики создает рисующий свет, так что их можно использовать как удобный инструмент контроля правильности установки основного источника.
3. Настраивайте положение и мощность студийных источников поочередно. При этом должны быть отключены все, кроме того, который настраивается.

---

В следующей статье этой серии я расскажу о «короткой», «широкой» и профильной установке света.

---

Содержание

Джерри Уолч (Jerry Walch) — фотограф, писатель и… бытовой мастер из Уэстерло (США). За свою более чем 60-летнюю жизнь он овладел множеством самых разных навыков и с удовольствием делится этими знаниями. Большинство статей Джерри размещает на сайте Factoidz, штатным редактором которого является.

тени, свет и выражение лица

Некоторые простые формулы могут помочь вам добавить лицу выразительности с помощью акварельных красок: например, работая с большим форматом и используя белые промежутки. Ваша задача: научиться работать с пропорциями, потому что вы будете склонны (по крайней мере, сначала) увеличивать некоторые аспекты (глаза или рот) и уменьшать другие (уши, шея, лоб, волосы). Наконец, чтобы лучше передать личность модели, не забудьте представить его или ее до плеч. Это позволит вам понять, где находится голова, придать ей относительный вид и даже знакомое выражение.

Уровень: средний / Время выполнения: 2 часа.

Материалы:

• Бумага: Canson Montval 200 г / (м) 2 — мелкозернистая.
• Цвета: основной желтый, красный, фиолетовый, ультрамарин, изумрудно-зеленый и обожженная сиенна в тюбиках от Rembrandt.
• Карандаши и кисти: 1 очень хорошо заточенный, средний (НВ) карандаш или 1 тонкий механический карандаш (0,5 мм), 1 кисть для заливки, 1 кисть средняя заостренная (белка), 1 тонкая кисточка с круглым заостренным кончиком (соболь) для отделки.

Шаг 1

Сделайте быстрый карандашный набросок объекта.

Используя карандаш (который должен быть идеально заточен, чтобы вы могли рисовать максимально точно и легко), сделайте быстрый подробный набросок контуров лица, затем шеи и плеч. Добавьте узнаваемые черты: глаза, нос и рот. Закончите с ушами и волосами. Убедитесь, что стерли все ошибки.

Примечание: избегайте слишком точных деталей (ресниц, бровей, зрачков, радужных оболочек и т. д.), вы сделаете их акварелью.

Шаг 2

Наносим разбавленный цвет, чтобы добавить лицу тон и объем.

Приготовьте довольно большое количество заливки (вы будете использовать её позже): основной желтый и немного красного(чтобы сделать светло-оранжевый). Значительно разбавить перед нанесением цвета.

Добавьте цвет на области, где лицо находится в тени; оставьте некоторые пробелы в освещенных участках.

Ваши движения руки — это то, что формирует лицо и дает ему выражение: не закрашивайте его полностью. Вместо этого добавьте цвет в различные области, но не стесняйтесь выходить за пределы контура карандашного наброска.

Шаг 3

Наметьте тени и более темные участки.

Повторно используйте предыдущую заливку, нанесите ее, но менее разбавленную: цвета должны быть более плотными.

Добавьте теней на лице, отбрасываемые носом и работайте над волосами. Оставьте просветы в местах, где отражается свет.

Совет: смягчите контур теней, чтобы сделать их более реалистичными. Сразу после нанесения цвета проведите чистой и влажной кистью по краям этой конкретной области.

Шаг 4

Совершенствуем детали лица.

Подготовьте заливку, смешиваем красный с фиолетовым оттенком. Работайте со средней круглой заостренной кистью, следя за тем, чтобы снова не рисовать точно по карандашному наброску.

Рот: добавьте более или менее разбавленные штрихи, в зависимости от того, где отражается свет. Чтобы он выглядел так, будто светится, оставьте пустое пространство в середине нижней губы.

Глаза: используйте ту же заливку, разбавляя её немного больше. Добавьте цвет, по-прежнему следя за тем, чтобы формы не были четкими. Оставляя небольшие пробелы, создаем объем. Эти места соответствуют выпирающим областям, где свет отражается больше всего.

Шаг 5

Дорабатываем волосы.

Готовим густую чистую желтую заливку. Используем кисть для заливки, чтобы нанести цвет на волосы уверенным жестом: не бойтесь выходить за линии; рассматривайте это как общую область, которая будет выделена позже. Быстро нарисуйте брови таким же образом. Не забудьте оставить некоторые области цвета базы видимыми.

Шаг 6

Детали волос.

Смешиваем заливку на основе красного и фиолетового цветов с ультрамариновым оттенком (для усиления цвета). Полученный цвет должен быть густым. Нарисуйте маленькие мазки с помощью кисти для заливки.

Используйте тонкую круглую кисть для деталей: пряди волос, брови.

Шаг 7

Рисуем свитер и глаза.

Подготовьте заливку из изумрудно-зеленого и ультрамарина (тон, дополняющий оттенок, используемый для обработки кожи: для довольно сильного контраста).

Свитер: разбавьте цвет и быстро нанесите его.

Глаза: нанесите этот же цвет средней круглой кистью. Примечание: оставьте чистый участок в глазу, чтобы изобразить свет, отражающийся в глазу. Именно это отражение придает портрету живой вид, поэтому делать это нужно очень осторожно.

Свитер: быстро нанесите тени, чтобы добавить объема. Используйте кисть для заливки, чтобы нанести тот же цвет, на этот раз менее разбавленный.

Шаг 8

Аккуратно добавляем штрихи в глаза.

Работайте тонкой круглой заостренной кистью.

Радужная оболочка: используйте оставшуюся часть смеси, чтобы добавить тени к свитеру, нарисуйте контуры радужной оболочки и ее верхнюю часть (где ресницы отбрасывают свою тень). Не забудьте оставить несколько светлых участков.

Ресницы и зрачок: приготовьте слегка разбавленную смесь пурпурного, сиенны обожженной и немного синего. Используя насыщенный пурпурный оттенок, вы можете сохранить общий тон света (в отличие от черного). Делайте зрачок аккуратно, оставляя немного пустого пространства. Для ресниц: начните с века и нарисуйте их плавным жестом.

Шаг 9

Улучшайте тени и темные участки.

Здесь лучше использовать чистый, слегка разбавленный цвет вместо темного оттенка: приготовьте смесь из чистого красного и капельки фиолетового цвета.

С помощью тонкой круглой заостренной кисти нарисуйте тени, которые недостаточно сильно выделяются, легкими мазками: угол рта, основание подбородка, ноздри, уши, морщины у глаз и т.д.

Совет

Вы всегда можете переделать тени, заканчивая свою работу. Подровнять все детали: основание подбородка, тень, отбрасываемая прядью волос на лбу и т. д. Просто используйте ту же заливку, что и на шаге 9 и круглую заостренную кисть. Однако смесь стоит еще немного разбавить.

Автор: Mathias Braun

Видео по теме — Как Легко Нарисовать Портрет По Фото

 

Поделиться статьей:

 

Портреты одинаковые, только платья разного цвета: mariro — LiveJournal

Конные портреты аристократок работы Жозефа Парроселя

Все портреты были написаны в 1670-ых годах и находятся в замке Куклостер в Швеции. Франциска Магдалина Клавдия Вариньи, графиня Сен-Жеран…

Два конных портрета герцогини Портсмутской

Конные портреты Луизы Керуаль, герцогини Портсмутской (1649-1734). 1680-ые. Луиза была фавориткой Карла II Английского, от их общего сына происходят…

Два портрета Елены Вальдек-Пирмонтской

Елена Вальдек-Пирмонтская, герцогиня Олбани (1861-1922). Портреты работы Карла Рудольфа Зона. 1882 год. Источник: royalcollection.org.uk

Две гессенские принцессы

Портреты работы Иоганна Фридриха Дрюандера. 1783 год. Находятся в музее замка Дармштадт. Августа Вильгельмина Гессен-Дармштадтская, будущая…

Две сестры

Элеонора Штолберг-Вернигеродская, будущая принцесса Ройсс-Кёстрицская (1801-1827) с младшей сестрой Каролиной, будущей княгиней Ройсс-Кёстрицской…

Какая именно эрцгерцогиня на портрете?

Портрет работы венгерского художника Дьёрдя Вастага. 1898 год. Выставлялся на аукционе Neumeister в 2014 году и был подписан, как портрет…

Два портрета герцогини Саксен-Кобург-Готской

Живописные портреты Виктории Аделаиды Гольштейн-Глюксбургской, герцогини Саксен-Кобург-Готской (1885-1970). 1900-1910-ые. Портрет работы Генриха…

Королевские особы на портретах работы Джузеппе Амизани

Лидия Линь-Аренбергская, герцогиня Пистойская (1905-1977). 1928 год. Амалия Баварская, будущая графиня Ассандри (1921-1985). Около 1930 года.…

Как я увеличила портрет принцессы Турн-Таксис

В сети есть вот такая фотография, на которой Глория Шёнбург-Глаухаусская, княгиня Турн-Таксис позирует на фоне интерьера одного из дворцов семьи.…

Ограниченная палитра портретной картины «Georgetown Atelier

Сокращенные шаги этого руководства

Картина, представленная для этого урока, представляла собой демонстрацию из двух частей, которую я сделал для Джорджтаунского ателье по теме «Живопись с ограниченной палитрой». Большая часть используемой здесь терминологии и концептуальной основы рассмотрена в предыдущих руководствах. Если вы озадачены, я бы порекомендовал сначала изучить другие руководства, а затем вернуться.

Чтобы просмотреть версию этой картины в высоком разрешении, щелкните здесь.

Работа с ограниченной палитрой

Работа с ограниченной палитрой — отличный способ научиться рисовать в цвете, при этом уделяя приоритетное внимание температурным отношениям. . Это следующий логический шаг после работы с «trois crayons» (рисунок черным, красным, белым мелом) и рисования в теплой-прохладной палитре. Ограниченная палитра побуждает учеников работать более стратегически, укрепляя их понимание отношений цветовой температуры и избегая подавления их множеством цветов.

Рекомендуемые краски

Две марки, у которых я покупаю большую часть своих красок, — это Рублев и Вильямсбург. Оба являются превосходными красками и обладают более « более длительными » свойствами, чем большинство брендов, использующих больше стеаратов / стабилизаторов, которые, хотя и помогают предотвратить разделение пигмента и масла в тюбике, в конечном итоге оказывают пагубное влияние на управляемость краски. . Если вы обнаружите краску, которая отделилась в тюбике, не обязательно списывать ее на низкое качество; Обычно это указывает на то, что стабилизаторов используется меньше или вообще нет.

Краски «Рублев» и «Вильямсбург» имеют тенденцию к «жесткости». Разложив краску на палитре, я добавляю к каждому цвету по несколько капель льняного масла, чтобы «активировать» краску. Я считаю, что этот метод предпочтительнее работы с слишком рыхлыми красками; краску легче ослабить, чем придать ей жесткость. Если вам все же нужно придать краске жесткость, добавьте небольшое количество мраморной пыли. Будьте здесь рассудительны; добавление слишком большого количества мраморной пыли изменит прозрачность краски.

Рекомендуемая палитра

Выше приведены цвета, которые я обычно использую для образной живописи с ограниченной палитрой.Слева направо это:

— Ivory Black (Williamsburgh): этот цвет необходим для достижения темных оттенков, а также «голубоватых» холодных цветов.

— Умбра индейка (Вильямсбург) или Умбра итальянская зеленая (Рублев): это зеленовато-темно-коричневая умбра. Это очень полезно для более холодных темных полутонов, которые часто встречаются на фигуре. Используемый с Cad Red / Vermillion, он достигает очень полного диапазона цветов умбры и краснозема, таких как необработанная и жженая умбра, жженая сиена и красный помпеи. Однако я заметил, что последние партии турецкой умбры слишком сильно склоняются к зеленой стороне , ближе к «зеленой земле», а затем к умбре. Чтобы компенсировать это, я добавил к нему немного жженой умбры.

— Ализарин Багровый / Постоянный : Я читал, что ализарин Багровый может быть скрытным; в качестве альтернативы доступны несколько приближений ализаринового малинового цвета. В настоящее время я использую ализарин Виндзор Ньютон. Этот цвет работает как способ согреть более темные оттенки или охладить красный в более светлом диапазоне.

— Кадмий красный / вермиллион (Роберт Доук): интенсивный красно-оранжевый цвет. Кадмий красный свет похожего цвета на некоторые другие бренды, и он также будет работать. Этот красный цвет согревает другие цвета при использовании в меньших количествах, а также обеспечивает интенсивность в соответствующих областях (обычно в ушах, руках, носу и т. Д.).

— Raw Sienna (Williamsburgh): это коричневый / золотисто-желтый цвет, часто используемый в полутоновом диапазоне на рисунке. Поскольку он темнее других желтых оттенков в этой палитре, его можно использовать для осветления более темных полутонов, сохраняя при этом тепло, или использовать в отраженном свете теплой тени.

— Неаполитанский желтый итальянский (Вильямсбург): это теплый, светло-желтый, не слишком хроматический. Я часто использую этот цвет, моделируя полутона в свете, и когда хочу осветлить область, сохраняя при этом тепло. Использование белого для осветления области обычно снижает температуру. Иногда это уместно, но часто приводит к «меловому» виду. Термин «меловой» описывает, когда определенные области неуместно холодные, обычно при свете.

-Желтый свинцово-оловянный (Рублев) или Никелево-желтый (Вильямсбург): очень светлый прохладный лимонно-желтый цвет.Обратите внимание, что хотя этого цвета не было в моей палитре для рисования, использованного в этом уроке, я включил его в этот список, потому что он чаще всего присутствует на моей палитре. Это очень полезно при моделировании в свете; Я часто использую его поверх белого, когда хочу получить и светлее, и прохладнее, но не так холодно, как белый.

— Свинцовый белый № 1 (Рублев) и Титановый белый (Вильямсбург): Свинцовый белый от Рублева — потрясающий белый цвет с длинными волокнистыми свойствами. Это мой любимый белый цвет, и он очень полезен при моделировании из-за его свойств и слабой окраски.Я использую титановый белила, когда мне нужна сила непрозрачного белого цвета с высокой тонируемостью.

Кисти

Я использую щетки из лещины Bristle Brushes для большей части процесса окраски. Для смягчения краев, «лепки» плиток с краской, уже нанесенных кистями из щетины, и деликатного глазурования я использую Sables (обычно круглые). Углубленное рассмотрение тем, связанных с кистями и обращением с ними, средами, красками, соотношением краски к среднему и субстратами, выходит за рамки этого учебного пособия. Возможно, в будущем я создам учебник по этим темам.

Имейте план

Для этой картины / демонстрации я хотел создать инсталляцию и дизайн, аналогичные «Портрету Евгении Эрразурис» Сарджента . При позировании модели я держал в уме абстрактные отношения картины Сарджента.

С другой стороны, я часто нахожу убедительные абстрактные отношения и композиции в неожиданных местах. Когда вы наткнетесь на такие отношения, обязательно запишите их. Затем при создании вашей установки у вас есть шаблон в качестве трамплина.Также имейте в виду, что когда вы обнаруживаете «убедительный набор абстрактных отношений», вам необязательно придерживаться одного и того же предмета. Например, одна из моих фигуративных картин (Чертополох) была основана на абстрактной взаимосвязи вазы, розы, тени и блюдца. Эскизы эскизов также являются отличным инструментом при создании произведений на ранних стадиях. Под «миниатюрой» я имею в виду небольшой рисунок (около 2–3 дюймов), на котором рассматриваются только самые широкие взаимосвязи.

Что касается цвета, если у вас есть время (больше, чем несколько занятий), полезно провести исследование плаката . Плакатные этюды немного больше миниатюр (3-5 дюймов) и рассматривают цвет в широком смысле. Кроме того, перед рисованием я считаю полезным нанести на карту полосу цвета / значения на палитре , прежде чем переходить к новой части.

_________________________________________________________________________________

Приступим к покрасочной документации.Шаги 2-4 были выполнены в первой демонстрации, а шаги 4-9 — во второй. Блокирование и окрашивание (1) были выполнены на предыдущих сеансах.

1) Панель, использованная здесь, представляла собой «переработанную» картину, которую я отшлифовал, а затем нанес несколько полупрозрачных слоев белого цвета. Я выполнил чертежный блок на отдельном листе бумаги, увеличил его до подходящего размера с помощью фотокопии и перенес на панель . Если у меня всего 1-2 сеанса для работы, я обычно делаю блок прямо на холсте разбавленной краской.Для закрепления рисунка использовала работоспособный фиксатор. При этом будьте осторожны, чтобы не распылить слишком много краски, иначе получится стеклянная, слишком гладкая поверхность, на которой будет ужасно рисовать. Обычно я беру чистую кисть, смоченную в Gamsol, и протираю несущественную часть рисунка, чтобы посмотреть, отрывается ли он, чтобы определить, готов ли он. В качестве альтернативы вы можете обвести перенесенный рисунок чернилами (ореховые чернила — хороший вариант) или краской и дать ему полностью высохнуть. Затем я затонировал панель с помощью цветной краски: смесь киновари, умбры индейки и сырой сиены, разбавленной гамсолом и оставленной для высыхания. Я затонировал панель в этот цвет в ожидании теплых красно-оранжевых цветов в волосах и куртке .

Пластина 1, перенесенный рисунок и цветная заливка (нажмите для увеличения)

2) Я начал рисовать, сначала работая с волосами и более темными участками пиджака. Это предоставило способ установить самые темные тени, а также «обрамить» лицо, чтобы помочь определить цвет и соотношение ценностей на следующих этапах. Я обычно подхожу к таким областям, как волосы, трава, складки ткани и т. Д.немного иначе, чем при моделировании лица или большей части фигуры . Сначала я помещаю более темные формы, затем ступеньку для темных полутонов, а затем усредняю ​​средние тона, покрывающие остальную область. Затем я возвращаюсь в обратном направлении, создавая световые волны по одной «волне» за раз. Под «волной» я описываю процесс нанесения более светлой краски, а затем выталкивания ее на полутона мягкой кистью; по мере смешивания он становится темнее, поэтому я повторяю процесс до тех пор, пока свет не будет «настроен» на соответствующий диапазон. Я использовал в основном черный и белый, чтобы добиться относительно «голубоватой» температуры волос и куртки. В очень темных областях я смешал немного ализарина с черным. Прохладная температура в куртке воспринимается как таковая, потому что рядом с ней тепло.

Пластина 2, Рисование волос и теней на пиджаке (щелкните, чтобы увеличить)

3) Я продолжил работу в куртке и закончил широким размещением плитки краски. Я считаю, что в таких областях, как эта, предпочтительнее работать в широком смысле и не вдаваться в детали.Лицо будет главной «звездой шоу», поэтому мы не хотим, чтобы куртка отвлекала его. Это не значит, что вы можете небрежно замалчивать подобные области; На самом деле все наоборот, так как рисовать и широко, и точно особенно сложно. . Возможно, из-за того, что художникам так часто советуют «прищуриваться», это не всегда воспринимается как серьезный совет. Прищурившись, чтобы увидеть «большую картину», очень важно рисовать в широком смысле. Я часто закрываю левый глаз, а затем прищуриваюсь.

Табличка 3, Покраска куртки в широком масштабе (нажмите, чтобы увеличить)

4) Затем я построил светильники на куртке и шарфе так же, как и волосы. После размещения широких «плиток» краски я обычно беру мягкую круглую кисть и «леплю» эти плитки в соответствии с ритмом формы . Прежде чем это сделать, можно нанести достаточно краски на кисть, чтобы она не действовала как «губка» и не собирала краску при лепке, но не настолько, чтобы наносить краску. На этом этапе я также взглянул на Edges куртки и волос. Кромки — очень важный аспект живописи, на который часто не обращают внимания. . Тщательно сравните разницу в краях между этапами 3 и 4. Чтобы нарисовать «мокрый по мокрому» (что важно при работе с краями) между обложкой и фоном, я сначала нанес полупрозрачный слой краски / медиума на необходимые участки, граничащие с курткой. Затем я использовал мягкую круглую кисть и перемещал краску взад и вперед, чтобы смягчить необходимые края.Пытаться понять, какие края нужно смягчить, а какие акцентировать, может быть непросто…

Кромки

У меня есть три правила, которые я могу порекомендовать для работы с краями:

1) Если вы прищурились и обнаружите, что одна сторона края близка по значению к другой, полностью ослабьте этот край и сделайте его зоной «прохода».

2) Если вы прищуриваетесь и смотрите на свою картину (не на модель) и обнаруживаете какие-либо края, которые отвлекают и / или нарушают более важные области, смягчите эти края.

3) Выделите области картины, по которым ваш взгляд должен перемещаться. В особенно важных областях фокусировки вы также можете добавить насыщенную цветную ноту по краю в качестве дополнительного акцента.

Табличка 4, Построение светильников в оболочке и рабочих краях (щелкните, чтобы увеличить)

4б)

Затем я нарисовал протяжку и два цветка, обозначив конец 1-го трехчасового сеанса рисования. При раскрашивании предметов подобного рода неплохо «прибить» в одной позе до того, как модель сломается; из-за того, как сильно они меняются от позы к позе.В качестве альтернативы можно надеть куртку и предметы на манекен и работать с ними отдельно от модели. Как и в случае с волосами и курткой, постарайтесь не теряться в деталях и сосредоточьтесь на точном размещении. Я поместил средний цвет / значение, а затем добавил тени и построил источники света. Многие классические работы при ближайшем рассмотрении выглядят очень хорошо выполненными картинами импрессионистов. . Не дайте себя обмануть тем, насколько они «плотно» выглядят: это результат их опыта, поскольку они читают «плотно» только при просмотре издалека или при воспроизведении.

Табличка 4б, роспись брошь и цветы (нажмите для увеличения)

Вот несколько примеров того, как классические картины не такие «тесные», как могут показаться. Первая — это картина Энгра, а вторая — Вермеера. Щелкните каждую миниатюру для увеличения .

5) Этот этап знаменует начало второй покрасочной / демонстрационной сессии. На последнем сеансе я нарисовал области вокруг лица и установил эти отношения.Их наличие облегчило оценку ценностей и цветов лица.

Промасливание

Поскольку области, которые были окрашены на предыдущем сеансе, были сухими, я сначала обработал маслом области, окружающие лицо (около 1 дюйма по периметру). Почему масло выходит? На это есть две причины:

1) В зависимости от впитывающей способности грунта и среды, которую вы используете, краска обычно «просачивается» по мере высыхания. . Это означает, что ваши средние тона и особенно темные будут высыхать на несколько шагов светлее и матовее, чем первоначально нанесенные.Однако при смазке маслом или лаком исходные свойства и блеск восстанавливаются. Земные тона и темные оттенки особенно склонны к погружению. Поскольку важно оценивать ценность и цвет относительно в вашей картине, масляная заливка позволяет вам видеть «настоящие» значения / цвета, в отличие от них в погруженном в . Если вы обнаружите, что вся ваша картина слишком вонзилась, и чувствуете, что вынуждены смазывать всю картину маслом, я бы посоветовал этого не делать. Замасливание слишком большого / слишком большого количества слоев без пигмента в пленке может создать некоторые проблемы с поверхностью и потенциальную проблему налипания жира.В таких случаях я обычно использую даммарный лак, разбавленный скипидаром (не гамсолом!), Как ретуширующий лак, и наношу тонким слоем по всей картине. Опять же, заранее убедитесь, что он высох. Ведутся споры о том, может ли такая практика создать какие-либо архивные проблемы или усложнить жизнь реставратору при замене верхнего слоя лака на картине. Однако есть свидетельства того, что многие художники, создававшие очень давние произведения, использовали эту практику (например, Рембрандт). Важно, чтобы эти слои были как можно более тонкими, обеспечивая при этом покрытие, будь то промасливание средним или разбавленным лаком по всей картине.

2) Смазка создает такую ​​поверхность, которую легче окрасить в ранее окрашенные области. Отсутствие смазывания дает более грязный / меловой вид в местах нанесения новой краски. Это уместно в некоторых случаях (например, с деревянными поверхностями, классными досками и т. Д.), Но обычно не так на рисунке, если только это не предназначено для этого стилистического замысла.

Чтобы растушевать, возьмите кисть со средним и проведите ею по нужным участкам. . Затем пальцами введите / выровняйте его круговыми движениями.Нанося масло на , делайте его как можно более тонким, сохраняя при этом покрытие, и убедитесь, что нижний слой сухой (иначе вы размазываете уже проделанную вами работу) . Слишком много среды, используемой при смазке, приведет к получению слишком гладкой поверхности, с которой будет трудно работать. Если вы обнаружите, что нанесли слишком много средства, просто используйте безворсовое бумажное полотенце и слегка удалите излишки.

______________________________________________________________________

После нанесения смазки на участки вокруг лица, я начал работать с теневыми формами лица.Поскольку с правой стороны исходил теплый отраженный свет, эти тени были относительно теплыми. Я нарисовал их в основном с помощью индейки, умбры и вермиллиона. Однако по боковому краю лица был более холодный отраженный крайний свет, склоняющийся в сторону синего, поэтому я добавил больше белого и немного черного. В очень темных / теплых акцентах я использовал смесь ализарина и черного.

Темные полутона кожи лица были холоднее, чем большинство теней и полутонов, и имели тенденцию к зеленому.При рисовании этой области (вытаскивая форму из основных теней) я использовал в основном турецкую умбру и немного неаполитанского желтого. Сначала я поместил краску «плитки», а затем взял более мягкую круглую кисть и вылепил краску в соответствии с ритмами формы и смягчил определенные края (например, угол рта).

Пластина 5, Рисование теней на лице и работа оттуда (щелкните, чтобы увеличить)

6) Поднявшись вверх по шкале значений из темных полутонов, цветовая температура стала теплее с оттенком желтого / красного.Во время моделирования я добавил больше сырой сиены, неаполитанского желтого и вермиллионного цветов. В некоторых областях, которые были особенно теплыми (например, на щеке), я использовал больше киноварь. Поскольку это очень насыщенный цвет, небольшое количество будет иметь большое значение. Я также добавил блик на носу в качестве заполнителя значений, чтобы я мог более точно судить, насколько светлым будет смоделировать щеку.

Пластина 6, моделирование в полутона (нажмите для увеличения)

7) Продолжая в полутонах, я работал над созданием света на лице.Этот светлый участок оказался холоднее поддерживающих полутонов. Для этого я добавил больше белого, чем неаполитанский желтый, пока не добрался до самых светлых огней, из которых был добавлен только белый. Я также позаботился о том, чтобы «связать вместе» участки лица. Например, легко изолировать отдельные черты лица и создать искусственные границы значений между глазами, носом, щеками. и т. Д. Щелкните изображение ниже и посмотрите, как происходит очень мягкий переход между глазницей через скуловой, в сторону лица.

Тарелка 7, работа в светах и ​​уточнение переходов (кликните, чтобы увеличить)

8) После моделирования стороны лица и соединения его элементов, я вернулся к носу, а также разместил ресницы для глаз. Причина, по которой я дождался этого момента, чтобы наложить ресницы, заключалась в том, что мне нужно было достаточно краски вокруг них, чтобы они «впихнулись». Очень важно, чтобы такие области, как ресницы, края волос, бороды и т. Д., Взаимодействовали с окружающей краской. .В противном случае они будут восприниматься как искусственные линии, символизирующие волосы, а не выглядеть так. Файл с высоким разрешением (находится в верхней части этой страницы) лучше иллюстрирует это. Работая над носом, я сравнил яркость света с другими светлыми участками и еще раз подтвердил, что это самая светлая область на лице. При окрашивании носа или подобных участков (уши, губы, руки, ступни) обращайте особое внимание на изменения анатомической плоскости. . Убедитесь, что вы разместили «ступеньки» там, где они необходимы.Например, между ноздрей и верхней частью носа есть небольшой, но важный шаг. Опять же, это лучше всего видно в файле с высоким разрешением.

Табличка 8, Возвращение к ресницам и носу (нажмите, чтобы увеличить)

9) Я планировал закончить лицо к концу 2-го сеанса покраски, но у меня закончилось время, и я не смог добраться до уха. Модель (которая также является другом / коллегой-художником в здании) была щедра, чтобы вернуться, чтобы закончить ее.Что касается , лучше придумать способ запланировать дополнительное время, если вы можете, чем небрежно рисовать в спешке . Перед тем, как красить ухо, я сначала смазал прилегающие участки маслом. Как и в случае с носом, при раскрашивании уха важно четко обозначить соответствующие изменения плоскости. Также как и нос, необычайно тепло обычно можно найти в этой области . Используются ноты, которые должны быть как темными, так и теплыми, используются ализарин и черный цвет. Используются более светлые и теплые участки.Закончив работу с ухом, я отступил назад и стал искать любые области, которые можно «проткнуть» или отрегулировать, чтобы закончить картину.

Я обработал маслом соответствующие области и сделал следующее, чтобы завершить картину:

— Добавлены теплые оттенки теням в области глаз и левой части носа.

— Стеклянное тепло на щеке и цветах.

— Глазурованные прохладные ноты, похожие на те, что находятся в пиджаке на заднем плане

— Добавлены дополнительные тонкие блики на волосы и лицо.

Табличка 9, Готовая картина (нажмите для увеличения)

Чтобы просмотреть версию этой картины в высоком разрешении, щелкните здесь.

Все содержимое этой страницы принадлежит © Georgetown Atelier / Tenaya Sims, если не указано иное. Воспроизведение части или всего контента запрещено, если это не согласовано с Tenaya Sims.

Как создать двухцветный портретный световой эффект в Photoshop

В этом уроке по работе с фотошопом вы узнаете, как создать потрясающий двухцветный портретный световой эффект, используя реалистичное внутреннее и внешнее свечение в фотошопе.

Двухцветный портретный световой эффект Учебное пособие:

НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, ЧТОБЫ ПРОСМОТРЕТЬ Учебник.
Шаг: 1)
выберите основной объект, для которого вы хотите добавить эффект и вырез.
Если ваш объект сложнее выделить, я предлагаю вам использовать инструмент «Уточнить края» или «Выбрать и замаскировать».
Теперь примените к слою фильтры размытия по Гауссу и светящихся краев.

Шаг: 2)
Создайте освещение справа, используя градиентную заливку, а также добавьте светлый цвет и мягкое освещение, используя настройку сплошного цвета.
измените наложение слоя цветовой заливки на умножение и мягкое цветовое освещение на мягкий свет. Он придает изображению сияющий стиль рассеянного прожектора.

Шаг: 3)
Повторите шаг 2 также с левой стороны или просто продублируйте слои с правой стороны света и измените направление.

Шаг: 4)
Теперь сгруппируйте все слои, кроме исходного фона, с помощью сочетания клавиш CTRL + G и назовите его «Двухцветное освещение».

Мы закончили самую сложную часть. Теперь давайте сосредоточимся на дополнительных элементах, таких как резкость, внутреннее свечение и внешнее свечение.

Шаг: 5)
Увеличить контраст

Шаг: 6)
Улучшите детали с помощью фильтра высоких частот и измените смешивание на жесткий свет.

Шаг: 7)
Чтобы добиться реалистичного вида, я также добавлю внутреннее и внешнее свечение по краям.
Добавьте любую настройку сплошного цвета и уменьшите заливку до нуля.
Выберите стиль слоя внутреннего свечения. сохраняйте структуру, элементы и качество, как показано в видео выше.
Аналогичным образом добавьте внешнее свечение.

Шаг: 8)
добавьте эффект виньетки, чтобы привлечь внимание зрителя к центру кадра.

Шаг: 9)
Создайте фон с текстурой (используя фильтр облаков) и немного шума.
Поместите группу фона над исходным фоновым слоем и добавьте маску слоя (выделение выреза).

Шаг: 10)
Все слои доступны для редактирования, поэтому мы можем перейти к любым настройкам в любое время и настроить слои по своему вкусу.
Например, если мы хотим минимизировать внешнее свечение, просто нажмите на опцию стиля слоя и уменьшите его непрозрачность.
Если вы хотите изменить цвета источников света, откройте группу двухцветного освещения.
Дважды щелкните миниатюру заливки светлым цветом и выберите цвета по своему вкусу.
, нам нужно изменить заливку мягкого цвета светлым градиентом на тот же цвет.

Вот и все. Были сделаны.

красочных портретов с помощью всего четырех тюбиков краски

Дженнифер Балкан делится малоизвестными способами создания портретов, которыми можно гордиться.Узнайте, как это сделать, в этом специальном сообщении от одного из наших спонсоров.

Как рисовать портреты

Мастера это выяснили. В некоторых картинах есть что-то элегантное.

В то время как некоторые картины, которые мы видим, красочны и ярки, картины величайших мастеров со вкусом и элегантны, но при этом кажутся очень красочными.

Вы когда-нибудь смотрели на мастеров и задавались вопросом, как они получили такую ​​элегантность в своих картинах?

Иногда можно часами смотреть на них и так и не сообразить.

Кажется, что некоторые из великих мастеров получают точный правильный цвет для теневой стороны портрета или сияния щеки. Даже тени наполнены насыщенным, нежным, ярким цветом.

А светлая сторона дает ощущение яркого света, но не чрезмерно. И в довершение всего, все в гармонии.

Но разобраться самостоятельно не так-то просто. Некоторые из нас потратили всю жизнь на поиски техники, которая позволит создавать элегантные, богато окрашенные, но при этом сделанные со вкусом картины.

Мы тратим время, выдавливая краску из бесконечных тюбиков, пытаясь получить этот элегантный вибрирующий цвет, но в конечном итоге разочаровываемся, потому что все эти эксперименты не дали нам желаемого вида.

Но мы любим цвет!

Посмотрим правде в глаза … мы пристрастились к рисованию! Мы любим идти к проходу с краской и пробовать что-то новенькое, верно? Так много тюбиков с краской кричат: «Попробуй меня!» «Нет, попробуй меня!»

И все же, как только вы это разберетесь, нет ничего более приятного, чем прибить его.

Это один из тех моментов, когда вы поднимаете руки вверх, делаете небольшой прыжок от радости и кричите: «Да !!» потому что, наконец, по прошествии всего этого времени, вы все поняли.

Оказывается, МЕНЬШЕ — БОЛЬШЕ!

Теперь вы можете отправить десятки тюбиков с краской в ​​отпуск или сохранить их для безумного эксперимента.

Какой цвет и какая смесь создадут идеальный эффект цветовой гармонии?

Что ж, над этим вопросом размышляла молодая страстная художница, изучая мастеров.Тем не менее, она не могла найти никого, кто знал бы. Поэтому она годами без конца трудилась, чтобы понять это.

Художник Дженнифер Балкан нашла решение, и она хочет поделиться им с вами. На самом деле, Дженнифер хочет спасти других все время, которое она потратила на выяснение того, как создавать такие замечательные картины. Настолько, что она стала соучредителем художественной школы. И не просто художественная школа, а классическое ателье (мастерская художника), первое в Америке, основанное четырьмя художницами. И эта школа — феномен.

Принося свою страсть к вам

Мы влюбились в работу Дженнифер и ее страсть к искусству и преподаванию. И, зная, что не каждый может собраться и переехать в Остин, штат Техас, чтобы посетить Atelier Dojo, мы знали, что должны были привести Дженнифер в нашу студию, чтобы создать для вас видео.

В этом видеоролике с инструкциями по искусству Дженнифер с энтузиазмом показывает вам, как смешивать любой цвет, любое значение и любую температуру с самыми основными из ограниченных цветовых палитр.

Следуйте примеру Дженнифер и смешайте все цвета, которые вы можете себе представить, с ее палитрой, состоящей всего из четырех цветов — да, вы правильно прочитали… всего четыре цвета!

Честно говоря, есть много художников, которые рисуют четырьмя красками.Это круто. Но в этой истории есть еще кое-что. Видите ли, вам все еще нужно знать, как выразить эти цвета, чтобы ваши картины выглядели элегантно.

Сделайте портреты ярче и элегантнее

Очевидная любовь Дженнифер к цвету проявляется во всех ее картинах. И вы почувствуете, что полюбите цвет больше, чем когда-либо, когда увидите ее портретную демонстрацию женщины в красном.

Она показывает вам, как усилить то, что вы видите в предметах, чтобы оживить их цветом, более ярким, чем есть на самом деле, и при этом сделать ваши картины более изысканными и элегантными.Это идеальное решение, если вы изо всех сил пытались придать своим портретам больше жизни и вкуса.

Смешивание без смешивания

Беря урок у импрессионистов, Дженнифер использует технику ломаных цветов, помещая контрастные цвета рядом друг с другом для достижения оптического смешения. Эта техника предназначена не для смешивания красок, а для смешивания цветов в уме. Она покажет вам, как получить этот яркий эффект с помощью сочетания всего четырех основных цветов: красного, желтого и синего, а также белого.

Хотите добавить цветовой гармонии в свои картины?

Все хотят этого, правда? Если они знают, что хорошо для их картин, они знают! Что ж, метод смешивания цветов Дженнифер делает гармонизацию вашего цвета проще, чем когда-либо. Потому что, когда вы смешиваете все цвета спектра из основной цветовой палитры, гармония становится естественным результатом. Независимо от того, копаетесь ли вы глубоко в тенях, чтобы найти правильное свечение, или рисуете блики, эта техника способствует гармонии.

Это видео гораздо больше, чем просто цвет

Основы портретной живописи начинаются с понимания важности хорошего рисунка, пропорций и композиции.Дженнифер расскажет, как сосредоточиться на абстрактных ценностных моделях, чтобы заложить основу для отличного портрета.

Ее процесс рисования подмалевок открывает еще более захватывающий этап применения великолепных цветов. Освоение этих процессов даст вам навыки, необходимые для свободного нанесения мазков с энергией и уверенностью!

Видеть значит верить. Но не всегда.

Вы когда-нибудь работали над картиной в течение длительного времени, а затем делали перерыв, отступали назад и удивлялись тому, что вы видите? Бывает со всеми нами.Дженнифер учит, как постоянно смотреть на свою картину свежим взглядом, и как это замечательно показывает вам, где необходимо внести коррективы.

Еще одна полезная «техника видения», которую она описывает, проста, но большинство художников не умеют этого делать. Вы будете удивлены, узнав, как эта техника упрощает то, что вы видите, когда рисуете.

Сходство или создание хорошей картины — что является приоритетом?

Вы когда-нибудь видели картины с хорошим сходством, которые кажутся скованными и безжизненными… картины, которые не отражают личность объекта?

Цель каждого портрета — передать сходство и характер объекта.Дженнифер помогает понять, что точное сходство может быть не так важно (кто знал ?!).

Изображение личности может проявиться и по-другому. Когда у вас есть сиделка, которая не может сидеть на месте, она объясняет, что уловить личность и характер можно по-прежнему с помощью жестов и отношения. Дженнифер покажет вам, как она отражает личность своей модели.

Сколько вы знаете художников со степенью доктора философии? Почему учеба с Дженнифер вдохновит вас.

Дженнифер — успешный современный портретист и живописец, живущий в Остине, штат Техас. Она имеет докторскую степень Техасского университета в Остине и училась в многочисленных художественных школах, все время пытаясь разобраться во всем самостоятельно. Она участвовала в региональных, национальных и международных выставках и получила множество наград.

С 2007 года она обучает небольшие частные группы рисованию портретов в своей студии. Дженнифер любит делиться тем, что она узнала в процессе учебы и практики, восторженным и вдохновленным художникам.И, как мы уже упоминали, в 2018 году она стала соучредителем Atelier Dojo, академии реалистического искусства в Остине.

Как искусный художник и опытный педагог, Дженнифер обладает методическим стилем преподавания, которому легко следовать. Она делится подробностями о своих процессах в непринужденной и дружелюбной манере, которая вызывает ваш интерес на протяжении всей ее прекрасной презентации и демонстрационного портрета.

Важные вещи, которые вы узнаете из этого видео:

• Превратите четыре цвета краски в бесчисленное количество цветов
• Согрейте или остудите — цветовая температура не так сложна, как вы думаете
• Смесь без смешивания.Дженнифер показывает вам, как оптически смешивать!
• Jewel colors — волшебная четырехцветная палитра для улучшения ваших портретов
• Некоторые говорят: «Правило сходства». Некоторые говорят: «Не очень». У нас есть для вас ответ!
• Простые абстрактные шаблоны ценностей — лучший способ создать отличный портрет!
• Улучшение, а не копирование. Портретная живопись — это не фотография!
• Инструменты, которые вы можете использовать, чтобы по-другому взглянуть на свою картину
• Помогите природе, добавив больше красок — рецепт у Дженнифер
• Импрессионисты кое-что знали о цвете — теперь вы тоже это знаете!
• Неровный цвет нисколько не нарушается, это секрет ярких телесных тонов
• За каждой хорошей картиной стоит хороший подмалевок — узнайте почему!
• Как нарисовать что-нибудь черное без черной краски — раскрыто здесь!
• Формируйте тени или отбрасывайте тени — разница может вас удивить!
• Самое главное, придайте своим красочным картинам вкус и элегантность!
• … И многое, многое другое.

Этюд с Дженнифер Балкан и откройте для себя радости портретной живописи ограниченной палитры

Мы ценим всех наших клиентов, и наша цель — предлагать обучающие видео по искусству, которые помогут вам стать лучшим художником, которым вы можете быть.

Вы можете выбрать DVD или цифровой формат для просмотра на компьютере, планшете или смартфоне — в зависимости от того, что вам больше подходит!

Кто мы и почему это важно?

Наша компания принадлежит художнику, основавшему художественные журналы PleinAir и Fine Art Connoisseur — возможно, вы знаете эти отмеченные наградами высококачественные журналы.

Наш владелец также основал выставку и выставку изобразительного искусства (FACE) и пленэрную конвенцию и выставку (PACE).

Мы стремимся помочь художникам стать лучше, поэтому много лет назад мы вошли в бизнес с видео инструкциями по искусству и изобрели его заново. Наши видео предлагают непревзойденный голливудский уровень качества и понимание того, что артисты действительно хотят и в чем нуждаются.

Мы поддерживаем нашу продукцию и хотим, чтобы вы получили лучшее в мире художественное образование. Фактически, лучшие художники мира приезжают к нам, чтобы снять свои обучающие видео.

Наша 100% гарантия возврата денег «Люби или оставь»

Мы имеем в виду это, когда говорим, что хотим, чтобы вам это понравилось. Мы хотим, чтобы вам понравился наш опыт, наше обучение, наше качество и наши инструкторы.

Закажите сейчас и получите нашу гарантию без проблем. Попробуйте упорядоченные процессы и методы Дженнифер, и если вы обнаружите, что они не подходят, позвоните Сью в наш отдел обслуживания клиентов в течение 30 дней с момента покупки.Она предложит на ваш выбор обмен или вернет вам деньги за каждую уплаченную вами копейку. Лучше всего она позаботится о том, чтобы мы остались друзьями!

Закажите копию ограниченной палитры портретов сегодня!

Создайте автопортрет с помощью всего 4 цветов

Автопортрет — одна из самых интересных задач, которые может решить художник. Поскольку мы знаем пейзажи своих лиц лучше, чем кто-либо другой, мы знаем, когда картина выглядит правильно.Хотя автопортрет может быть способом проецирования определенного образа самого себя на холст, он также может быть процессом самопознания и отличным способом изучить техники рисования.

Чтобы запечатлеть изображение, нужна практика, но главное — не расстраиваться. Я не использую вспомогательные средства рисования, такие как проектор или сетка (хотя они могут быть полезны). Мне нравится, когда процесс кажется органичным, и ошибки являются частью этого.

Здесь я буду использовать палитру Lamp Black, Titanium White, Yellow Ochre и Cadmium Red.Удивительно, насколько большой диапазон тонов можно создать с помощью всего четырех цветов, а ограниченная палитра часто создает тонкий гармоничный портрет.

Для установки поместите зеркало на стол или стену так, чтобы вы могли легко переводить взгляд между холстом и своим отражением. Убедитесь, что ваше рабочее место имеет много естественного света — если свет падает с одной стороны вашего лица и отбрасывает другую в тени, это поможет вам обрести форму.

01. Нарисуйте это

Начните с рисования того, что вы видите в зеркале

Используя тонкую смесь красного кадмия и желтой охры, я начинаю рисовать то, что вижу в зеркале.На этом этапе я пытаюсь запечатлеть основное движение фигуры, а также углы стыковки головы с шеей и туловищем. Я создаю набросок, используя выразительные мазки, чтобы выделить области светлого и темного, и использую эти области, чтобы найти глаза, нос и рот. На этом этапе сходство не имеет значения — вам просто нужно увидеть, как портрет приобретет форму, когда вы начнете добавлять цвет.

02. Проверьте свои цвета

Изучите возможности ваших четырех цветов

Перед добавлением цвета я исследую диапазон и качества четырех выбранных мною цветов.На отдельном холсте я пробую различные комбинации в сетке, а также смешиваю несколько телесных тонов, чтобы увидеть, каков эффект.

03. Блокировка в

Примерно заблокируйте ваши цвета в

Добавление первых цветных блоков действительно вдохнет жизнь в портрет. Используя красный, желтый и белый цвета, я смешиваю светлый, средний и темный оттенки кожи. Используя эти миксы, я грубо блокирую цвета, ориентируясь на свой тональный набросок. Продолжайте смотреть в зеркало и будьте восприимчивы к изменениям и открытиям.

04. Губы, волосы и глаза

Смешиваю светлые, средние и темные тона для волос и губ.

Я смешиваю светлые, средние и темные тона для волос и губ. Для обоих я использую пропорции красного, черного и белого. Чтобы красить волосы, делайте их светлыми и вызывающими, не окрашивая тяжелые цветные блоки или крошечные отдельные пряди. Мои глаза сине-зеленые, но в моей палитре нет ни синего, ни зеленого. Однако сочетание черного и белого создает сине-серый цвет. Я добавил немного желтой охры к серому, чтобы создать зеленоватый оттенок.Я смешиваю не совсем белый цвет для белков глаз.

05. Углубление и затемнение

Добавление теней для восстановления баланса тонов

Теперь, когда я добавил темные волосы, баланс тонов в моей картине изменился, и внезапно мое лицо выглядит бледным, даже если оно есть в тени. Чтобы восстановить баланс, я затемняю тени на правой стороне лица, используя тона, похожие на те, что используются в волосах. Я также начал пробовать цвет фона, чтобы посмотреть, как он выглядит на фоне телесных тонов.

06. Время для фона

Ваш фоновый цвет должен дополнять передний план

Вам нужен цвет фона, чтобы выделить передний план, не изменяя его. Я выбрала теплый коричневый цвет, которому я хочу подобрать некоторые лиловые и оранжевые тона на лице. После того, как я выбрал цвет, я начинаю подбирать его с правой стороны лица и шеи, что помогает отбросить тени, приближая их к фону.

07.Окрашивание одежды

Создание набора тонов для одежды

Я ношу белый топ, но, как и в случае с белками глаз, я не хочу использовать чистый белый цвет, чтобы блокировать его. Вместо этого я использую все свои цвета чтобы создать теплый серый цвет, который я выделил тремя тонами. Теперь я могу добавить светлые и темные тона на шею и выделить некоторые из более желтых тонов.

08. Дьявольская детализация

Света и тени оживят ваш портрет

Пора поработать над деталями.Я обращаю внимание на то, где тени могут быть более синими или желтыми, и где блики падают на лицо, определяя черты лица. Добавляю теплые оранжевые тона вокруг век. Здесь я беру более легкие прикосновения кистью и тщательно смешиваю цвета, не теряя индивидуальности каждого мазка.

09. Прижать и подтянуть

Не волнуйтесь, если из-за ваших настроек вы потеряете сходство.

В процессе работы я случайно истончил шею, опустил левое плечо и опустил подбородок.Мой левый глаз также расположен слишком высоко и требует изменения положения. Внося изменения, не беспокойтесь, если на этом этапе вы потеряете сходство.

10. Мелирование

Выделите волосы светлой охрой

Используя небольшую кисть с закругленным концом, я добавляю несколько бликов там, где свет падает на мои волосы — опять же, не чисто белого цвета, а очень светлой охры. Не бойтесь использовать более густую краску.

11. Размягчение

Смягчение портрета тонкими слоями краски

Я близок к завершению и не хочу переусердствовать с рисунком.Я начинаю добавлять тонкие слои краски к участкам сухого холста, что помогает смягчить, объединить и добавить законченности картине. Я создаю слои, добавляя в краску большое количество Liquin, пока смесь не станет почти прозрачной. Эта техника также хорошо работает для фона, углубляя его текстуру, но не отвлекая.

12. Высыпать на нем

Выспаться ночью и по-новому взглянуть на утро

Когда я отошел от портрета и вернулся к нему утром, стало ясно, что не совсем то.Итак, я делаю волосы гуще, поднимаю правое плечо, меняю направление взгляда и затемняю брови, волосы и шею. Я также добавил несколько небольших завитков волос. Мелкие детали могут иметь решающее значение.

Эта статья впервые появилась в Paint & Draw , выпуск 2; купите здесь !

Статьи по теме:

Джоанна Барнум | Акварельный портрет, шаг за шагом

I

Для этой портретной картины «Фэйри» я начал с фотографии моей подруги Эми, танцовщицы и профессиональной феи , которая сделала импровизированную фотосессию со мной на фестивале.Мне понравилось ее задумчивое выражение лица и причудливый костюм, как главный источник вдохновения для картины. Эта работа является примером моего типичного процесса рисования портретов акварелью.

Справочное фото.

Мне нравится работать с фотореференсом в качестве отправной точки для моих портретов, потому что фотография может запечатлеть мимолетные выражения и движения, а также воспоминания о конкретном времени и месте . Хотя мне также нравится рисовать модели с натуры, и эта практика влияет на все мои другие рисунки и раскраски, живая модель более ограничена в том, что можно выдержать в течение нескольких часов.Иногда я нанимаю конкретных моделей, которых хочу сфотографировать (или привлекаю к ​​работе друзей и членов семьи), в других случаях я беру с собой камеру на мероприятия, чтобы запечатлеть более органичные моменты. Мне особенно нравится работать с танцорами, актерами и всевозможными исполнителями, поскольку им очень легко перед камерой. Когда я начинаю снимать референс, у меня может быть определенная концепция, или я могу просто отложить фотографии и посмотреть, что они вдохновляют меня позже.

Я ищу выражения, жесты и свет, которые вдохновляют меня на фотографиях , но я не беспокоюсь о том, чтобы сохранить исходную композицию фотографии или нарисовать все в точности так, как показано на фотографии.

В этом случае я сначала кадрирую большую фотографию всего тела, а затем перемещаю портрет на 2/3 вправо от горизонтальной композиции, чтобы мы могли следить за взглядом объекта через композицию . Я планирую убрать постороннюю фоновую информацию и выразительно обработать окружение. Я также планирую нарисовать общие цвета немного теплее, чем те, что были сняты моей камерой, поскольку фотография имеет немного прохладный оттенок.

Предварительный рисунок.

Мне нравится работать на 300-фунтовой бумаге холодного пресса или на грубой бумаге . Я не растягиваю бумагу, но могу закрепить ее на доске, чтобы упростить работу с листом во время работы. Я начну с довольно хорошо определенного предварительного рисунка, который позволяет мне быть более расслабленным и расслабленным в процессе рисования — я знаю, что мое подобие уже закреплено. Чтобы не переусердствовать с бумагой, прежде чем я начну рисовать, я перенесу основные линии изображения либо с отдельного предварительного рисунка, либо с черновика моей фотографии, а затем уточню и проработаю рисунок с помощью механической модели HB (# 2) карандаш.Стараюсь избегать чрезмерного стирания.

Шаг 1 — Выразительный фон.

Так как мне нужен свободный, выразительный фон для этого произведения, я начинаю с . Я работаю в основном «мокро по мокрому», рисую мягкую интерпретацию естественного окружения на фотографии, не обращая внимания на посторонние элементы. Я также добавил большую полосу розового, исходящего от цветка, чтобы создать какое-то волшебное ощущение. Я разрешаю части фона сливаться с теневой стороной фигуры. Я также посыпаю солью участки фона, пока она полувлажная, чтобы создать небольшие соляные пятна в качестве дополнительного элемента атмосферы.Когда я работаю с большой областью, например с фоном, я стараюсь использовать самую большую кисть, какую только могу, переключаясь на кисти меньшего размера для большего контроля, когда мне нужно.

Шаг 2 — Холодный подмалевок.

Мой основной процесс рисования портрета акварелью начинается с холодного подмалевка . Это личная причуда, которую я выработал методом проб и ошибок, когда рисовал много-много (слишком дешевых) портретных заказов прямо после окончания художественной школы. Для того, чтобы нарисовать правдоподобную плоть, нужно использовать не только теплые цвета, но и некоторые охладители — и я обнаружил, что нанесение холодных цветов сначала помогло закрепить их «под» поверхностью кожи и помогло мне получить хорошее представление об общей структуре ценностей. картины прямо с самого начала.

Важно отметить, что это НЕ полноценный подмалевок, как можно было бы сделать умбровую «гризайль» на масляной живописи . Поскольку все, что написано на странице акварелью, останется видимым через последующие прозрачные слои, перебор с этим начальным классным слоем будет совершенно ошеломляющим. Я просто сосредотачиваюсь на прохладных тенях, которые вижу. Большие участки портрета на этом этапе остаются неокрашенными.

Cerulean Blue, Хром — это цвет, который я чаще всего использовал для этого этапа .В нем есть легкая теплота и даже в полной мере не слишком высокая ценность. Однако на этом этапе я иногда использую зеленый, другие синие и пурпурные оттенки, в зависимости от цвета лица объекта или освещения сцены. Для темной кожи холодный подмалевок может смениться использованием более ультрамаринового синего и пурпурного цветов.

На этом этапе я также обязательно помещаю белки глаз и все видимые зубы, в основном, в тонкие прохладные тени . За исключением ярких бликов на этих участках, они никогда не бывают полностью белыми на бумаге.Я также обычно переношу прохладные тени на другие области, например, на одежду, для придания однородности.

В целом, я склонен думать о формах стоимости и цвета, оставляя довольно жесткие края своим формам . Я мог бы смягчить край перехода на лице, используя немного чистой воды или текстуру сухой кисти, но «гладкость» — это не то, что меня волнует — я не считаю это фундаментальной характеристикой акварель. Основные отношения более фундаментальны для создания иллюзии реализма.Любые цветы или органические текстуры, возникающие в процессе рисования, приветствуются и ценятся.

Деталь акварельного цветения. Шаг 3 — Легчайшие теплые телесные тона.

Когда предыдущий слой полностью высохнет (я использую фен, если я нетерпелив), я смотрю на свою фотографию и определяю как чистые белые блики на плоти, так и самые светлые светлые теплые телесные тона . Я нанесла большую размывку на все участки кожи, за исключением белых бликов, этого светлого телесного цвета.Он идет прямо на прохладный подмалевок. Индийский желтый, Pyrrol Scarlet, Permanent Alizarin Crimson и Quinacridone Rose — это цвета, которые я обычно выбираю при смешивании этого цвета. Нет одной точной формулы — это зависит от того, что я наблюдаю. В этом случае самые светлые участки на лице модели кажутся более желтоватыми, поэтому я использовал в основном Indian Yellow и Pyrrol Scarlet, хорошо разбавленные. Пока эта краска была влажной, я наношу немного Pyrrol Scarlet под подбородок модели, где есть особенно теплое солнечное сияние.

Шаг 4 — Средне-теплые телесные тона.

Еще раз даю предыдущему слою полностью высохнуть. . Теперь я накладываю свой теплый телесный цвет среднего тона поверх самых светлых источников света, оставляя некоторые из этих предыдущих светлых участков неокрашенными. Индийский желтый, пирроловый алый, перманентный малиновый ализарин и хинакридоновая роза снова обычно являются цветами, которые я выбираю для средних тонов, хотя для темнокожих людей я могу также добавить на этом этапе жженую сиену. Средние тона на объекте кажутся мне более розоватыми, поэтому я использую более холодные красные в миксе.На этом слое также будет разнообразие от одной области к другой. При рисовании теплых полутонов важно не слишком сомневаться. На этом этапе рисования они будут самым темным на лице, что может привести к желанию нарисовать их слишком светлыми. Лучше быть немного более агрессивным сейчас, чем осознавать в конце картины, что все полутона слишком размыты.

Шаг 5 — Блокировка во всех остальных областях.

Прежде чем я перейду к добавлению деталей на лицо, я убеждаюсь, что все остальные области картины заблокированы подходящим световым цветом .Я стараюсь работать над картиной в целом, чтобы понять общие отношения, вместо того, чтобы полностью закончить одну область, в то время как другая еще полностью неокрашена .

На этом этапе я могу переключиться на использование в основном кистей меньшего размера, так как области, которые я обрабатываю, становятся меньше . Я наращиваю детали и более темные области по мере необходимости, чтобы закончить картину. Цвета здесь могут быть любыми. Затемняя тени на коже, я могу вернуться к использованию холодных цветов.Маленькие тени, определяющие черты лица, могут быть теплыми темными или холодными темными. Я смешиваю нейтральные и темные тона, используя множество дополнительных цветовых пар.

Деталь глаз.

Важно, чтобы светлые и темные участки готовой картины были хорошо сбалансированы и создавали приятное движение вокруг страницы . Иногда новички склонны делать ноздри и зрачки единственными темными участками на лице, что выглядит странно. А когда дело доходит до таких деталей, как текстура волос, бровей и ресниц, важно внимательно следить за тем, как эти вещи выглядят, а не по умолчанию.Сначала подумайте о более крупных формах, а отдельные волоски в определенных местах могут быть лишь украшением.

«Фэйри» Джоанны Барнум, 12 ″ x 16 ″, 2019

***

***

Советы по рисованию портретов акварелью:

— Используйте самую большую кисть, удобную для области , и переключайтесь на маленькую для большего контроля или деталей только тогда, когда вам это действительно нужно. Не увлекайтесь попытками покрыть большую площадь крошечной кистью.

— Подумайте о том, чтобы разбить основные изменения значений на лице, как о создании трафарета . Крупные формы и точные значения важнее, чем плавное наложение одного значения на другое. Озабоченность смешиванием и гладкостью может привести к переутомлению картины или к лицу, которому не хватает структуры.

— Воспользуйтесь фундаментальным характером акварели . Позвольте ему быть живым и до некоторой степени делать то, что он хочет. Принимайте цветы, линии прилива и другие органические текстуры, которые возникают естественным образом в процессе рисования, как красивую, естественную часть процесса, а не боретесь с ними или пытаетесь их «исправить».Органическая «авария» прекраснее, чем переутомление области, пытаясь заставить ее вести себя определенным образом.

— Не выделяйте черты лица — не думайте о «носе» или «губах» как об отдельных объектах, которые нужно обрабатывать отдельно от остальной части лица. Работайте с большими соединенными фигурами.

– Если целью являются реалистичные полноцветные телесные тона (в отличие от намеренно ограниченной палитры, что также может быть отличным), важно иметь как теплый, так и холодный красный цвет.

— Вся плоть содержит как холодные, так и теплые тона. .

Материалы:

DANIEL SMITH Watercolors — Мне нравится, насколько богатые пигментами акварельные краски DANIEL SMITH позволяют мне легко достигать интенсивной насыщенности цвета; и как легко они снова смачиваются до полной прочности, даже когда оставляются сушиться на палитре — как новые, без скребков и трения! Широкий выбор предлагаемых цветов, в том числе с уникальными свойствами, недоступными в других местах, означает, что каждый художник может выбрать именно ту палитру, которая ему больше всего подходит, и найти именно то, что требуется в любых обстоятельствах.

Щетки

• # 1 круглый — Синтетический белый соболь
• # 4 круглый — Синтетический белый соболь
• # 10 плоский — Синтетический белый соболь
• 3/4 дюйма плоский — Синтетический белый соболь
• 2 дюйма плоский — Синтетический белый соболь
• # 16 раунд — Искусственная белка

Палитра — Для мелких деталей и путешествий я использую пластиковую с отдельными лунками для цвета и большими делениями для смешивания. Для больших картин я использую различные эмалированные подносы для мясников и индивидуальную керамическую посуду.

О художнике:

Джоанна Барнум использует акварель для выражения универсальных эмоциональных состояний и уникального духа своих портретных героев, уравновешивая экспериментальное, абстрактное использование медиа с чувственным реализмом и символизмом.

Она получила степень бакалавра изящных искусств в Колледже искусств Института Мэриленда в 2006 году и с тех пор зарабатывает на жизнь как художник в области изобразительного искусства, иллюстрации и преподавания.

Она является постоянным членом Национального общества акварелистов и входит в правление Балтиморского общества акварелистов и Ассоциации художников-пленэров Средней Атлантики. Работы Джоанны были отмечены журналами American Illustration, Illustration West, серией «Всплеск: Лучшее в акварели» от North Light Books, Infected by Art, а также на выставках жюри акварельного общества и конкурсах пленэра по всей стране.

Она работала с клиентами и сотрудниками, включая Renegade Game Studios, над игрой Overlight, NASA, AARP, Cricket, Faerie Magazine, Eating Well и Денверским музеем природы и науки.Ее работы недавно появились на сайте Every Day Original в Интернете, в галерее Abend в Денвере, штат Колорадо, и в галереях Rehs Contemporary в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк. Джоанна также преподает свой подход к акварели в качестве инструктора приглашенных семинаров для акварельных обществ и организаций.

Джоанна в настоящее время живет в округе Харфорд, штат Мэриленд, со своим мужем и борзой (и менеджером студии) Зефиром.

Открыта студия Джоанны Барнум.

Портретная живопись маслом

Соломон {5} предлагает эти шаги для портретной живописи:

1.Сделайте точный набросок в древесный уголь. Убедитесь, что это правильно.

2. Модельные тона только в разбавленном скипидаром. необработанная умбра и белый.

3. Повторите этап 2 несколько раз, пока моделирование правильное. Каждая попытка должна полностью, но тонко покрывать предыдущий. Обратите внимание на твердые и мягкие края, кожу поверх кости и мякоть в другом месте. Тон должен быть заметно светлее, чем предполагалось в результате темные основания имеют тенденцию поглощать средние тона и темнеют с возрастом.)

4.Тщательно просушите.

5. Нарисуйте тени в смеси Индийский красный и черный, светлые участки с жестким белым и промежуточные тона со смесью этих цветов, модифицированных кобальтом или очень немного оксида хрома зеленого цвета.

6. Тщательно просушите.

7. Глазурь и / или перемешай гризайль. с красными и желтыми пигментами, либо в масле, либо в смеси масла и глазури.

Портреты. Картина на тонированной земле

Следующий подход более в целом, и подчеркивает необходимость в.проработать все заранее и б. делать масляные наброски для решения проблем по мере их возникновения.

1. Подготовить грунт должным образом: абсорбент. если вы используете много среднего с краской, менее впитывающее, если вы используете подход к остеклению. Серые, зеленые, розовые, коричневые и желтые цвета — это лучше всего, все бледно.

2. Определите состав заранее, либо черновой обработкой углем, либо тональными рисунками.

3. Перед покраской проработать палитру. что угодно, и выбирайте в таком порядке: оттенки кожи, затем волосы, затем одежда. и наконец предыстория.Отрегулируйте тон / оттенок / чистоту цвета в одежде, как необходимый. Возможно, вам придется сделать много набросков маслом, чтобы гармонизировать все.

4. Использовать боковое фронтальное освещение. Шаблон теней должен помочь композиции.

5. Убедитесь, что движение тела не следуйте за головой.

6. Сделайте фон нейтральным, не обязательно темнее теней на голове.

Портреты маслом: особые подсказки

Нет «правильного» подхода, но многие власти предлагают что-то вроде этого:

1.Нарисуйте тени, чтобы обозначить широкие структура, начиная с носа.

2. Меньшее значение в нижней половине освещенная область, чтобы помочь выделить выше.

3. Сделайте мордочку того же цвета, что и остальная часть плоти, но круче.

4. Добавьте оттенок цвета там, где тень встречает свет.

5. Попробуйте венецианский красный в качестве альтернативы сырая сиена, теряющая интенсивность с белым. Раскрасьте руки и т. Д. эти два цвета и белый.

6. Используйте кадмиевые краски для ярмарки. цвет лица и земляные цвета для смуглых.

7. Тени должны быть похожи на цвета фона.

8. Добавьте фоновые цвета к телу. тона, чтобы область отступила.

9. Диапазон оттенков волос (от светлого до темного). часто глаза (выделите зрачок).

10. Подсвечивает подбираемые конструкции и должны закончиться на них.

11. Начните с теневых областей. Кадмий с черным / синим кобальтом / ультрамарином и умброй получаются хорошие тени. Глубже тени, если лицо не структурировано.

12.Разбить лицо на плоскости, назначить тона одного оттенка к этим плоскостям и раскрашиваем их просто.

13. На участках с теплой кожей всегда есть немного крутого цвета, и наоборот. Но оставьте светлые участки и тени отчетливые.

14. Места с толстой мякотью теплые и теплые. участки костей прохладные.

15. Вытяните щеки и подбородок вперед теплые тона

16. Создайте теплый фон, цвет тени, и оба осветляют его значение и ослабляют его интенсивность / чистота.

17. Создайте крутой фон, выбрав охлажденный серый цвет, который будет отображать плоскости поворота вашего объект. Охладите сырой или жженой умброй или небольшим количеством синего кобальта.

18. Не позволяйте фону подавлять тема: сделайте их более нейтральными, чтобы тема выступила вперед.

Портреты: Палитра

Рекомендуется много смесей, но важно не смешивать более трех пигментов плюс белый, если блеск должен быть сохранен.Небольшое смешивание допустимо, но много Лучше наносить пятна краски плоской или фундуковой кистью и оставить одного. Помните, что тени — это продолжение освещенного сторона, поэтому используйте те же ингредиенты, но немного измените пропорции.

Сокращения в названиях смесей, следующие:

Титановый белый = W Cad. Светло-желтый = clY Cad. Желтый = cY Cad. Оранжевый = cO
Cad. Светло-красный = clR Cad. Темно-красный = cdR Ализарин малиновый = acR Permanent Rose = pmR
Венецианский красный = vR Rose Doré = rdR Постоянная роза = prR Перманентный лиловый = pM

Охра желтая = oY Неаполитанский желтый = nY

Синий кобальт = cB Ультрамарин = uB Берлинская лазурь = pB Phalo Blue = phB
Церулеан синий = ceB

Виридиановый = vG Payne’s Gray = PG

Сиена сырая = RS Сиена жженая = bS Raw Umber = rU Умбра жженая = bU

Это некоторые рекомендации в книги, посвященные искусству портретной живописи.

Базовая картина маслом {1}

Общий цвет лица: W + rS + clR + CB

Более мягкий общий цвет: W + RS + V / CB

Цвета детской: W + nY + clR + В.Г.

Средне-темный (желтый) цвет лица: W + yO + bS + uB

Цвет лица от среднего до темного: W + rS + pmR + cB

Рыжие волосы: W + cO + bS + pmR + cB

Темно-русые волосы: W + cO + bU + uB

Черные волосы: B + M + U

Седые волосы: W + uB + cB

Паррамон {2}

Они взяты у Паррамона. цветовые схемы.

Теплый Телесные оттенки

Обычное освещение: W + clY + clR + pmR + CB

Нижняя губа и розовые участки: W + clY + clR

Основные характеристики: W + clR + clY

Стерня: W + phB + cY + pmR

Голубые тени: W + phB + cY + pmR

Базовая тень: clR + cO + phB + W

Более темная тень: clR + cO + cY + phB + pmR + W

Верхняя губа: pmR + vG

Брови pmR + uB + phB + vG

Холодный Телесные оттенки

Обычные освещенные участки: W + Oy + pmR + vG

Нижняя губа и розовые участки: W + oY + pmR + vG

Светлая светящаяся плоть: W + oY + vG

Стерня: W + oY + pmR + vG

Тени с синим оттенком: W + cB + cO + pmR + bS

Базовая тень: c Y + cO + vG + pmR + W

Более темная тень: vG V + W + pmR
Верхняя губа: cY + cO + vG + W

Брови pmR + vG + phB / bS

Анджела Гейр {4}

Некоторые из них могут быть лучше применимы к акварели.Экспериментируйте.

бледный цвет лица: W + cO + pmR

Более розовый цвет лица: W + cO + pmR + cB

Бледно-оранжево-розовый цвет лица: W + cO + pmR

Золотой цвет лица: W + BS + CO + vG

Средиземноморье цвет лица: W + cO + bS + cB

Коричневый цвет лица: W + BS + CO + PMR

китайский / желтый цвет лица: W + cO + vG + bS

Глубокий коричневый цвет лица: W + rU + bS + phB

Насыщенный коричневый цвет лица: W + bS + CB

Холодный черный цвет лица: W + rU + phB

Теплый черный цвет лица: W + rU + phB + pmR

Розалинд Катберт {9}

Очень Темный цвет лица

Кузов: ccR + rU + prB

Тени: acR + prB / acR + vG / PG

Основные моменты: nY / cR + W / cB + W

Средне-коричневый Цвет лица

Кузов: uB + cO + oY + cO + W

Тени: rU / uB / rU + clR

Основные характеристики: cY + W / clY + W / clR + W

оливковое Цвет лица

Кузов: oY + W

Тени: cdR + rU / RS + CB / пМ

Основные моменты: clY + W / cY + Вт / кБ + Вт

бледный Цвет лица

Кузов: cO + rdR + W

Тени: cdR + cB / acR + РУ / CB + CDR

Основные моменты = W / nY / clY + W

Цвета для бликов и теней добавлены к цветам корпуса.Некоторые из этих комбинаций дают неприятный или нездоровый цвет кожи (ализарин малиновый в в частности): измените пропорции или замените на аналогичные цвета. Сырая умбра может дать «мертвые зоны»: используйте жженую умбру и синюю.

Учебное пособие по палитре цветов кожи

| 5 советов по улучшению кожи Pallette

Вы боретесь с цветом кожи? Вы хотите создать динамичную, реалистичную и реалистичную цветовую палитру для ваших портретов и персонажей?

В этом видео и подробной статье вы найдете 5 советов, которые помогут улучшить цвет вашей кожи.См. Ниже, чтобы посмотреть видео-урок, или прокрутите вниз, чтобы прочитать подробную статью…

Эта статья состоит из трех глав. В главе 1 вы узнаете о свойствах цвета кожи. В главе 2 я поделюсь своими 5 лучшими советами по рисованию цвета кожи и как создать цветовую палитру кожи. В главе 3 я продемонстрирую эти советы и приемы, нарисовав светлую кожу и полный портрет темнокожей женщины.

Готовая цифровая демонстрация женского портрета с темным цветом кожи

Чтобы посмотреть полное видео продолжительностью 1 час, введите ниже свой адрес электронной почты, чтобы получить мгновенный доступ к зоне только для участников…

Глава 1 — Свойства цвета кожи

Объект № 1 — красный, желтый, синий

Не существует такого понятия, как «цвет кожи».Цвет кожи — это комбинация всех трех основных цветов: красного, желтого и синего. Верно. Красный плюс желтый плюс синий. Звучит очевидно и упрощенно, но позвольте мне уточнить.

Когда красный и желтый смешиваются, получается насыщенный оранжевый цвет. Когда в смесь добавляется синий цвет, оранжевый становится ненасыщенным (более серым). Чтобы отрегулировать температуру, просто добавьте большее отношение одного из основных цветов. Затем эту ненасыщенную смесь можно осветлить или затемнить, чтобы получить бесконечный диапазон цветов, которые можно использовать для окрашивания кожи человека.

Например, больше желтого и больше синего создает холодный желтый оттенок кожи. Добавление большего количества красного и меньшего количества синего создает теплый красноватый оттенок кожи. См. Схему ниже…

На диаграмме выше показаны 3 варианта цвета кожи, созданные путем объединения всех трех основных цветов и белого для осветления. Обратите внимание, насколько эти тона ближе к ненасыщенному центру (серым) цветового круга. Это потому, что синий притягивает или смещает теплые оранжевые цвета в сторону серого.

На этой диаграмме показаны некоторые цветовые вариации, которые можно сделать, отрегулировав соотношение красного, желтого и синего (A).Более темные телесные тона создаются путем добавления большего количества синего, чтобы затемнить и обесцветить смесь (B). Например, синий ультрамарин — это широко используемый синий цвет, который создает более холодные и темные смеси.

Пример из жизни

Это изображение выше показывает разбивку цветов, которые я вижу на этой фотографии. Обратите внимание на различные желтые, красные и даже синие (серые) цвета. Что еще более важно, обратите внимание, как цвета плавно переходят и переходят от одного к другому.

Свойство № 2: В случае сомнений начните с коричневого

Начать с коричневого — это не свойство.Это больше акцент или повторение первого свойства выше. Когда все три основных цвета смешиваются, результат становится коричневым. Желтый плюс красный дает оранжевый. Оранжевый плюс синий дает коричневый цвет. Другими словами, когда я начинаю рисовать кожу, я обычно начинаю с какого-то коричневого цвета.

На этом изображении показаны различные образцы коричневого цвета от желто-коричневого до оранжево-коричневого и красновато-коричневого. Любой из этих цветов может быть использован в качестве основы для кожи. Опять же, секрет заключается в переходе от одного цвета к другому.

Эти образцы показывают больше комбинаций и вариаций коричневого, которые можно смешивать. Слева более светлый серо-коричневый смешан с более светлым, более насыщенным желто-коричневым (A). Оранжево-коричневый в центре создает более прохладную версию, добавляя синий и белый (B). Более темный и насыщенный микс создается за счет добавления большего количества оранжевого, большего количества синего и меньшего количества белого (С). Наконец, более темный, более насыщенный красновато-коричневый цвет можно легко смешать, добавив темно-красный, например, ализарин малиновый, и менее белый (D).

Пример из жизни

На этом изображении показан темнокожий мужчина и разные цвета, которые я выбрала с фотографии. Когда я рисую темную кожу, например, африканскую, латинскую или южноазиатскую, коричневый — очевидная отправная точка. Обратите внимание, как коричневый цвет смещается и переходит от более темных оттенков к насыщенному и серому. Опять же, это не только индивидуальный цвет, но и то, как цвета используются, как они меняются и переходят.

Глава 2 — 5 советов по улучшению цвета кожи

Эти 5 советов представляют собой простые стратегии, которые я изучил и разработал за последние несколько лет, наблюдая и изучая цвет; а также от сотен часов рисования фигур и портретов.Они не должны быть жесткими, «высеченными на камне» правилами, а просто идеями и стратегиями, которые помогли мне упростить и управлять удивительной сложностью цвета.

Чтобы продемонстрировать эти идеи, я также включил примеры от мастеров живописи и колористов, которыми я восхищаюсь. Это художники, которыми я восхищаюсь и которых я лично изучал в течение последних нескольких лет. Изучение работы экспертов — отличный способ совершенствоваться, поэтому я хотел включить его сюда.

5 советов не расположены в каком-либо определенном порядке, хотя последний совет, на мой взгляд, самый важный.Поскольку подсказки так хорошо дополняют друг друга, их порядок не так важен. Ключом к получению максимальной отдачи от этой информации является применение и, конечно же, последовательная практика и опыт.

Совет №1: согласованные значения

Ценность — одно из важнейших свойств цвета, и кожа не исключение. Правильная интерпретация изображения имеет решающее значение для успеха картины, особенно в реалистическом / изобразительном искусстве.

Таким образом, это означает, что для того, чтобы цвета выглядели и казались «настоящими» или «естественными», сначала необходимо решить вопрос рендеринга и значений.Это означает, что формы, значения и края должны считаться или сообщать «человеческое существо», прежде чем цвета можно будет рассматривать. Как только значения будут работать, мы можем начать применять цвет кожи.

Картина выше написана Джоном Асаро. Образцы слева — это цвета, которые я выбрал. Справа картина и образцы в черно-белом цвете. Асаро — мастер использования форм значений для применения и преувеличения цвета.

Например, обратите внимание, что самые темные оттенки (A), такие как волосы и тени, всегда синего цвета.Темные, теневые тона (B) имеют последовательно зеленый в верхней части тела и темно-красный в нижней части тела. На светлой стороне светлые полутона (C) всегда представляют собой холодную зеленую вариацию. Световые блики неизменно яркие, холодные и ненасыщенные холодного цвета (D).

Насыщенность явно преувеличена. Но поскольку его значения и рендеринг верны, и он последовательно применяет цвет к формам значений, цвет кожи в целом кажется «реальным».

Эта картина, также выполненная Асаро, показывает, что можно сделать, если ценности согласованы.Цвета стилизованы, но кожа кажется «реальной», потому что значения в рендеринге правильные, и цвет последовательно применяется к каждой форме значений.

Совет № 2: изменение цвета

Только этот совет может улучшить все ваши цвета, особенно при рисовании кожи. Добавление вариаций в цвета и переход от одного цвета к другому — вот как свет и цвет работают в природе. Когда этот принцип применяется к коже, кожа, естественно, будет казаться более «настоящей».

Первый пример — портрет акварелью Натана Фаукса.При тщательном осмотре изменения и температурные сдвиги на коже часты и заметны.

В верхней зоне лица цвета меняются от теплого персикового до теплого желтого и затемненного теплого блика (A).

В центральной зоне холодный розовый является базой, полутона которого переходят в оранжево-коричневый. Уши выделены насыщенным красным цветом (B).

В нижней зоне преобладает холодный цвет, переходящий от холодного розового к холодному серо-фиолетовому (С).

На этой картине Джона Асаро различные цвета оживляют кожу.Теплая, светло-оранжевая база переходит в розовые и красные на запястьях и кистях рук. Предплечья переходят в ненасыщенный желтый цвет и становятся теплыми яркими бликами, когда мышцы предплечий обращены к свету.

Эти два примера наглядно демонстрируют, что одного цвета кожи недостаточно. Цвет кожи должен иметь вариации, чтобы выглядеть и ощущаться живым и «настоящим».

Совет № 3: градации, градации, градации!

Градации — это простой и эффективный метод получения вариаций цвета.Для кожи это даже более эффективно, потому что так кожа выглядит естественно, меняя один цвет на другой. Градации дают нам простой инструмент для создания вариаций.

На этом рисунке Андерса Цорна мы можем ясно видеть, что оттенок кожи не статичен. Диаграмма слева показывает градации цвета, происходящие в картине. Базовый тон середины спины — светлый теплый желтый цвет. Градации прохладного серо-зеленого цвета на шее и плечах создают иллюзию тени и формы.Розовые оттенки на ягодицах делают кожу живой. Крутые градации на икрах показывают форму ног. Холодные фиолетовые градации на ступнях создают иллюзию света на живом теле.

Когда я рисую, я всегда начинаю с поиска основных градаций. Если градации неочевидны, я найду способы усилить или добавить собственные градации.

При работе с маслами или традиционными средами можно добавить градации путем нанесения краски на сухую поверхность.Это также можно сделать, используя мягкую кисть по влажной краске, чтобы создать плавную градацию. При работе в Photoshop я полностью использую встроенный инструмент градации для создания плавных переходов цвета.

Совет № 4: Добавьте области насыщенности

Поскольку кожа полупрозрачна, кровь под ней может просвечивать и окрашивать кожу в насыщенный оранжевый или красный цвет. Очевидный пример этого — на лицо. Центральные трети лица часто становятся красными или становятся очень красными, потому что кровеносные сосуды на щеках и в носу находятся очень близко к поверхности.

Кожа также может стать насыщенной из-за пребывания на солнце. Одним из примеров является то, как нижние части рук и кистей становятся более насыщенными и загорелыми, чем плечи или туловище.

На этой картине Дж. К. Лейендекера лицо мужчины в основном холодного, ненасыщенного желтого цвета. На носу, щеках и ушах Лейендекер сознательно поместил красивую градацию насыщенного красно-оранжевого цвета. Руки имеют в основе немного более темный холодный желтый цвет, но затем постепенно переходят к насыщенному красно-оранжевому на пальцах.

На этой обрезанной картине Андерса Цорна мы видим, что кожа модели в основном теплая, светло-желтая. Первый переход к насыщенному красному цвету происходит на лице. Ухо, щеки и губы создают действительно насыщенный красный цвет. На руках градация красно-оранжевого полутона от пальцев, кистей и запястий.

Поскольку люди живы и кровь постоянно течет, участки насыщенного красного и оранжевого цветов действительно помогают оживить кожу.

Совет № 5: Добавьте синий и / или зеленый

Последний совет, вероятно, самый важный в этом списке.После нескольких лет рисования, научился добавлять синий и зеленый — это единственное, что оказало наибольшее влияние на качество моего цвета кожи . И после многих лет преподавания самая распространенная ошибка, которую я вижу у новичков, — это отсутствие синего или зеленого.

Причина, по которой синий и зеленый делают кожу лучше, по той же причине, что насыщенность делает кожу лучше. Это потому, что кожа полупрозрачна, и то, что находится под поверхностью, будет видно сквозь нее. Помимо крови, мышц и сухожилий, часто можно легко увидеть синие вены.Другой способ посинения кожи — тени и полутона. Это особенно актуально, если свет теплый. По мере того, как формы тела отворачиваются от света, цвет кожи становится темнее и «прохладнее». Говоря языком живописи, это означает, что в смесь добавляется больше синего.

Когда я говорю «добавить синий», я не имею в виду буквально добавлять синий или зеленый прямо из трубки при полной насыщенности, а просто добавить ровно столько, сколько синего, чтобы уменьшить насыщенность или серый цвет на теплом цвете. Часто серого более чем достаточно, чтобы создать реалистичную иллюзию прохладной кожи.

Если вам кажется странным или удивительным то, что синий или зеленый улучшают цвет кожи (обычно теплый), это просто означает, что ваш глаз не обучен. Один из способов легко доказать это самому себе — посмотреть на свои руки.

На этом рисунке изображена пара рук холодного цвета. На ладони синие вены видны на суставах пальцев и на запястье. В верхней части руки также видны сине-зеленые вены между сухожилиями.

Эта картина Джона Асаро — отличный пример использования синего цвета в коже.Цвета растянуты или преувеличены, становятся более насыщенными. Даже несмотря на то, что цвета преувеличены, общее впечатление от цвета кожи по-прежнему кажется «реальным».

Если мы посмотрим на образцы цвета, взятые у ребенка (A), то увидим фиалки, светло-зелено-синие и даже насыщенные синие акценты. Это добавление синего в сочетании с градациями оранжевого, розового и красного создает динамическое и реалистичное напряжение для цвета кожи.

Глядя на мать, можно увидеть богатые градации серо-фиолетового на лице и зеленовато-серого на плече (B).Эти области представляют собой тени и полутоновые области, поэтому художник использовал сдвиг значений, чтобы добавить синий и зеленый. Темная тень на внутреннем плече (C) смещается в довольно насыщенный зеленый цвет. Это создает динамичный цветовой акцент, который дополняет всю теплоту кожи ее предплечья.

В этих двух примерах J.C. Leyendecker серый цвет используется для охлаждения теплой кожи. На рисунке слева холодный серый цвет добавлен в полутоновую область. У мужчины справа охладители добавляются в выбритые участки волос на лице.При рисовании мужчин участки растительности на лице — отличная возможность добавить коже синего цвета.

Может показаться нелогичным добавлять синий цвет к теплой коже, но без этого кожа будет казаться плоской и безжизненной. При использовании синего и зеленого цвета предполагаются вены под кожей, и кожа кажется полупрозрачной и живой.

Глава 3 — Демонстрации живописи

DEMO # 1: Демо для светлой кожи (исследование руки)

В этой первой демонстрации я нарисую кожу руки светлокожего мужчины.Цвета, которые я буду использовать, ограничены желтым, красным, синим, жженой умброй, чтобы затемнить и смешать черный, и титановым белым, чтобы осветлить. Несмотря на то, что эта демонстрация была сделана в Photoshop, я буду использовать традиционные методы. Именно так я бы рисовал в традиционных медиа.

ШАГ 1: Наблюдение

справочное изображение: robertliberace.com

Я начинаю с наблюдения за значением, а затем за «нотами» основного цвета. На диаграмме выше наблюдение за ценностями дает мне план игры относительно ценностей.Помните, что первый совет — контролировать значения и согласовываться с цветом каждой формы значений. Это наблюдение за значениями помогает мне сосредоточиться на хорошем, реалистичном рендеринге и затенении.

В своем наблюдении за цветом я сначала хочу сделать общую оценку цветов, которые я вижу. Моя цель — упростить все градации и вариации, которые я вижу, в общую массу или средний цвет.

В своих наблюдениях я заметил, что средний цвет кожи — светлый, ненасыщенный желто-оранжевый (A).По мере того, как кожа перемещается к предплечью и запястью, цвет становится более красным и насыщенным (B). По мере того, как кожа перемещается к плечу, свет заставляет цвет кожи менять на холодный цвет выделения (C). Наконец, цвет также меняется на более темный, красновато-оранжевый в центральной области тени (D). У теней много тонких вариаций, но средний цвет — темный холодный коричневый (E).

Поскольку цвет настолько сложен и его так легко испортить, этап наблюдения действительно помогает мне упростить то, что я вижу, и спланировать на 2,3 шага вперед в процессе рисования.Наличие стратегии и плана игры до того, как я начну рисовать, действительно поможет мне контролировать значения и цвет.

ШАГ 2: Плоская цветная форма блока

Когда у меня есть рисунок, первым делом нужно добавить немного цвета. Чтобы смешать средний цвет кожи, который я вижу, я начинаю с ненасыщенного, светло-желто-оранжевого. Затем я заливаю форму руки этим цветом.

ШАГ 3: Изменение цвета кожи

Цвет кожи не работает, пока я не добавлю вариации.Любой цвет выглядит плоским и безжизненным без каких-либо вариаций, особенно это касается кожи. Сначала я добавляю более темные, красные тона на кисть и предплечье (A). Это создает ощущение загорелой кожи. Затем я добавляю более светлый и желтоватый оттенок на плече (B). Это создает ощущение яркого теплого света на форме. Здесь более светлый цвет не только улучшает ощущение цвета, но также помогает показать трехмерную форму. Наконец, на локтях и в тени добавляется более насыщенный красноватый оттенок (С).

Эта основа цветов кожи поможет создать основу цвета, которая будет казаться зрителю «реальной».

ШАГ 4: Блокирование тени

В некотором смысле тень — это разновидность цветовых вариаций. Кожа отворачивается от света. Мне нравятся тени, потому что они дают возможность добавить коже прохладных оттенков.

Я смешиваю тени с холодным, средне-темным, коричневым. Это может быть снижено по-разному, но я обычно начинаю с коричневой, как жженый умбра, для скорости и удобства.Я добавляю немного синего и белого, чтобы остудить и осветлить смесь.

ШАГ 5: Изменение тени

Так же, как кожа на свету, тень должна иметь вариации цвета. Я начинаю с добавления охлаждения (A), которое возникает из-за того, что окружающий свет в комнате отражается обратно в тень. Этот вариант легко смешивается, добавляя больше синего, желтого и белого к исходной смеси теней. Как только холод смешивается с теплыми коричневыми тенями, цвет начинает оживать, а также форма, потому что цвет предполагает отраженный свет окружающей среды.Я также добавляю более темные и насыщенные ноты в области локтей и запястий (B). Он смешивается, добавляя больше красного и синего, что делает его темнее, но также более фиолетовым.

ШАГ 6. Тоны перехода

Переходные тона — это тона на границе света и тени, также известные как основная тень. На этом этапе рисования я хочу перейти от тени к свету.

Эта область — самая важная часть картины, потому что она показывает отношения света и тени.С точки зрения стоимости и грани формы становятся округлыми и трехмерными в переходных тонах. Что касается цвета, то наибольшее изменение цвета и насыщенность происходит в переходных тонах. Это возможность добавить насыщенные, насыщенные цвета.

Я начинаю с того, что смешиваю больше красного и желтого, добавляя лишь немного белого и синего. Эта область будет самой теплой и самой насыщенной, поэтому я хочу быть осторожным с использованием синего и белого цветов, которые уменьшат насыщенность цвета и сделают его более светлым.Я рисую этим цветом прямо на границе формы света и тени. По мере продвижения по форме я добавляю больше красных, чтобы насыщать цвет, особенно на трицепсе (A). Я также добавил больше синего и желтого, чтобы создать прохладный коричневый оттенок на локтях и предплечьях (B).

Когда я рисую, я использую мягкую растушевывающую кисть, чтобы смягчить и растушевать мазки, переходя в светлые плоскости и полутоновые плоскости (С). Полутоновые цвета часто бывают наиболее насыщенными, поэтому я стараюсь, чтобы миксы оставались максимально насыщенными.

ШАГ 7. Основные моменты

Основные моменты завершают визуализацию значения. Они также дают возможность добавить цветовое разнообразие в освещение. Если вы еще не заметили, вариации — это ключ к хорошему цвету.

Сначала я использую светлый холодный серый фон, чтобы сделать яркую подсветку более яркой. Микс светлых участков в основном белый с оттенком желтого и смесь холодных серых теней. Это создает не слишком насыщенный желтоватый оттенок.После того, как я наношу основной цвет, я использую мягкую кисть, чтобы растушевать края.

ШАГ 8: Добавление дополнительных охладителей

Теперь блок цвета практически завершен. При этом цвет ощущается довольно хорошо. Чтобы сделать цвет кожи еще более ярким, я добавил еще одну прохладу на кожу. Эта смесь в основном белая с оттенком желтого, синего и красного, чтобы обесцветить. Я добавляю этот светло-серо-зеленый тон к тонким изменениям плоскости на плече, трицепсе и предплечье.Поскольку этот зеленый цвет имеет правильное значение, он не слишком «раздражает» зрителя. Добавление зеленого цвета к теплой теперь завершает иллюзию, заставляя кожу оживать и спрыгивать с холста.

Демо № 2: Темнокожий портрет

Это демонстрация портрета африканской женщины. Мне очень нравится эталонное изображение, потому что оно имеет хорошее освещение, которое показывает форму, а также имеет хорошие вариации цвета. Мне также нравится холодный ободок, потому что ободок дает возможность добавить уникальные и неожиданные цвета.

Видео с демонстрацией живописи длится более 1 часа, в нем представлены техники цифровой живописи и полные комментарии. Чтобы получить мгновенный доступ к этому видео и другим бесплатным ресурсам по цвету и рисованию, введите ниже свой адрес электронной почты, чтобы присоединиться к зоне только для участников…

ШАГ 1: Наблюдение

Когда я начинаю рисовать портреты, я сначала нахожу время, чтобы наблюдать за ценностями и формами ценностей. В портрете особенно важен контроль стоимости, чтобы цвет казался реальным.Этот первый шаг наблюдения за значениями помогает мне упростить значения, которые я вижу, в трехзначную композицию: темный, средний и светлый.

Наблюдая за цветом, я сначала замечаю, какой цвет доминирует на картинке. Этот цвет будет цветом, которым я начинаю первую массу цвета. Затем я хочу выделить время, чтобы понаблюдать за основными цветовыми нотами и температурными сдвигами.

На этой картине модель в основном темно-коричневого цвета (A). Этот полутоновый коричневый цвет будет тем цветом, который я использую для массирования формы головы.Свет становится немного более желтым и ненасыщенным, а светлые участки еще холоднее и ненасыщенными, что помогает им «отрываться» от холста.

Расположение теней на первый взгляд довольно сложное. Когда я вижу такие драматические вариации, я понимаю, что мне нужно быть более осторожным и осознанным, когда я рисую. Я также знаю, что мне нужно сознательно упростить цвета, которые я вижу, насколько это возможно.

Чтобы упростить цвет, я сначала отмечаю основную массу цвета, которая доминирует в тени (B).Этот цвет будет первым цветом, который я использую, чтобы усилить или заблокировать тень во время дыхания. В отражающемся свете в глазах и на лбу появляется драматический синий цвет. Обод света аналогичен по яркости и температуре бликам. Темные цвета — насыщенный и насыщенный фиолетовый.

Когда я потратил время на наблюдение, вот где для меня начинается картина, особенно такая сложная вещь, как красочный портрет. Теперь у меня есть план игры для света и план игры для теней. Моя основная стратегия заключается в том, чтобы свет был достаточно теплым, ярким и ненасыщенным, а тени были темными, насыщенными и красочными.Теперь, когда у меня есть план игры, я могу приступить к рисованию.

ШАГ 2: Плоская цветная форма блока

Когда голова нарисована и помещена на холст, я заливаю фигуру «средним цветом». Этот цвет является средним из всех тонов кожи, которые я вижу на свету. Этот цвет будет «базовым» для всей картины.

ШАГ 3: Изменение цвета

На следующем шаге нет ничего удивительного.Разнообразие цветов и большее количество цветовых вариаций — это ключ к коже. Здесь к освещению добавляются более светлые, ненасыщенные тона. Насыщенные красные оттенки добавляются к полутоновым областям. и прохлада добавлены на теневой стороне. Даже на этой ранней стадии цвет начинает оживать.

ШАГ 3: Блокировка теней

Чтобы заблокировать тень, я смешал в среднем цвета, которые вижу в тени. В результате получается почти фиолетовый оттенок из-за смешения синего и красного.На этом этапе важно отметить ценность. Пока значение правильное, иллюзия реалистичной формы все еще будет читаться. Если я смогу сначала получить правильное значение, а затем приблизиться к температуре, в данном случае прохладной, то я буду на правильном пути к созданию реалистичного цвета.

Шаг 4: Вариация тени

Хорошо, надеюсь, вы уловили повторяющуюся тему здесь. Вариации в тени особенно важны в этой картине, потому что большинство насыщенных цветов происходит в тенях и переходных тонах.

На этом этапе я сначала добавил насыщенные темные тона (A). В этих областях отчаянно нужно было затемнить ценности. Затем я добавляю синий цвет возле лба и шеи (B). Наконец, насыщенный красный отраженный свет в нижних плоскостях, особенно во рту, завершает основные цветовые ноты, которые я вижу (С).

ШАГ 5: Тоны перехода

Этот шаг потребовал большой осторожности и осторожности. В переходных тонах ОЧЕНЬ много. Управлять всеми насыщенными красными, апельсиновыми, фиалками и изменениями ценностей может быть очень сложно.Чтобы помочь мне справиться с этой стадией, я сначала смешал теплые насыщенные тона с правильным значением. Как и в случае с плоской формой и формой тени, я должен хорошо оценить средние цвета, которые я вижу. После того, как я смешал цвет с правильным значением и температурой, я могу просто смешивать тонкости и вариации.

Например, нос и подбородок могут остаться в красных и оранжевых тонах (A). Добравшись до лба, я добавляю синий и белый, чтобы получить фиолетовый оттенок (B). Губы довольно сложные, но я начинаю с темно-коричневой смеси, которая присутствует в волосах, чтобы блокировать темные формы.Затем я добавляю тонкие вариации холодных и темно-красных оттенков. Цель не в том, чтобы сделать окончательный отточенный рендер, а в том, чтобы получить правильные значения и правильные цветовые примечания.

ШАГ 6: Освещение

Свет дает мне то значение, которое мне нужно, чтобы лицо выглядело реальным. Чтобы смешать свет, я просто возьму свет, ненасыщенный оранжевый, с правильным значением. В этой смеси также присутствует желтый цвет, который указывает на цветной свет. Желтый цвет также очень нужен для завершения иллюзии реалистичной кожи (A).

Прежде чем добавить блики, я сначала заблокирую фоновый тон. Здесь ничего особенного, просто холодный серый и яркие, теплые оттенки серого, которые помогают темным теплым цветам лица выделяться на холсте.

Световые блики — это просто смесь желтого света с большим количеством белого и оттенком синего. Этот прохладный свет красиво выделяется на фоне более теплого света (B). Это также создает еще один сдвиг температуры, что означает большее изменение. Больше вариаций = лучший цвет кожи!

ШАГ 7: Самая темная тьма

Темные участки этой модели очень темные.Сначала я увеличил значение, добавив больше синего и жженого умбры, чтобы создать свой «черный». Сначала я нанесла эту темную смесь на волосы. Затем я тщательно затемнил глаза и темные участки теней от окклюзии. Для темных оттенков на лице я смешал больше красных. В глазах я смешал больше синего, чтобы создать больше яркости и цветовых вариаций.

На этом этапе все основные и второстепенные цветные заметки уложены. Весь цвет, который мне нужен для завершения картины, есть на холсте и в моей палитре. Все, что нужно, — это отполировать и усовершенствовать картину.

ШАГ 8: Отраженный свет / крайний свет

Обращайтесь с периферийным светом и отраженным светом с осторожностью. Облажаться очень легко. Многие яркости в тени могут убить форму и убить иллюзию реализма.

В этом случае я использовал обод света как возможность добавить больше цвета и вариаций. Поскольку вариация является основной темой этой статьи и ключом к правдоподобному оформлению кожи, я с радостью воспользуюсь ее преимуществами, если представится возможность добавить вариации цвета.

Сначала я смешал синий отраженный свет, который появляется в верхних плоскостях лба и щеки. Этот тон довольно темный, поэтому я могу сделать его более насыщенным. Синий цвет отлично сочетается с теплом лица (A). На челюсти я нанесла смесь теплых переходных тонов (B). Этот цвет отражается в насыщенном красном цвете ее ожерелья.

Наконец, основной момент — это просто холодный отраженный свет с большим количеством белого и желтым оттенком (C).

Теперь, когда отраженный свет работает, ощущение реалистичности формы, дополнительное охлаждение и цветовые вариации действительно добавляют симфонии цветов, составляющих кожу модели.

Заключение

Если есть один урок, который я хочу донести, это то, что цвет кожи не статичен. Он сдвигается, изменяется и движется, как живое существо, к которому он прикреплен.

Цвет кожи, как и все цвета, — вещь чрезвычайно сложная. Чтобы упростить процесс, я просто думаю о коже как о некоторой форме ненасыщенного оранжевого цвета, который, по сути, является соотношением всех трех основных цветов: красного, желтого и синего. Чтобы добиться разнообразия и тонкости, я просто регулирую соотношение красного, желтого или синего.

До тех пор, пока я получаю правильное значение и общие температурные заметки, будь то более желтые, более красноватые или голубовато-серые тона, я могу с уверенностью рисовать в цвете.