ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 16 (1). Русский портрет. ХХ век.

Передо мной стоит трудная задача: в небольшом обзоре рассказать о творчестве большого количества художников, работавших в 20 веке в жанре портрета. Начался этот век блестяще: недаром период с 1900 по 1930 назван «Серебряным веком», родившим такие направления в русской живописи, как авангард (Анненков, Фешин, Серебрякова), модерн ( Грабарь, Бенуа, Нестеров), супрематизм (Малевич, Суетин, Родченко), символизм (М. Врубель, Бopиcoв-Mycaтoв). О некоторых из упомянутых художников я уже писала, о некоторых напомню дальше…
В начале ХХ века еще продолжал успешно работать великий Нестеров Михаил (1862-1942).

Его интересовал «человек, живущий внутренней жизнью», как он сам говорил. Его глубокая и искренняя вера побудила его к участию в росписи православных храмов, да и некоторые портреты похожи на изображения святых. Посмотрите на одухотворенное лицо и аскетичную фигуру Ильина на этом портрете.

Революции Нестеров не принял, но и не уехал: он не представлял себе жизни на чужбине, а вот от церковной тематики в своем творчестве ему пришлось отказаться и почти полностью переключиться на портретный жанр.

Ему пришлось наблюдать и пережить репрессии 30-х годов, некоторые члены его семьи были арестованы, а муж дочери даже расстрелян, сам художник был в 1938 году тоже арестован (после обвинения его зятя в шпионаже), но выпущен через 2 недели. Выживать физически и морально Нестерову помогала работа, во время которой он забывал все трудности и нелепости жизни, до самого последнего дня он продолжал творить…
Пару слов о великолепном гравере (редкая для женщины специализация, считается, что она возродила искусство гравюры в России) и аквалеристе Анне Остроумовой-Лебедевой (1871-1955),

начинавшей в мастерской Репина, ставшей членом Академии художеств, оставившей несколько циклов гравюр, посвященных Петербургу-Ленинграду, в котором она пережила блокаду. Она не могла писать масляными красками из-за аллергической астмы, но в совершенстве владела акварелью, используя ее для написания пейзажей и портретов.

Последние годы жизни были для нее трудными, она начала резко слепнуть, но почти до конца продолжала работать. А.Бенуа сказал о ее творчестве теплые, слова, в том числе и об акварельных работах: «В акварелях она радует глаз свободой мазка, и опять-таки эти её вещи блещут чарующими переливами и созвучием красок, необычайно остро подмеченных на натуре».
Одним из наиболее почитаемых мною художников того времени был Фешин Николай (1881-1955),

импрессионист, представитель русского авангарда, «художник двух континентов» — России и Америки.
Начав рисовать в 6 лет, а в 9 — помогать отцу, который был известным мастером-резчиком иконостасов, уже в 13 лет Николай зарабатывает рисованием. Отец решает обучать талантливого сына, и после художественной школы в Казани отправляет его в Санкт-Петербург, где с 1903 юноша становится учеником Репина и других известных художников в Академии Художеств. В годы революции и Гражданской войны Фешин также работает над портретами политиков,

музыкантов, пробует себя в скульптуре и театральных декорациях, но художник чувствует «колебания почвы под ногами», признает, что «Мои корни здесь, но я потерял энергию работать, желание жить». В августе 1923 Фешин с семьей переезжает в Америку, в Нью-Йорк, и уже в следующем году состоялась его первая персональная выставка в Чикаго, а за ней и другие. Его имя уже давно было известно заграницей, им интересуются коллекционеры, ему предоставили преподавательскую работу, он много пишет, у него много планов и надежд.

Неожиданно проявившийся туберкулез заставляет семью сменить климат и переехать на юг, в Таос, там Фешин перестраивает купленный дом, превращая его в объект искусства, сегодня он включен в перечень национальных исторических памятников США. Он трудился над ним 6 лет, желая создать фамильное гнездо для своей семьи – обожаемых жены и дочери.

Но случилась личная драма: жена неожиданно бросила художника из-за короткого увлечения и желания самостоятельности (она считала себя писательницей), дочь захотела остаться с отцом, они уехали в Нью-Йорк, а потом в Калифорнию. Последние 20 лет жизни Фешин жил в Санта-Монике, писал портреты, преподавал, много путешествовал, но уже никогда не был так счастлив, как первые годы жизни в США. Умер художник в одиночестве, во сне. «Несмотря на широту интересов и жанровый диапазон, Николай Фешин, безусловно, прежде всего неповторимый мастер портрета… Портрет не просто превалирует в творчестве живописца, а является вершиной воплощения его уникального таланта.» (https://www.tg-m.ru/articles/2-2012-35/vse-novo-i-vse-volnuet)
О Зинаиде Серебряковой (1884-1967) написано в последнее время много, прошли выставки ее работ, ее восхваляют, ею восхищаются… А ведь первая ее выставка после долгих лет забвения в СССР прошла только в 1966, в годы «хрущевской оттепели».

Не буду пересказывать ее биографию (хорошо и особенно тепло она изложена тут: https://www.culture.ru/s/serebryakova/), скажу только, что ее творчество не вписывается в какие-либо стилистические рамки: это и импрессионизм, и экспрессионизм, и символизм, и авангард… Две ее судьбы, первая —  потомок семейства Лансере, счастливая жена и мать, приобретающая известность художница,

и вторая — вдова, покинувшая родину после революции, ареста любимого мужа , а потом и смерти его от тифа, разлученная с двумя из 4 детей, бедствующая, тоскующая и раздираемая тревогой за оставшихся в России двоих детей.

Она их увидела только через 36 лет, сначала дочь, а через несколько лет и сына. Большие выставки работ Серебряковой были показаны в крупных городах СССР, она становится популярной на родине, ее превозносят и даже сравнивают с великими итальянцами Эпохи Возрождения. Но сама же она так и не вернулась, умерла в Париже в возрасте 82 лет и похоронена на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа. Мое личное отношение к творчеству З.Серебряковой может не совсем совпадать с общепринятым: я не нахожусь в числе ее обожателей, признавая талант, одухотворенность многих работ, легкость кисти и точность взгляда, она — художник со своим «лица не общим выраженьем».

Но…Я недаром поставила Серебрякову сразу за Фешиным, чтобы нагляднее было сравнение, которое для меня важно. Оно в ощущениях, в том – захватывает дух или нет. Портреты Серебряковой «проникновенны», а Фешина – «пронзительны», разница в этом: в тихом вкрадчивом «проникновении» в мою спокойную душу или в резком и болезненном «пронзании» встревоженной души, до спазма в горле, до слез, до потрясения. Я так чувствую, кто-то иначе, наверняка…
Еще один русско-французский живописец и график, иллюстратор и театральный художник, член «Мира Искусства», поэт и прекрасный график и портретист Юрий Анненков (1889-1974) родился в

Петропавловске, где его отец-народоволец отбывал ссылку за соучастие в убийстве
Александра II. Еще в молодости побывал в Париже, участвовал в салоне «Независимых»,
вернувшись в Россию, выпускает книгу «Портреты», где публикует 80 портретов
выдающихся деятелей культуры, отечественных и зарубежных.

В 1924 году Анненков принимает участие в Венецианской художественной выставке и после нее, не возвращаясь в Россию, уезжает в Париж вместе с женой Гальпериной, актрисой и балериной.

В Париже художник много работает в театрах, он оформил около 60 разных постановок, увлекается кинематографом – оформляя костюмы и декорации ко многим, более 50, фильмам. В 1954 г. за свои костюмы для кинофильмов Анненков был удостоен премии «Оскар».

Многим, вероятно, знаком его портрет Ахматовой, о котором сам художник сказал: «…Печальная красавица, казавшаяся скромной отшельницей, наряженная в модное платье светской прелестницы». А Евгений Замятин об этом портрете написал: «Портрет  Ахматовой  –  или, точней: портрет бровей Ахматовой. От них – как облака – легкие, тяжелые тени по лицу, и в них – столько утрат…»
Среди тех художников, кто не уехал, остался на родине, но «во внутренней эмиграции», хотя и продолжал работать, получая звания от советской власти, был Павел Корин (1892-1967),

родившийся в знаменитом селе Палех в семье потомственных иконописцев. С детства находится в церковной среде, общаясь с иконописцами и учась у них, а в 1911 году переезжает в Москву и становится помощником и учеником М.Нестерова, которому он признавался позже в одном из писем: «Вы бросили мне в душу Ваш пламень, Вы виновник того, что я стал художником». Происхождение Корина и два художника — А.Иванов, с творчеством которого он познакомился и перед подвижнической жизнью которого преклонялся, и М.Нестеров — укрепили в нем мечту посвятить свою жизнь искусству и стать продолжателем великих традиций русской живописи.

Когда в 1925 году умирает патриарх Тихон и на его похороны в Москву собирается огромное количество православных, Корин, потрясенный увиденным, осознает, что Россия, казалось бы обреченная, продолжает жить, уверенная в своей духовной правоте. Он задумывает большую многофигурную работу, изображающую крестный ход во время похорон патриарха, дав ей предварительное название «Реквием». Он начал писать большое количество этюдов, каждый из которых может быть самостоятельным портретом, в общей сложности их было 29.

М.Горький, посетивший в 1931 году мастерскую Корина, увидевший эскизы и понявший общий замысел картины, посоветовал дать ей название «Русь уходящая», чтобы это название «прикрыло» художника от обвинений в «насаждении религиозных взглядов». Горький прикрывал фактически Корина своим авторитетом, а после его смерти в 1936 году резко усилились гонения на церковь, обстановка изменилась и художнику пришлось прекратить работу над картиной и полностью переключиться на портреты.

Художник много работает во время войны и после, особенно по восстановлению и реставрации, например, во Владимирском соборе Киева он реставрировал фрески, руководил реставрацией полотен Дрезденской галереи, продолжал писать портреты вы

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 16 (2). Русский портрет. ХХ век.

Его можно назвать не только «художником из народа» (что соответствовало требованиям эпохи), но и новатором, философом в живописи, «пытавшимся теоретически обосновать некоторые существенные закономерности восприятия и передачи в живописи и рисунке пространства, формы, цвета…». Он изобрел новое пространственное построение, достигаемое с помощью так называемой «сферической» или «наклонной» перспективы. Это позволяло по убеждению Петрова-Водкина, «в любом холсте сохранять «планетарное» ощущение связи конкретного объекта изображения с необъятными просторами Вселенной». Свою жену, Мару, художник встретил во Франции, полюбил на всю жизнь и на протяжении всех тридцати лет их совместной жизни много и по-разному рисовал ее.

Современники называли Петрова-Водкина «древнерусским иконописцем, волею случая попавшим в будущее», и особенно ясно это видно как раз в портретах, где происходит раскрытие внутреннего мира изображенного, благодаря просто и выразительно переданным чертам и пристально смотрящим на зрителя глазам на, как правило, очень крупном лице.

С советской властью при жизни у Петрова-Водкина были прекрасные отношения, он был удостоен в 1930 году звания заслуженного деятеля искусств РСФСР. А вот после его смерти руководители культуры вдруг поняли, что основой его творчества являются иконопись и французский символизм, и на долгие годы он был почти забыт. (Подробнее о портретах художника тут: http://kozma-petrov.ru/portraits.php)
«Живописцем №1» у советской власти был художник, имевший до революции репутацию вполне сложившегося «салонного» художника. Однако после 1917 г. он резко меняет стиль, направление работы, и становится родоначальником официозного искусства. Речь идет об Исааке Бродском (1896-1939), посмотрите на его автопорет, написанный до революции. 

Исаак Бродский считается одним из главных представителей реалистического направления в советской живописи 30-х годов, в многочисленных портретах Бродский запечатлевал партийных и государственных деятелей, можно сказать стал «придворным» художником, создавал полную «иконографию» советских вождей, с бесконечным тиражированием её главных образов – Ленина и Сталина, создал обширную изобразительную «лениниану». Конечно, можно обвинять Бродского в том, что он предал свой талант, стал штамповать «лениных», превратился в певца кровавой власти.

При всем при этом надо отдать должное виртуозной технике и острому взгляду художника, собственному стилю, который называли «ажуром» и который стал образцом для подражания. Горький, у которого художник гостил на Капри, напишет ему: «В творчестве вашем для меня самая ценная и близкая мне черта — ваша ясность, пестрые, как жизнь, краски и тихая эта любовь к жизни, понятой или чувствуемой вами как “вечная сказка”».

Много сил отдавал Бродский возрождению Академии художеств и руководству ею, а также коллекционированию – у него была вторая по объёму и значению после собрания Русского музея коллекция русской живописи, которую он завещал государству (хотя, говорят, и не по доброй воле, а по принуждению «компетентных органов»). (http://fb.ru/article/243805/brodskiy-isaak-izrailevich-biografiya-i-foto-kartin)
Еще один живописец, график, скульптор, монументалист, плакатист, и Народный Художник СССР, Вице-президент Академии Художеств СССР, Лауреат Ленинской премии, Герой Социалистического труда Дейнека Александр (1899-1969) начинал так:

А стал крупнейшим художником искусства социалистического реализма, выразившим в своих работах героический идеал того времени, создавший цикл работ, воспевающий советских людей, радостно трудящихся на заводах и фабриках (смотрите первую репродукцию в этой статье), занимающихся спортом, поголовно физически красивых и счастливых. Дейнека не кривил душой, он действительно был искренним сторонником советской власти, восторженно принял революцию и верил в то, что его плакатные шахтеры, рабочие, спортсмены, летчики на самом деле счастливы, как и он сам на этом портрете.

Будучи сам хорошо физически развитым, Дейнека воспевал спорт, он говорил: «Как тема он неисчерпаем, ибо он демократичен и популярен… Спорт вмещает в себя оттенки ощущения. Он лиричен, он мажорен. В нем много оптимизма. В нем начало героического».
Самыми плодотворными и счастливыми годами в жизни Дейнеки были для многих трудные (а для некоторых даже смертельные) 30-е: он много работает, ездит по стране и в заграничные турне по США и Европе, откуда привозит великолепные рисунки, портреты и картины, а в 1937 году он получает золотую медаль Парижской всемирной выставки.

Но не так все просто в определении творчества Дейнеки, ведь недаром же этот до мозга костей «советский человек» писал в 1931 году жене: «Я всё вижу, я всё понимаю, а если бы не ты, — я бы пустил себе пулю в лоб». А великий Матисс, увидев его работы, сказал, что он самый талантливый из советских художников, «ушедший вперед в своем художественном развитии». А в нашем веке его называют «остросовременным модернистом».
Интересным и известным художником того времени был Орешников Виктор (1904–1987), народный художник СССР, дважды лауреат Сталинской премии, академик, четверть века он был ректором Ленинградского института живописи имени Репина. Он считал себя приверженцем классического искусства,

признавал своими учителями Эль Греко, Тициана и Веласкеса, хотя в 20-х – начале 30-х годов его учителями были К.Петров-Водкин и И.Бродский. Великолепный портретист, Орешников много работал в этом жанре. Особенно хороши у Орешникова женские образы, не так часто можно встретить в советских женских портретах изящество, грацию и одухотворенность. А с его детских портретов на нас смотрят пытливые глаза ребят, открывающих для себя мир, у которых еще все впереди.

В каждой модели Орешников находил черты идеала гармоничной, вечной, неподвластной моде красоты. Но не все так «красиво» было в его биографии, советская власть использовала даже людей, далеких от политики. В 1973 Орешников был в числе членов Академии художеств СССР, «целиком поддержавших протест членов Академии наук СССР, опубликованный в газете «Правда», и решительно осудивших клеветнические заявления академика Сахарова». Надо, правда, сказать, что этот факт не влияет на восприятие нами его творчества, «но осадок остался»…
Александр Лактионов (1910-1972), (уверена, многие помнят одну из самых известных его картин «Письмо с фронта», за которую он получил Сталинскую премию),

родился в Ростове-на-Дону в рабочей семье (мать – прачка, отец – кузнец), с 19 лет работал каменщиком, а затем чертежником., много рисовал, учась в Ростовской художественной школе. В 20 лет он решил стать профессиональным художником, вместе с друзьями отправился в Москву, а затем в Ленинград, где на его работы обратил внимание И.Бродский и взял его к себе в ученики в Академию художеств. Бродскому он обязан не только освоением приемов современной живописи, но и изучением техники старых мастеров, Бродский требовал от него быть «ближе к натуре».

История портрета

История портрета — эволюция развития портретного жанра от древности до наших дней

Основные принципы развития портретного жанра

На развитие портретного жанра влияют две тенденции: прогресс технических изобразительных навыков и, что более важно, развитие представлений о значимости человеческой личности.

Наибольших вершин портрет достигает в период веры в возможности человека, его разума, его действенной и преобразующей силы.

«Портрет в своей современной функции — порождение европейской культуры нового времени с ее представлением о ценности индивидуального в человеке, о том, что идеальное не противостоит индивидуальному, а реализуется через него и в нем»…

Именно поэтому жанр портрета находится в упадке в XX и ХХI веках: «как может он процветать, когда мы полны стольких сомнений в себе?

Воспроизведение натуры в портрете являлось основным принципом портретного жанра на протяжении веков. Но в различные периоды существовали разные трактовки понятия «сходство». Процесс подражания натуре и перевод её в художественный образ имел каждый раз свои характерные особенности, которые зависели от общих идейных и эстетических предпосылок периода, а также от конкретной творческой практики — творческого метода, стиля и средств художественной выразительности…

История портрета

Древнейшая известная попытка изобразить человеческое лицо насчитывает 27 тыс. лет. Оно обнаружено в пещере Вильонер близ города Ангулем (департамент Шаранта). «Портрет» сделан мелом на естественных выпуклостях стены, напоминающих по форме лицо. Прочерчены горизонтальные линии глаз и рта и вертикальная полоса, обозначающая нос.

Первые образцы портрета являются скульптурными и относятся к Древнему Египту. За этим следовал расцвет портрета в период античности, упадок жанра в Средневековье, новые открытия, взлет и переход к технике станковой живописи в эпоху Возрождения, а затем дальнейшее развитие в последующие века…

Зарождение портретного искусства относится к глубокой древности. Первые значительные образцы портрета встречаются в древневосточной, главным образом древнеегипетской, скульптуре. Сохранившиеся изображения лиц предшествующего периода — искусства Месопотамии, являются имперсональными изображениями божеств и не несут индивидуальных черт.

Назначение портрета в египетском искусстве было обусловлено культовыми, религиозно-магическими задачами. Существовала необходимость «дублирования» модели (то есть портрет был двойником умершего в загробной жизни

Известные портреты периода Древнего Царства: статуи супружеской четы Рахотепа и Нофрет, вельможи Ти, Хефрена (Каирский музей), Хемона, писца (Лувр), Ранофера. Сохранились образцы деревянной портретной скульптуры — т. н. «

В скульптуре устанавливаются строгие каноны определенных типов композиции — тип идущей фигуры с выдвинутой вперед ногой (всегда левой), тип коленопреклоненной фигуры, фигуры, сидящей на корточках или на троне, с симметрично положенными на колени руками. Статуи раскрашивались (на некоторых памятниках остатки краски сохранились). Употреблялись инкрустированные вставные глаза в статуи из полудрагоценных камней.

Портретная скульптура Древнего царства находится в полном контакте с архитектурой и подчиняется геометризированным принципам.

Для всех портретов Древнего царства характерны обобщенная моделировка формы лица, расширяющийся книзу нос, подчеркнуто большие губы. В эпоху V династии фласть фараона постепенно ослабевает, и начинают появляться портреты земельной знати, частных лиц.

Пропорции тела удлиняются, увеличивается красивая линия силуэта.

Со временем содержание древнеегипетского портрета углубляется (особенно в одухотворённых образах эпохи Нового царства периода Эль-Амарны, XIV в. до н. э.). Наиболее прославленным египетским портретистом является скульптор Тутмос Младший, работавший в эту эпоху. Его самые известные работы — портреты царицы Нефертити.

Древнегреческий портрет

---

У древних греков долгое время портрета в строгом смысле слова не существовало. У них был обычай награждать победителей спортивных игр постановкой их статуй в публичных местах, однако это были идеальные фигуры атлетов, которые изображали их лишь в общих чертах, идеализированно, и были выполнены по идеальному канону красоты. Эллинские республики даже запрещали общественным деятелям и частным лицам заказывать свои реалистические портреты, считая, что они могут развить в гражданах тщеславие и противоречат принципу равенства между ними. В эпоху классики создаются обобщённые, идеализированные скульптурные портреты поэтов, философов, общественных деятелей.

Только в V веке до н.э. впервые появились у греков настоящие портретные гермы и статуи, а именно в числе произведений Димитрия Алопекского, жившего во времена Перикла.

Реалистическое направление окончательно утвердилось в портретной скульптуре в эллинистическом искусстве — при Александре Македонском, благодаря Лисиппу и его брату Лисистрату, который первый стал формовать маски с натуры.

Эллинистические портреты, сохраняя свойственный греческим художникам принцип типизации, несравненно более индивидуализированно передают не только черты внешнего облика, но и различные оттенки душевного переживания модели. Если мастера классического времени в портретах представителей одной и той же общественной группы подчеркивали прежде всего черты общности (

Индивидуализм в эллинистическую эпоху выступает, с одной стороны, в форме самоутверждения сильной эгоистической личности, стремящейся любыми средствами возвысить себя над общественным коллективом и подчинить его своей воле. Другая форма эллинистического индивидуализма связана с сознанием человеком своего бессилия перед законами бытия. Она проявляется в отказе от борьбы, в погружении в свой внутренний мир. Обе эти формы нашли свое отражение в эллинистическом портрете, где можно выделить две основные линии: тип портрета эллинистических правителей, в котором задача художника — прославление человека сильной воли и энергии, беспощадно сметающего на своем пути все препятствия для достижения своей эгоистической цели, и тип портрета мыслителей и поэтов, в образах которых нашло отражение сознание противоречий реальной действительности и бессилия преодолеть их.

Источники рассказывают о существовании в Греции живописного портрета, в частности превозносится Апеллес, но ничего из работ этого периода не сохранилось.

Древнеримский портрет

---

Из Греции искусство портретов перешло к римлянам, которые к прежним родам пластических портретных изображений, статуе и герме, прибавили новый род — бюст. Многие греческие ремесленники работали в Риме, правда, уже с соблюдением желаний римского заказчика.

Развитие древнеримского портрета было связано с усилением интереса к индивидуальному человеку, с расширением круга портретируемых. Риму свойственен нарождающийся интерес к конкретному человеку (в отличие от интереса к человеку вообще в искусстве Древней Греции).

В основе художественной структуры многих древнеримского портрета — чёткая и скрупулёзная передача неповторимых черт модели при соблюдении единства индивидуального и типического. В отличие от древнегреческого портрета с его тягой к идеализации (

Одним из корней подобного реализма стала техника: римский портрет развился из посмертных масок, которые было принято снимать с умерших и хранить у домашнего алтаря (lararium) вместе с фигурками лар и пенатов. Они изготавливались из воска и назывались imagines. В случае смерти представителя рода маски предков неслись в погребальной процессии, чтобы подчеркнуть древность аристократического рода. Это являлось рудиментом культа предков. Кроме восковых масок, в ларариуме хранились бронзовые, мраморные и терракотовые бюсты предков. Маски-слепки делались непосредственно с лиц усопших и потом обрабатывались с целью придания им большего натуроподобия. Это привело к прекрасному знанию римскими мастерами особенностей мускулатуры человеческого лица и его мимики, что повлекло за собой прекрасные результаты уже при обычном позировании. Корни подобного погребального культа были восприняты римлянами у этрусков, у которых портрет также был чрезвычайно развит.

Во времена Республики стало принято воздвигать в публичных местах статуи (уже в полный рост) политических должностных лиц или военный командиров. Подобная честь оказывалась по решению Сената, обычно в ознаменование побед, триумфов, политических достижений. Подобные портреты обычно сопровождались посвятительной надписью, рассказывающей о заслугах (cursus honorum). В случае преступления человека его изображения уничтожались (damnatio memoriae). С наступлением времен Империи портрет императора и его семьи стал одним из мощнейших средств пропаганды.

Наряду с портретными бюстами и статуями, широкое распространение получили портреты на монетах, камеях и т. п., отчасти живописные портреты. Искусство чеканки было так развито, что по профилям на монетах (сопровождаемых надписями) современные исследователи опознают безымянные мраморные головы.

Ранние образцы станковой портретной живописи представляют фаюмские портреты (территория эллинистического Египта, I—IV вв. н. э.), исполнявшие функцию погребальных масок. Во многом связанные с традициями древневосточного портрета и с религиозно-магическими представлениями, вместе с тем они создавались под воздействием античного искусства, непосредственно с натуры, несли в себе ярко выраженное сходство с конкретным человеком, а в поздних образцах — специфическую духовность.

Портрет Средневековья

---

Византийская и Западная Римская империя не наследуют реалистический римский портрет. Мастера этих периодов изображают свои модели обобщенно и спиритуализировано, вдобавок, происходит значительный регресс технического мастерства, благодаря чему портреты различных императоров практически не отличимы, а идентифицировать по однообразным профилям на монетах мраморный бюст (также выполненный по канону) практически невозможно.

В следующее тысячелетие Европа не дает качественных образцов портрета. Происходит полный упадок жанра. Средневековая культура была сосредоточена на борьбе спиритуалистических и стихийно-материалистических тенденций, что наложило на развитие портрета особый отпечаток. Средневековый художник, ограниченный строгими церковными канонами, редко обращался к портрету. Личностное начало в его понимании растворялось в религиозной соборности. В период Средневековья реалистический, натуралистический портрет встречается очень редко. Упрощенные и стандартизованные черты изображенного персонажа позволяют идентифицировать его только с определенной общественной ролью.

Средневековый портрет в большинстве своих образцов имперсонален. В то же время некоторым готическим скульптурам, а также фрескам и мозаикам византийских, русских и др. церквей присущи духовная характерность, ясная физиономическая определённость: художники понемногу придают святым черты лица реальных людей. Автопортреты находят в миниатюрах писцов, например, в работе Хильдегарды Бингенской.

Более или менее портрет начинает возвращаться в искусство начиная с X—XII века, оставаясь, тем не менее, на подчиненных ролях. Он является частью церковного архитектурно-художественного ансамбля, сохраняясь в надгробиях, на монетах и в книжной миниатюре особенно в портретах заказчиков, которым подносились книги. Его моделями являются преимущественно знатные лица — правители и члены их семей, свита, донаторы монастырей и церквей. «Долгий путь к реалистическому портрету начинается с изображений патрона», пишут исследователи. Одна из первых таких работ — портрет Энрико Скровеньи работы Джотто на стенах капеллы Скровеньи в Падуе, 1304—1306 гг.

Понемногу портрет начинает проникать в станковую живопись. Один из первых примеров станкового портрета этого периода — «Портрет Иоанна Доброго» (ок. 1349 г.). Изображения правителей на монетах, известные в Античности, в Средневековье также отсутствуют. Рождение монетного изображения в Западной Европе связывается с монетой, вычеканенной Сиджизмондо Малатеста для города Брешиа уже только около 1420 года. Это было началом отхода от средневековой традиции воспроизведения при чеканке символического образа властителя и, как следствие, перехода к изображению конкретного лица.

За пределами Европы

---

На территориях Востока, (где не было Тёмных веков), ситуация с портретным жанром в это время была более благоприятной. Китайский портрет, вероятно, восходит к 1000 г. до н. э., хотя сохранившиеся памятники относятся только к 1000 н. э. Большой конкретностью отличается средневековый китайский портрет (особенно периода Сун, X—XIII вв.). Несмотря на подчинение строгому типологическому канону, средневековые китайские мастера создали множество ярко индивидуализированных светских портретов, часто выявляя в моделях черты интеллектуализма.

Психологически заострены некоторые портреты средневековых японских живописцев и скульпторов (например, «Портрет Минамото но Ёритомо»). Высокие образцы портретной миниатюры были созданы мастерами Средней Азии, Азербайджана, Афганистана (Кемаледдин Бехзад), Ирана (Реза Аббаси), Индии.

Перуанская культура индейцев мочика (I—VIII вв.) была одной из немногих древних цивилизаций Нового Света, где существовали портреты. Эти работы точно представляют анатомические особенности людей. Модели изображали так узнаваемо, что не было необходимости в атрибутах или подписях с именами. Мы легко узнаем членов элиты, священников, воинов и даже ремесленников. Встречаются люди разных возрастов. Женских портретов до сих пор не найдено ни одного. Есть специфический акцент на представлении деталей головных уборов, причесок, украшения тела.

Портрет Возрождения

---

Перелом в портретном искусстве, которое снова вышло на видные позиции, наступил в эпоху Ренессанса. Он был связано с изменением идеологии эпохи. Ренессансный человек был полон гуманистического реализма, то есть он ослабил путы религии и уверовал в силу личности, стал считать себя мерой всех вещей — и поэтому он вышел на первый план в искусстве.

В Италии портрет воскресили прежде всего скульпторы — Дезидерио да Сеттиньяно, Мино да Фьезоле, Антонио Росселлино, Лука делла Роббиа, Донателло и т. д. Они быстро достигли блестящих результатов в своём стремлении воспроизводить человеческие лица согласно с действительностью, определенно выражать характеры и соблюдать благородство стиля. Первые портреты отталкивались от античных монет и медалей, и поэтому часто изображают модель в профиль. Чтобы «развернуть» позируемого в анфас и три четверти, (написав их также, как ранее Христа и святых в сакральных картинах), потребовалось определенное время и умственное усилие. Другой важный компонент развития портрета — возникновение техники масляной живописи, которая позволила письму стать более тонким и психологичным.

Новая идеология требовала новой структуры портрета. Портретисты Ренессанса во многом идеализировали модель, но при этом непременно старались постигнуть её сущность. Изображая своего героя в определённой земной среде, художник свободно располагал модель в пространстве. И модель всё чаще выступала не на условном, ирреальном фоне, как это было в искусстве Средневековья, а в единстве с реалистически трактованными интерьером или пейзажем, часто — в непосредственном живом общении с вымышленными (мифологическими и евангельскими) персонажами. В монументальных росписях среди других персонажей художник также нередко изображает себя.

Отличительные особенности ренессансного портрета отчасти наметились уже в портрете XIV века (Джотто, Симоне Мартини) и прочно утвердились в XV в. (Мазаччо, Доменико Венециано, Доменико Гирландайо, Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Пинтуриккьо, Мантенья, Антонелло да Мессина и проч.).

Ренессансный антропоцентризм особенно ярко проступает в портретном творчестве мастеров Высокого Возрождения. Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто ещё в большей мере углубляют содержание портретных образов, наделяют их силой интеллекта, чувством личной свободы и духовной гармонией, существенно обновляют средства художественной выразительности (воздушная перспектива Леонардо да Винчи, колористические открытия Тициана). Самый известный портрет в мире — «Мона Лиза» кисти да Винчи был написан именно в эту эпоху. Наиболее прославленным мужским портретом этого времени был «Портрет Бальдассаре Кастильоне» Рафаэля (согласно своей значимости сегодня висит в Лувре напротив «Моны Лизы»).

Достижениям итальянских живописцев Ренессанса предшествовали успехи представителей Северного Возрождения, особенно мастеров ранней нидерландской живописи, в том числе Ян ван Эйк и Ганс Мемлинг, Робер Кампен. При известной стилистической общности с итальянским портретом их произведения отличаются большей духовной заострённостью характеристик, предметной точностью изображения. Если итальянцы часто как бы возносили своего героя над миром, то здесь портретируемый нередко представлен как неотъемлемая частица мироздания, органично включенная в его бесконечно сложную систему — для это использовалось как подробное прописывание материальной среды вокруг, так и малейших морщин на лице.

Из немецких живописцев этого периода особенно знамениты портретисты А. Дюрер и Ганс Гольбейн Мл. Менее известны французские мастера Жан Фуке, Франсуа Клуэ, Корнель де Лион.

Портрет маньеризма

---

В искусстве маньеризма (XVI век) портрет утрачивает ясность ренессансных образов. В нём проявляются черты, отражающие драматически тревожное восприятие противоречий эпохи. Меняется композиционный строй портрета. Теперь ему присуща подчёркнутая острота и насыщенность духовного выражения. Это в разной степени свойственно портретам итальянцев Понтормо и Бронзино, испанца Эль Греко.

В эту эпоху в разных странах возникают новые формы группового портрета. Иератически застывшие портретные группы Средневековья сменяются многофигурными композициями, полными живой и действенной взаимосвязи между персонажами. Создаются первые значительные образцы группового и парного портрета в станковой живописи. В различных видах также развивается тип исторического портрета.

Портрет XVII века

---

В XVII веке высшие достижения в жанре портрета были созданы наследниками нидерландской живописи. К этому времени она разделилась на две самостоятельные ветви — фламандскую и голландскую школы. Для художников этих школ портрет приобретал все большее и большее значение, а техника значительно совершенствовалась.

В этот период в жизни европейских стран произошли коренные сдвиги — общественные, идеологические и научные. Они повлияли на сложение новых форм портрета, который теперь наполнен изменившимся мировосприятием. Оно порвало с антропоцентризмом, который был присущ Возрождению. Личность испытывала кризис, взгляд на действительность больше не был гармоничным, внутренний мир человека усложнялся. Возникали более сложные связи с внешним миром, но при этом одновременно присутствовало стремление к более глубокому самопознанию. Поэтому в портрете происходит поиск: создатели ищут большую адекватность истинному облику модели, пытаются раскрыть её характер многосложно. Происходит глубокая демократизация портрета, что особенно заметно в Голландии. На портретах появляются люди, представляющие самые различные социальные слои общества, национальные и возрастные группы. В этот период ключевые позиции в портрете переходят к жанру станковой живописи.

По причине усиления буржуазии увеличивается количество заказчиков портретов. В Голландии становится необычайно популярным групповой портрет. Также художники начинают создавать портреты-типы людей из народа (Диего Веласкес, Хальс). Возросшая тяга художников к самопостижению, утверждению творческой личности способствует разработке форм автопортрета (Рембрандт, его ученик Карел Фабрициус, Антонис ван Дейк, Николя Пуссен). По прежнему не сдает позиций и аристократический портрет: Рубенс, Веласкес, ван Дейк создают как парадные портреты, так и проникновенно-лирические, интимные вещи. Техника живописи находится на весьма высоком уровне, происходит эволюция выразительных средств: убедительная передача световоздушной среды посредством светотеневых контрастов, новые приёмы письма плотными короткими, подчас раздельными мазками, что сообщает изображению неведомую дотоле жизненность, реально осязаемую подвижность.

В основе композиции многих портретов этого периода оказывается движение, при этом огромная роль отводится выразительности жеста модели. Активизируется сюжетная взаимосвязь героев группового портретов, заметно обозначается его тенденция к перерастанию в групповой портрет-картину (пример — «Ночной дозор» Рембрандта).

Значение крупнейших портретистов XVII века выходит далеко за пределы эпохи. Величайшими портретистами между фламандцами были Питер Пауль Рубенс и Антонис ван Дейк, а между голландцами — Рембрандт, Франц Хальс. Испанский художник того периода Диего Веласкес считается одним из величайших портретистов за всю историю жанра. Из портретистов других стран можно назвать Витторе Гисланди (Италия), Франсиско Сурбаран (Испания), Самуэль Купер (Англия), Филипп де Шампань, Матье Ленен (Франция).

Одновременно намечаются и негативные тенденции в развитии портретного жанра: во многих парадных портретах реалистическое уже с трудом прорывается сквозь условность форм барокко. Ряд портретов уже несёт в себе откровенную идеализацию высокопоставленного заказчика (Пьер Миньяр, Антуан Куазевокс, Питер Лели).

Со складыванием академической живописи сформировалась так называемая иерархия жанров с условным делением жанров искусства на «высокие» и «низкие», причем портрет стали относить к «низким» жанрам, (в отличие от «высоких» мифологического и исторического жанров). Такое положение сохранялось до победы импрессионистов над Французской Академией под конец XIX века.

Портрет XVIII века

---

С исходом XVII века манерность и условность, водворившиеся во всех видах живописи, помешали портрету удержаться на достигнутой им высоте. Жанр деградировал и был отодвинут его на второй план как в живописи, так и в скульптуре. Достижения реалистического портрета предаются забвению. Заказчик — как аристократ, так и буржуа требует от художника безоговорочной лести. В работах появляется приторная сентиментальность, холодная театральность, условная репрезентативность.

Задавая тон во всех видах искусства, французская культура определяет в это время и развитие портрета. Преобладающим становится тип придворно-аристократического портрета, расцветшего при дворе Людовиков. Для Европы становится эталонным созданный там образец официального искусства — парадные, ложноидеализирующие, мифологизированные портреты, где первая роль отводится декоративной нарядности модели. Одновременно происходит падение техники, появляются «кукольные лица».

Как пишут исследователи русского портрета XVIII века, «естественное в рамках этого метода подчинение индивидуальности ремесленно-корпоративному единству является определенной гарантией успеха в создании портрета в условиях неразвитости культуры данного жанра».

Живописцы этого периода: Гиацинт Риго, Жан Натье, Франсуа Гюбер Друэ, уже упоминавшийся Пьер Миньяр, Ларжильер. Искусство придворного портрета 30—50-х годов XVIII века, отвечая вкусам аристократии, ставило перед собой задачу создания внешне элегантного, декоративно-чувственного изображения модели в стиле рококо. Художники смягчали и приукрашивали черты лица, они очень дорожили передачей изящества туалетов, изощренной пышностью драпировок и аксессуаров, тонко рассчитанными декоративными эффектами. Натье придумал „мифологический“ портрет: изображал придворных дам в виде нимф, Дианы, Венеры и других античных богинь, чрезвычайно отдаленно передавая сходство и бесстыдно льстя своим моделям. В середине века чрезвычаной популярными при европейских дворах были застывше-идеальные работы Рафаэля Менгса.

Тем не менее, ближе к последней трети XVIII века ситуация начинает исправляться. Возникает и утверждается новый реалистический портрет, во многом связанный с гуманистическими идеалами эпохи Просвещения. Это аналитические образы живописца

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 16 (2). Русский портрет. ХХ век.: lovers_of_art — LiveJournal

Его можно назвать не только «художником из народа» (что соответствовало требованиям эпохи), но и новатором, философом в живописи, «пытавшимся теоретически обосновать некоторые существенные закономерности восприятия и передачи в живописи и рисунке пространства, формы, цвета…». Он изобрел новое пространственное построение, достигаемое с помощью так называемой «сферической» или «наклонной» перспективы. Это позволяло по убеждению Петрова-Водкина, «в любом холсте сохранять «планетарное» ощущение связи конкретного объекта изображения с необъятными просторами Вселенной». Свою жену, Мару, художник встретил во Франции, полюбил на всю жизнь и на протяжении всех тридцати лет их совместной жизни много и по-разному рисовал ее.

Современники называли Петрова-Водкина «древнерусским иконописцем, волею случая попавшим в будущее», и особенно ясно это видно как раз в портретах, где происходит раскрытие внутреннего мира изображенного, благодаря просто и выразительно переданным чертам и пристально смотрящим на зрителя глазам на, как правило, очень крупном лице.

С советской властью при жизни у Петрова-Водкина были прекрасные отношения, он был удостоен в 1930 году звания заслуженного деятеля искусств РСФСР. А вот после его смерти руководители культуры вдруг поняли, что основой его творчества являются иконопись и французский символизм, и на долгие годы он был почти забыт. (Подробнее о портретах художника тут: http://kozma-petrov.ru/portraits.php)
«Живописцем №1» у советской власти был художник, имевший до революции репутацию вполне сложившегося «салонного» художника. Однако после 1917 г. он резко меняет стиль, направление работы, и становится родоначальником официозного искусства. Речь идет об Исааке Бродском (1896-1939), посмотрите на его автопорет, написанный до революции. 

Исаак Бродский считается одним из главных представителей реалистического направления в советской живописи 30-х годов, в многочисленных портретах Бродский запечатлевал партийных и государственных деятелей, можно сказать стал «придворным» художником, создавал полную «иконографию» советских вождей, с бесконечным тиражированием её главных образов – Ленина и Сталина, создал обширную изобразительную «лениниану». Конечно, можно обвинять Бродского в том, что он предал свой талант, стал штамповать «лениных», превратился в певца кровавой власти.

При всем при этом надо отдать должное виртуозной технике и острому взгляду художника, собственному стилю, который называли «ажуром» и который стал образцом для подражания. Горький, у которого художник гостил на Капри, напишет ему: «В творчестве вашем для меня самая ценная и близкая мне черта — ваша ясность, пестрые, как жизнь, краски и тихая эта любовь к жизни, понятой или чувствуемой вами как “вечная сказка”».

Много сил отдавал Бродский возрождению Академии художеств и руководству ею, а также коллекционированию – у него была вторая по объёму и значению после собрания Русского музея коллекция русской живописи, которую он завещал государству (хотя, говорят, и не по доброй воле, а по принуждению «компетентных органов»). (http://fb.ru/article/243805/brodskiy-isaak-izrailevich-biografiya-i-foto-kartin)
Еще один живописец, график, скульптор, монументалист, плакатист, и Народный Художник СССР, Вице-президент Академии Художеств СССР, Лауреат Ленинской премии, Герой Социалистического труда Дейнека Александр(1899-1969) начинал так:

А стал крупнейшим художником искусства социалистического реализма, выразившим в своих работах героический идеал того времени, создавший цикл работ, воспевающий советских людей, радостно трудящихся на заводах и фабриках (смотрите первую репродукцию в этой статье), занимающихся спортом, поголовно физически красивых и счастливых. Дейнека не кривил душой, он действительно был искренним сторонником советской власти, восторженно принял революцию и верил в то, что его плакатные шахтеры, рабочие, спортсмены, летчики на самом деле счастливы, как и он сам на этом портрете.

Будучи сам хорошо физически развитым, Дейнека воспевал спорт, он говорил: «Как тема он неисчерпаем, ибо он демократичен и популярен… Спорт вмещает в себя оттенки ощущения. Он лиричен, он мажорен. В нем много оптимизма. В нем начало героического».
Самыми плодотворными и счастливыми годами в жизни Дейнеки были для многих трудные (а для некоторых даже смертельные) 30-е: он много работает, ездит по стране и в заграничные турне по США и Европе, откуда привозит великолепные рисунки, портреты и картины, а в 1937 году он получает золотую медаль Парижской всемирной выставки.

Но не так все просто в определении творчества Дейнеки, ведь недаром же этот до мозга костей «советский человек» писал в 1931 году жене: «Я всё вижу, я всё понимаю, а если бы не ты, — я бы пустил себе пулю в лоб». А великий Матисс, увидев его работы, сказал, что он самый талантливый из советских художников, «ушедший вперед в своем художественном развитии». А в нашем веке его называют «остросовременным модернистом».
Интересным и известным художником того времени был Орешников Виктор (1904–1987), народный художник СССР, дважды лауреат Сталинской премии, академик, четверть века он был ректором Ленинградского института живописи имени Репина. Он считал себя приверженцем классического искусства,

признавал своими учителями Эль Греко, Тициана и Веласкеса, хотя в 20-х – начале 30-х годов его учителями были К.Петров-Водкин и И.Бродский. Великолепный портретист, Орешников много работал в этом жанре. Особенно хороши у Орешникова женские образы, не так часто можно встретить в советских женских портретах изящество, грацию и одухотворенность. А с его детских портретов на нас смотрят пытливые глаза ребят, открывающих для себя мир, у которых еще все впереди.

В каждой модели Орешников находил черты идеала гармоничной, вечной, неподвластной моде красоты. Но не все так «красиво» было в его биографии, советская власть использовала даже людей, далеких от политики. В 1973 Орешников был в числе членов Академии художеств СССР, «целиком поддержавших протест членов Академии наук СССР, опубликованный в газете «Правда», и решительно осудивших клеветнические заявления академика Сахарова». Надо, правда, сказать, что этот факт не влияет на восприятие нами его творчества, «но осадок остался»…
Александр Лактионов (1910-1972), (уверена, многие помнят одну из самых известных его картин «Письмо сфронта», за которую он получил Сталинскую премию),

родился в Ростове-на-Дону в рабочей семье (мать – прачка, отец – кузнец), с 19 лет работал каменщиком, а затем чертежником., много рисовал, учась в Ростовской художественной школе. В 20 лет он решил стать профессиональным художником, вместе с друзьями отправился в Москву, а затем в Ленинград, где на его работы обратил внимание И.Бродский и взял его к себе в ученики в Академию художеств. Бродскому он обязан не только освоением приемов современной живописи, но и изучением техники старых мастеров, Бродский требовал от него быть «ближе к натуре».

окончил Институт Пролетарского изобразительного искусства в Ленинграде, в 1935 году стал членом Ленинградского Союза советских художников. После начала войны вступил в народное ополчение, пережил блокаду, а после войны продолжил писать, ведущей темой творчества стал портрет молодого современника.

Прекрасно владея техникой живописи, акварели, графики, Невельштейн  создал множество портретов, отличающихся глубиной передачи характера и сдержанным колоритом.
Советский художник, график, портретист и жанровый живописец Ломакин Олег (1924-2010)

может служить ярким примером верного приверженца темам «социалистического реализма» именно в портретной живописи. Большая часть его работ посвящена труженикам села, в основном женщинам, в них воспевается их тяжелый труд, но все они выглядят счастливыми.

Ломакин вообще считается признанным мастером портрета, у него есть известность и свои ценители, его произведения экспонируются во многих музеях мира, для меня же его творчество не представляет интереса.
Народный художник России Энгельс Козлов (1926=2007) сказал на праздновании своего 75-летия: «Портрет — пожалуй, мой любимый жанр. Больше сотни портретов нарисовал за 50 лет творческой жизни. Среди них есть вещи, за которые мне не стыдно». И действительно, есть портреты известных людей, написанные с глубоким уважением и любовью.

Козлов является ярым приверженцем реализма, а о современном искусстве говорит, что «всякие там модернизм, авангардизм — это некоторые отражения своих мыслей. Не за жизнь хватаются, а за самовыражение.» Ну да это его право. (Продолжение следует)…

Пятерка лучших художников-портретистов разных эпох

Портрет — один из самых интересных видов живописи. Это особый дар: суметь передать на холсте не только внешнее сходство героя, который позирует, но и рассказать будущим поколениям о характере, привычках, роде занятий.

Художники-портретисты всегда востребованы чуть больше коллег, специализирующихся на пейзажной или батальной живописи. И это понятно: аристократы заказывали портреты, чтобы увековечить свой облик для наследников и истории.

Леонардо да Винчи: эпатажный гений

Яркий представитель эпохи Возрождения, талант которого так и не удалось никому превзойти. Сохранилось всего 19 работ, авторство которых 100 % принадлежит Леонардо да Винчи. Его открытия в живописи невозможно переоценить. Один из первых, кто начал использовать масляные краски и вписал фигуры людей в пейзаж. Применил светотеневую модулировку.

Самый популярный портрет украшает зал Лувра. Его название известно каждому школьнику. Вряд ли найдется человек, кому не знакома «Мона Лиза». До сих пор точно неизвестно, кем была дама, изображенная на картине. Предположений несколько. Наиболее эпатажное, — с портрета на нас, улыбаясь, смотрит сам великий Леонардо.

Официальная версия — супруга торговца из Флореции, Лиза Герардини. Еще один вариант, который рассматривают историки искусства, — любовница Джулиано Медичи, умершая во время сложных родов.

Этот портрет да Винчи писал 15 лет (1503-1519). Почему так долго, если размер полотна составляет всего 53 х 76 см? У гения Возрождения сложились свои отношения со временем: никуда не торопился, стремился добиваться совершенства.

Леонардо в портрете использовал знаменитый метод сфумато. Если долго стоять перед «Джокондой» в Лувре, возникает ощущение, что вот еще пара мгновений, и она разомкнет губы, вздохнет. Еле заметная дымка, которая растушевывает линии, делает изображенную на полотне даму почти реальной.

Рафаэль: вдохновенный лирик

Еще один представитель эпохи Возрождения. Написанные его рукой портреты восхищают гармоничными композициями. Не проблема выбрать красивую модель. Гораздо труднее грамотно расположить фигуру в пространстве. Это удавалось Рафаэлю с виртуозной легкостью.

Портреты художника очаровывают нежностью и красотой. Его работы хронологически можно разбить на два этапа: холсты, созданные во время его жизни во Флоренции и картины, написанные в зрелом возрасте в Риме.

Рафаэль идеализировал образ человека, которого писал. Не стремился воспроизвести полное сходство, давал волю фантазии. Поэтому люди, изображенные на картинах, кажутся совершенными. Художник умел в каждом разглядеть что-то прекрасное и передать свою влюбленность.

Произведения итальянского живописца, которого современники боготворили за мягкость и естественность работ, в наше время ценятся еще больше. К примеру, эскиз, известный под названием «Голова молодого апостола», на аукционе «Сотбис» продали за ошеломляющую сумму — 48 млн долларов США.

Рубенс: избранник королей

Если бы потребовалось кратко охарактеризовать жизнь этого знаменитого нидерландского живописца, то слово «энергия» подошло бы идеально. Написал около 3000 художественных полотен, большая часть из которых — портреты. Ему позировали сильные мира сего: королева Мария Медичи, герцог Мантуанский, Анна Австрийская, Ян Брейгель, герцог Бекингемский. Портреты Рубенса — своеобразный каталог «кто есть кто» из представителей западноевропейской аристократии XVII столетия.

Рембрандт: мастер настроения

Одного из наиболее талантливых портретистов миру подарили Нидерланды. Интересная и самобытная работа — «Ночной дозор». Это групповой портрет членов стрелковой гильдии. Заказчиков ждало разочарование, художник не стал копировать манеру авторов, которые в то время считались эталонными, а пошел своим путем. Картина притягивает динамикой, накалом. Тревожное настроение Рембрандт подчеркнул с помощью необычного контраста. В работе художник использовал нестандартный способ наложения света и тени.

Рембрандт смог на своих холстах передать полный спектр человеческих переживаний: от радости до глубочайшего отчаянья.

Тициан: художник, поцелованный Богом

Еще один живописец, которого подарила миру эпоха Возрождения. Тициан — представитель венецианской школы, и это хорошо просматривается в его работах. Не зря через несколько столетий его по-прежнему считают великим мастером колористики и стремятся научиться передавать цвет теми же методами, как это делал Тициан Божественный — такое ему дали прозвище поклонники таланта.

Самые известные работы: «Портрет Карла V с собакой», «Кларисса Строцци», «Флора», «Мужчина с перчаткой», «Портрет молодого англичанина».

Женские портреты начала 20 века Фрэнка Юджина

Юджин стал одним из первых профессоров фотографии, создавал произведения, граничащие с живописью и фотоснимком, прославился восхитительным женскими портретами.

Фрэнк Юджин (Frank Eugene) родился в 1865 году в Нью-Йорке в семье немецкого иммигранта. Фотографировать начал в юности для развлечения. Изучал рисование и сценический дизайн в Баварской академии изящных искусств в Мюнхене и считал себя в большей степени художником, чем фотографом. Но после участия в нескольких фотовыставках полностью сосредоточился на съёмке.

Юджин смело для своего времени обрабатывал негативы. Он делал на них мазки и наносил царапины, использовал ручки, карандаши, превращая изображения в нечто среднее между живописью и фотографией, чем восхищал своих коллег.

«Юджин, Стиглиц, Кюн и Стайхен любуются работами Юджина», 1907 год. Слева направо: Фрэнк Юджин, Альфред Стиглиц, Генрих Кюн и Эдвард Стайхен.

В конце 1902 года Фрэнк Юджин стал одним из основателей группы Photo-Secession, а в 1913 его назначили профессором пикториальной фотографии в Королевской академии графических искусств в Лейпциге.

В этой подборке предлагаем насладиться женскими портретами, которые фотограф создал с 1900 по 1910-е годы.

Смотрите также: