Портрет 20 века: Портрет в изобразительном искусстве ХХ века

Портрет 20 века: Портрет в изобразительном искусстве ХХ века

alexxlab 24.08.2020

Содержание

Картины 20 века с названиями и описаниями

Русское изобразительное искусство 20 века выделяется своеобразным переходом жизни русских и советских художников. Конечно 19 век внес огромную лепту в культурную жизнь русского общества, можно сказать это была вершина в развитии не только живописи но и в других сферах искусства.

 

Весь накопленный опыт познания прошлого столетия постепенно перетекал в новые реалии жизненных устоев того времени. После революции 1917 года многое изменилось, и многие художники под воздействием советских принципов, вынуждены были подстраиваться к новым правилам и писали картины на патриотическую тему, жизнь рабочих и колхозников.

 

Те художники, которые писали работы на свободную тему, тему абстракционизма и что либо другое, соответственно не поддерживались советским руководством. Им конечно, запрещали выставлять на выставках их произведения и советский режим всячески мешал их развитию и продвижению в массы.

Самые известные картины 20 века можно отметить с замечательных полотен Бориса Кустодиева, Масленица 1916, 1919 и 1920 г., Купец, считающий деньги, патриотическая картина Большевик, портрет Шаляпина. Во многих картинах художник демонстрировал зрителям свои праздничные картины о различных народных гулянках, ярмарках, также художник писал пышных женщин, и конечно портреты.

 

Художник Аркадий Пластов отражал в своих работах жизнь простого народа. Самые известные картины Сенокос, Жатва, Первый снег, Летом и другие. Картины Татьяны Яблонской достаточно хорошо были признаны не только советским обществом но и ее работы очень нравились мировому сообществу, например картина Утро, Перед стартом, Хлеб и др. Из ярких представителей социалистического реализма художник Федор Решетников и Сергей Григорьев , их известные работы: Опять двойка, За мир, Мальчишки, Прибыл на каникулы, Достали языка, На собрании, Прием в комсомол, Вратарь и др.

 

С более романтическим уклоном выделяются пейзажи Игоря Грабаря Зимнее утро, Мартовский снег, Февральская лазурь, Ясный осенний вечер, Константина Юона Волшебница Зима, Мартовское солнце, Русская зима, Конец зимы. Полдень, Весенний солнечный день, Новая планета, Николая Крымова Ветреный день. Бык, Зимний вечер, Раннее утро, Аркадия Рылова В голубом просторе, Зинаиды Серебряковой За обедом, Сергея Герасимова Церковь Покрова на Нерли

Несмотря на все перипетии 20 века, пересуды различных искусствоведов за и против, можно с уверенностью сказать, что картины 20 века внесли свой неповторимый вклад в отражение реалий прошлого столетия, демонстрируя всем нам периоды жизни советского общества, красоту красок и колорита полотен талантливых художников того времени.



образы, формы, направления (на примере творчества тюменских художников) – тема научной статьи по искусствоведению читайте бесплатно текст научно-исследовательской работы в электронной библиотеке КиберЛенинка

УДК 75

В. И. Семенова З. Л. Черниева

д-р культурологии, канд. культурологии,

Тюменский государственный Тюменский государственный

институт культуры институт культуры

E-mail: [email protected] E-mail: [email protected]

ПОРТРЕТ В ИСКУССТВЕ КОНЦА XX В.: ОБРАЗЫ, ФОРМЫ, НАПРАВЛЕНИЯ (на примере творчества тюменских художников)

Портретный жанр в тюменском искусстве рассматривается и анализируется на основе традиционного методологического аппарата, предполагающего выявление характера отношения между моделью и художником, между объективностью личностных характеристик изображаемого и субъективностью его восприятия портретистом.

Портретные образы в современном искусстве соотносятся с ведущими стилевыми направлениями в портретном жанре прошлых эпох. Одной из важных задач исследования является выявление новаций в образной концепции портрета в современном искусстве. Тюменское изобразительное искусство в целом развивается в русле общероссийского и репрезентирует основные его течения и направления, вбирает в себя основные современные тенденции художественного осмысления человека. Анализируются портретные образы А. Чемакина, О. Фёдорова, В. Сизова, А. Аме-лина-Иахина, констатируется оригинальность их художественного решения.

Ключевые слова: портрет, образ, направление, ультраграфия А. Чемакин, А. Амелин-Иахин, В. Сизов

Для цитирования: Семенова, В. И. Портрет в искусстве конца XX в.: образы, формы, направления (на примере творчества тюменских художников) / В. И. Семенова, З. Л. Черниева //Вестник культуры и искусств. — 2018. — № 4 (56). — С. 104-109.

Жанр портрета основан на интересе ху- человек репрезентирует себя уже без посредства

дожника к человеческой личности. Долгое художественных материалов. Перформанс, хеп-

время портрет играл функцию «хранителя» пенинг, инвайронмент еще более расширяют та-

черт человеческого лица и оценивался по мас- кую возможность. Но за этими новационными

терству передачи сходства изображения с мо- формами искусства как бы второй скрипкой раз-

делью. С появлением фотографии эта функция виваются и традиционные формы, представлен-

портрета стала гораздо менее актуальной. Ху- ные картиной в раме, рисунком, скульптурным

дожники все более и более отходили от прямой бюстом. Вышеназванные новационные формы

изобразительности и «похожести», делая чело- искусства уже сказали свое главное слово о том,

веческое лицо полем для художественных экс- что к жизни можно относиться как к искусству,

периментов. Фовистская упрощенность, пре- что можно создавать свое индивидуальное бытие

вращающая лица в маски, кубистическое дроб- по законам творчества, ежедневно формировать

ление его на фрагменты, футуристическая свой образ и образ окружающего пространства

«подвижность» глаз, губ, носа, супрематиче- по канонам красоты, и что творчество — своего

ская «безликость» и еще многие другие транс- рода обретение свободы. Свободы от норм, дог-

формации и эксперименты с человеческим ли- матов, канонов.

цом наблюдаем мы в искусстве первой полови- Потребность человека изображать что-то ны ХХ в. своими руками неизбывна. Почти каждый реВ искусстве второй половины ХХ в. в боди- бенок рождается с желанием лепить, рисовать, арте человеческое лицо само стало «холстом», мастерить. И даже во времена всеобщего мне-

104

ния, что «картина умерла» и что нет ничего более архаичного и неуместного чем традиционные произведения живописи и графики, находились смелые художники, которые вопреки всему реализовывали свое желание творить именно в традиционных формах искусства.

Таковым, например, был в конце ХХ в. Максим Кантор, который описал эту парадоксальную ситуацию в своих воспоминаниях: «Первое, что я услышал, когда захотел рисовать, было: «картины больше нет».

Как это нет? — недоумевал я. Меня данное утверждение потрясло: я-то собирался именно писать картины. А вот так, сказали мне, не будет больше картин — и все. Кончилось время картин. Когда? — спрашивал я растерянно. А вот недавно как раз и кончилось. Так ведь, говорил я, Пикассо или, допустим, Ван Гог — это же совсем недавно. Нет, -отвечали мне, — это время бесповоротно прошло» [2, с. 7]. И иронически осмысливая художественную деятельность конца ХХ века, он далее пишет: «И взрослые люди, с седыми висками, с печальными глазами, с суровыми лбами — они скакали по сцене, какали в горшочки, натягивали между деревьев веревочки, матерились, шутили. Это было востребовано временем, это было свободолюбиво и новаторски. А картины писать было уже нельзя» [Там же, с. 8]. М. Кантор вопреки всему этому все-таки начал писать картины и стал большим мастером, одним из крупнейших современных художников, доказавшим своим творчеством абсурдность утверждения о «смерти картины», как доказывают это и многие другие, может быть, менее именитые художники, день за днем благоговейно становящиеся перед мольбертом и создающие свои тихие шедевры.

Теория «смерти картины» повлекла за собой идею о смерти искусствоведческой мысли, о ее ненужности, неактуальности. Часто высказывается мысль о том, что концептуальность и субъективный характер современного искусства предполагает «высказывание» самого автора произведения, без посредства искусствоведа. Подобная позиция отражает определенные тенденции в искусстве, но, безусловно, утрирует их, абсолютизирует, не берет во внимание целостной

картины современного искусства, в котором наряду с новационными формами и средствами выразительности существуют и развиваются традиционные формы искусства, требующие и традиционных методов их теоретического осмысления.

Именно поэтому портретный жанр в тюменском искусстве мы будем рассматривать и анализировать, опираясь на традиционный методологический аппарат, предполагающий выявление характера отношения между моделью и художником, между объективностью личностных характеристик изображаемого и субъективностью его восприятия портретистом. Также мы будем соотносить портретные образы в современном искусстве с ведущими стилевыми направлениями в портретном жанре прошлых эпох. Одна из важных задач исследования -выявление новаций в образной концепции портрета в современном искусстве.

Современный портрет несет в себе новые аспекты взгляда на человека, открытые крупнейшими художниками прошлого века. Матисс, Шагал, Модильяни создали уникальные произведения в жанре портрета, каждый из них выразил совершенно новые грани в образе человеческой личности, в способах ее взаимодействия с миром людей, с предметной средой, пространством.

Человек являлся главной темой творчества Пабло Пикассо. Портреты он создавал всегда и во всех техниках, к которым обращался на протяжении жизни: живописи, рисунке, печатной графике, скульптуре, фотографии. Концепция его портретного образа уникальна. Смело искажая формы тела и лица, компонуя их в произвольных сочетаниях, он достигает эффекта подвижности, неуловимости и изменчивости выражения того, что мы называем человеческой личностью. Действительно, как часто человек бывает в разных «своих состояниях», как часто он «не похож на самого себя». «…Для Пикассо характерен легкий жест художника, превращающего рисунок человеческого тела в двухмерную форму, произвольную до такой степени, что утрачивается всякое сходство» [3, с. 14].

Новый взгляд на человека мы видим в творчестве Фрэнсиса Бэкона. Сравнивая образы лю-

105

дей у этих двух художников, М. Кундера пишет: «…Свойственная Пикассо игровая эйфория у Бэкона сменяется удивлением (если не ужасом) перед тем, что мы есть, что мы есть в материальном, физическом смысле. Движимая этим ужасом рука художника… «грубым жестом» ложится на тело, на лицо, в Энадежде найти нечто, что таится в нем или за ним». В этих бэконовских поисках «искаженные до неузнаваемости» формы никогда не теряют признаков живого организма, напоминают о своем телесном существовании, о своей плоти, по-прежнему сохраняя трехмерность». И далее: «…портреты Бэкона ставят вопрос о границах «я». До какой степени искаженная личность продолжает оставаться собой? До какой степени должно дойти искажение, чтобы любимое существо продолжало оставаться любимым существом? До какого момента дорогое лицо, которое погружается в болезнь, в безумие, в ненависть, в смерть, еще можно узнать? Где проходит граница, за которой «я» перестает быть «я»» [3, с. 16].

Тюменское изобразительное искусство в целом развивается в русле общероссийского и репрезентирует основные его течения и направления [см.: 9]. Российское искусство, испытывая влияние зарубежного искусства, в свою очередь вбирает в себя основные современные тенденции художественного осмысления человека.

В искусстве Тюмени можно назвать целый ряд художников, в творчестве которых ярко выражен интерес к человеку, а значит, и к портретному жанру. А. Новик, М. Гардубей, Ю. Юдин, О. Власов, О. Фёдоров, О. Трофимова, А. Сашнё-ва, В. Сизов, В. Глухов, А. Чемакин и другие воплотили в своих картинах, рисунках и гравюрах лица своих современников, каждый раз по-новому, свежо высвечивая потаенные грани той или иной личности, используя магию цвета и света, формы и линии. О жанре портрета в искусстве художников Тюмени нет теоретических исследований. В статьях, посвященных отдельным художникам, упоминаются их портретные образы, но без аналитического взгляда на их стилистические особенности и художественное своеобразие, что и обусловило актуальность данной работы [см.: 6; 10].

Начнем обзор портретного творчества с довольно необычной выставки Александра Че-

макина, прошедшей в августе прошлого года в выставочном зале тюменского отделения Союза художников под названием «Вы можете их знать». Около 60 портретов, большинство из которых выполнены на первый взгляд чрезвычайно просто: основа — простой, «бросовый» картон, на котором несколькими контурами и штрихами изображены самые разные персонажи, с их характерными позами, жестами, выражениями лиц. Портреты снабжены короткими надписями о моделях: их занятия, характерная черта их характера, либо шутливое «жизненное кредо». Эти подписи, их оформление (шрифт и место в композиции) органично дополняют изображение, рождая синтез слова, каллиграфии, рисунка. На одном из портретов надпись: «Она любит раскрашенные картинки». Изображение рядом — женщина с узким лицом и покатыми плечами. модильяневский типаж. Образ реальный типизируется до обобщенного образа интеллектуалки и любительницы искусства, а легкая добродушная шаржи-рованность подчеркивает ее индивидуальность.

К жанру портрета, а чаще автопортрета, Александр Чемакин обращался на протяжении всего творческого пути. А. Чемакин принадлежит к поколению художников, вошедшему в историю городской художественной жизни под названием «Новое искусство Тюмени». Это сообщество составили выпускники художественного отделения Тюменского училища искусств, которые в конце 1980-х представляли своим творчеством некую альтернативу академической школе живописи (О. Трофимова, О. Власов, А. Ердяков, С. Перепелкин, Н. Пис-кулин, О. Федоров). А. Чемакин и сегодня, став членом Союза художников, не очень вписывается в официальную струю. И это не демонстрация оригинальности, не оппозиция и не противостояние, просто это другое искусство, которому свойственна мягкая добродушная ирония, в том числе и к самому себе.

Облик молодого Чемакина запечатлен в «Портрете Саши Чемакина» (1992) кисти другого тюменского художника — С. Перепёлкина. Удлиненное лицо в профиль, рыжая бородка, усы и длинные волосы, забранные в хвост, очки, от-

106

крытая шея над глубоким вырезом черного джемпера, ярко-желтый фон. Человек в медитативном состоянии. Впечатление спокойствия, сосредоточенности, некоей изолированности от всего внешнего. «К внешнему миру я безразличен. Он мне не помогает и не мешает. Главным качеством художника по отношению к внешнему миру должен быть «пофигизм»», — сказал художник в одном из интервью [4, с. 177].

Состояние самоуглубленности во многих автопортретных образах. В картине 1991 года «Слова» — снова знакомый нам профиль с рыжей копной волос. Длинная слеза в уголке глаза, взгляд направлен в раскрытую книгу… в правой руке стакан чая. Серьезность «темы» и ироничность ее подачи, внешнее простодушие и экзистенциальная глубина. Этот синтез характерен и для многих других работ этого периода: «Вода» (1991), «Трава» (1991), «Задание на завтра» (1992).

Примитивистская упрощенность, некая детская наивность художественного языка характерна и для портретов кисти Леонида Коробейнико-ва. В историческом портрете «Зима. Ермак» (1990) на фоне снежного пейзажа мощная мужская фигура в овчинном тулупе. Характеристика образа дана через пейзажный фон: крепость сибирского мороза ассоциируется с крепостью духа и тела этой легендарной личности.

В концепции портретной образности Вячеслава Сизова чувствуется «врубелевское» начало, проявляющееся в возвышенности и символической глубине образа, в остроте граненых форм, в темпераменте мазка. В некоторых портретах есть стихотворные строки, дополняющие изображения. Так, в акварельно-гуашевом «Портрете Зинаиды» (1999). Красивым авторским шрифтом написано: «Здравствуй, Зина! Здравствуй — в ответ. Звучит художника портрет». В некоторых портретах художник использует стилистику модерна, и тогда гибкая певучая линия, нежная пастельная гамма воссоздают утонченно-изысканные женские образы, образы «роковых» красавиц («Дачница», «Портрет Светланы»).

Картина Олега Фёдорова «Палитра» (или «Автопортрет с Ван Гогом») — своеобразная интроспекция, пристальный взгляд в себя, на свое место в искусстве. Жанровая принадлеж-

ность картины «Палитра» определена во втором варианте ее названия — «Автопортрет с Ван Гогом». Портретируемый представлен в смысловой и сюжетной взаимосвязи с окружающими его миром вещей, природой и городской средой. Погрудный срез фигуры относит произведение к поджанру «интимный», наиболее полно раскрывающий внутренний мир персонажа, что так характерно для концепции экспрессионизма. «Ван Гог всегда был одним из самых любимейших и понятных мне художников… И очень близким человеком. Учителем, с большой буквы… Ему посвящается этот Автопортрет 1988 года», — говорит О. Фёдоров [5].

Художественное пространство картины -пространство комнаты, мастерской художника. Вертикальный формат полотна сообщает торжественность, стремление ввысь, строгость, сосредоточенность. Композиция картины полицен-трична: имеет три расположенных по диагонали центра. Один из центров, коим является художник, расположен на первом плане в правом нижнем углу полотна; второй центр композиции -палитра — расположен на втором плане и почти совпадает с геометрическим центром картины; третий центр — автопортрет Винсента Ван Гога. В данном случае композиционный прием «картина в картине» выражает идею произведения: контраст сопоставления двух художников.

Две детали придают этим людям видимую общность: сигарета или трубка у обоих во рту и палитра, находящаяся между изображениями. Расположение портретов и палитры на одной трети по высоте соответствует принципу золотого сечения, что делает их композиционными центрами. Три вышеуказанных композиционных центра образуют в картине диагональ, «лестницу», первая ступень которой — тюменский художник, промежуточная (или вторая) — палитра и высшая — портрет Ван Гога. Таким образом, палитра является символическим и сюжетным связующим звеном между двумя живописцами.

Характеризуя особенности изобразительного языка Алексея Чугунова, также обращающегося к жанру портрета, искусствовед М. Г. Чистякова писала: «Главная цель творчества художника -при помощи минимума изобразительных средств

107

сказать о мире, окружающем его, таким образом, чтобы изображение, доведенное до лаконичности формы и емкости содержания до символа, знака, читалось не одноразово, а в зависимости от духовной наполненности зрителя обладало и широким ассоциативным смыслом. Космогоничность мировосприятия художника пронизывает все его творчество» [1, с. 9]. В образной структуре произведений художника, основанной на философском отстранении от повседневности, выражены такие понятия, как Жизнь, Природа, Вечность, в их взаимосвязи и взаимопроникновении. Загадка человеческого бытия в его творчестве драматически неразрешима — серия погрудных имперсони-фицированных портретов раннего периода творчества представляют собой неподвижные образы, с грустной безнадежностью или с холодным бесстрастием смотрящие в никуда. В более поздних работах образ человека трансформируется в «декоративные композиции», отождествляется с разного рода конструкциями, цветами и т. д. Концепция некоторых работ в творчестве Чугунова восходит к портретным образам французских авангардистов. В его «Портрете» (1988) матис-совская упрощенность форм, локальность и экспрессия цвета сочетаются с метафоричностью и ассоциативностью некоторых портретов П. Пикассо (жесты рук изображенной женщины напоминают ласкающихся лебедей или грациозных длинношеих животных).

В настоящее время широкое распространение получили так называемые светящиеся (люминесцентные) краски, применяющиеся в рекламе, оформлении интерьеров, автомобильном дизайне и т. д. Используются эти краски и в «серьезной» живописи. Как правило, художественная практика нанесения люминесцентных красок на живописную поверхность связана с аэрографией, однако краска может наноситься и вручную — кистью, а также с помощью дру-

гих средств. Суть применения таких красок -создание изображения за гранью обычного света. З. Л. Черниева предлагает для этой техники термин ультраграфия (в пер. с лат. ультра -‘сверх, за пределами’), что выражает некий сакральный смысл подобного рода живописи (заглянуть за грань видимого). Данная техника как нельзя лучше способна донести до зрителя духовную, «потаенную» образность.

Именно это и делает в своих работах художник Александр Амелин-Иахин, живущий и работающий в двух городах — Москве и Тюмени. Техника ультраграфии позволяет в одном портрете соединить два изображения: это могут быть разные эмоциональные состояния модели, разновременные характеристики либо совмещение реалистического и фантазийного образов, как, например, в портрете «Египтянка». Портрет воплотил мечту заказчицы увидеть себя в образе египетской жрицы, и художник «вписал» реальное лицо в древнеегипетский антураж, который становится виден при ультрафиолетовом освещении [см.: 7; 8].

Данный обзор портретных образов не претендует на всеохватывающую полноту характеристики жанра, но, во-первых, констатирует его актуальность в современном искусстве и, во-вторых, дает определенное представление об образных и технических новациях в нем. Тюменские портретисты создают портреты разнообразные в стилевом отношении и зачастую отмеченные высокой степенью художественного вкуса. Портреты А. Чемакина характеризуются лапидарностью, остротой характеристики моделей, у О. Фёдорова — подчеркнуто-экспрессивные образы, А. Амелин-Иахин обращается к новой технике ультраграфии, дающей возможность «удвоить» изображение. Творческие поиски художников Тюмени в портретном жанре значительно обогащают многообразие аспектов интерпретации «антропологической» темы в современном искусстве.

1. Алексей Чугунов: альбом / вст. ст. М. Чистякова. — Тюмень : Тюменская правда, 1999. — 36 с.

2. Кантор, М. К. Одного достаточно : альбом / М. К. Кантор. — Москва : АСТ: Астрель, 2010. — 255 с.

3. Кундера, М. Резкий жест художника: о Френсисе Бэконе / Кундера М. Встреча / пер.с фр. А. Смирновой. — Санкт-Петербург : Азбука, Азбука-Аттикус, 2013. — 224 с.

4. Новое искусство Тюмени : альбом /сост. и вступ. ст. Г. В. Вершинин; сост. С. М. Перепелкин; пер. М. М. Кухтерина. — Екатеринбург : Средне-Уральское кн. изд-во, 1996. — 199 с.

108

5. Официальный сайт Олега Фёдорова [Электронный ресурс] / Олег Фёдоров. Несколько слов о самом се-

бе. — Режим доступа : http://www.ofedorov.ru/

6. По городам Урала и Сибири : каталог выставки / авт. вступ. ст. Т. И. Борко. — Тюмень : Комитет по куль-

туре Тюм. обл., 2007. — 12 с.

7. Художник Александр Амелин-Иахин: каталог выставки / авт. вступ. ст. З. Л. Черниева. — Ишим : СИНЭЛ,

2018. — 48 с.

8. Черниева, З. Л. Символы Александра Амелина / З.Л. Черниева. — Тюмень : ППШ, 2011. — 24 с.

9. Черниева З. Л. Стилевые направления в изобразительном искусстве Тюмени конца XX — начала XXI ве-

ка / З. Л. Черниева. — Тюмень : РИЦ ТГАКИСТ, 2011. — 56 с.

10. Шайхтдинова, Н. Н. Художественная жизнь Тюмени 1960-1980-х гг. / Н. Н. Шайхтдинова // Художники Тюмени: альбом / авт. ст. А. А. Валов, Н. И. Сезёва, Н. Н. Шайхтдинова. — Тюмень, 1994. — С. 63-65.

Сдано 20. 11.2018

V. Semenova Z. Chernieva

Doctor of Culturology, Candidate of Culturology,

Tyumen State Institute of Culture Tyumen State Institute of Culture

E-mail: [email protected] E-mail: [email protected]

PORTRAIT IN THE ART PAINTING AT THE END OF XX CENTURY: IMAGES, FORMS, DIRECTIONS (ON THE EXAMPLE OF TYUMEN PAINTERS’ CREATIVE ACTIVITY)

Abstract. A portrait genre in Tyumen art is considered and analyzed on the basis of traditional methodological apparatus which assumes to elicit the character of relationship between a model and an artist, objectivity of personal characteristics of the being depicted and subjectivity of his/her perception by a portraitist. Portrait images in modern art are correlated with main style trends in the portrait genre of past ages. One of the important research tasks is to detect novations in imaginative portrait concept in modern art. On the whole Tyumen visual art has been developing with all-Russia art and represents its main art movements and trends, co-opting main modern tendencies of a Person artistic conceptualization. The article analyzes portrait images of A. Chemakin, O. Fyodorov, A. Amelin-Iakhin, V. Sizov and states originality of their artistic solution. Keywords: portrait, image, trend, ultragraphy, A. Chemakin, A. Amelin-Iakhin, V. Sizov

For citing: Semenova V., Chernieva Z. 2018. Portrait in the art painting at the end of XX century: images, forms, directions (on the example of Tyumen painters’ creative activity). Culture and Arts Herald. No 4 (56) : 104-109.

References

1. Aleksey Chugunov: al’bom [Alexey Chugunov: album]. 1999. Introd. art. M. Chistyakov. Tyumen’: Tyumenskaya Pravda. 36 p. (In Russ.).

2. Kantor M. 2010. Odnogo dostatochno [One is enough]. Moscow: AST. 255 p. (In Russ.).

3. Kundera M. 2013. Artist’s sharp gesture: about Francis Bacon. Vstrecha [Meeting]. St. Petersburg: Azbuka: Azbuka-Attikus. 224 p. (In Russ.).

4. Novoe iskusstvo Tyumeni [New Art of Tyumen]. 1996. Ed. G. Vershinin. Ekaterinburg: Sredne-Uralskoe knizhnoe izdatelstvo. 199 p. (In Russ.).

5. Oleg Fedorov: ofitsial’nyy sayt [Electronic resource]. Available from: http://www.ofedorov.ru/. (In Russ.).

6. Po gorodam Urala i Sibiri [In the cities of Ural and Siberia]. 2007. Introd. art. T. Borko. Tyumen’: Komitet po culture Tum. obl. 12 p. (In Russ.).

7. Hudozhnik Aleksandr Amelin-Iakhin [The artist Alexander Amelin-Iakhin]. 2018. Ed. Z. Chernieva. Ishim: SINEL, 48 p. (In Russ.).

8. Chernieva Z. 2011. Simvoly Aleksandra Amelina [Alexander Amelin’s symbols]. Tyumen’: PPSH. 24 p. (In Russ.).

9. Chernieva Z. 2011. Stilevye napravleniya v izobrazitel’nom iskusstve Tyumeni kontsa 20 — nachala 21 veka [Style tendencies in fine art of Tyumen at the end of 20th century — the early 21st century]. Tyumen’: RITS TGAKIST. 56 p. (In Russ.).

10. Shaihtdinova N. 1994. Artistic life of Tyumen in 1960-1980s. Khudozhniki Tumeni: [Tyumen artists]. Ed. Nikolay Skryabin. Tyumen’. P. 63-65. (In Russ.).

Received 20.11.2018

109

Портретная живопись – HiSoUR История культуры

Портретная живопись – жанр в живописи, где цель состоит в том, чтобы изобразить человека. Термин «портретная живопись» также может описывать фактический окрашенный портрет. Портретники могут создавать свою работу по поручению, для государственных и частных лиц, или они могут быть вдохновлены восхищением или любовью к этому предмету. Портреты часто являются важными государственными и семейными рекордами, а также воспоминаниями.

Исторически портретные картины в основном увековечивали память богатых и влиятельных. Со временем, однако, стало более обычным для меценатов среднего класса поручать портреты своих семей и коллег. Сегодня портретные картины по-прежнему заказываются правительствами, корпорациями, группами, клубами и отдельными лицами. В дополнение к живописи портреты могут быть сделаны и в других средах, таких как травление, литография, фотография, видео и цифровые медиа.

История:
Древний мир
Корни портрета, вероятно, встречаются в доисторические времена, хотя некоторые из этих работ сохранились сегодня. В искусстве древних цивилизаций Плодородного Полумесяца, особенно в Египет , изобилуют изображения правителей и богов. Тем не менее, большинство из них было выполнено с высокой степенью стилизации, и большинство в профиле, обычно на камне, металле, глине, штукатурке или кристалле. Египетская портретная живопись относила мало внимания к подобию, по крайней мере, до периода Эхнатона в 14 веке до нашей эры. Портретная живопись знаменитостей в Китай вероятно, восходит к более чем 1000 г. до н.э., хотя никто не выживает с этого возраста. Существующие китайские портреты восходят к 1000 году нашей эры

Из литературных данных мы знаем, что древнегреческая живопись включала портретную живопись, часто очень точную, если поверить в писателей, но никаких нарисованных примеров не осталось. Скульптурные главы правителей и знаменитых личностей, таких как Сократ, выживают в некотором количестве и, как и индивидуальные бюсты эллинистических правителей на монетах, показывают, что греческая портретная живопись может достичь хорошего подобия, а сюжеты были изображены с относительно небольшой лестью – портреты Сократа показывают, почему он имел репутацию быть уродливым. Преемники Александра Великого начали практиковать добавление своей головы (как обожествленной фигуры) к своим монетам и вскоре использовали свои собственные.

Римская портрета приняла традиции портретирования как этрусков, так и греков, и разработала очень сильную традицию, связанную с их религиозным использованием портретов предков, а также римской политики. Опять же, несколько окрашенных пережитков, в портретах Фаюма, Могила Алины и Северан Тондо, все из Египта под римским правлением, явно провинциальные постановки, которые отражают греческий, а не римский стиль, но у нас есть множество скульптурных головок, в том числе много индивидуальные портреты из могил среднего класса и тысячи типов портретов монеты.

Средний возраст
Большинство ранних средневековых портретов были портретами доноров, первоначально в основном из римских мозаик и освещаемых рукописей, примером для которых был автопортрет писателя, мистика, ученого, иллюминатора и музыканта Хильдегара из Бингена (1152 г.). Как и в случае с современными монетами, было мало попыток подойти. Памятники каменной гробницы распространились в романский период. Между 1350-1400 годами светские фигуры стали появляться на фресках и панельных рисунках, например, в Карла IV мастера Теодори, получивших верность, а портреты снова стали ясными подобиями. В конце века первые портреты моряков современных людей, окрашенные на небольшие деревянные панели, появились в Бургундия и Франция, сначала как профили, затем в других представлениях. Уилтон Диптих ок. 1400 – один из двух сохранившихся панельных портретов Ричарда II Англия , самый ранний английский король, для которого у нас есть современные примеры. Ведущими раннелетними мастерами портрета были Ян ван Эйк, Роберт Кампин и Роджер ван дер Вейден. Портреты доноров стали проявляться как присутствующие или участвовали в основных священных сценах, и в более частных придворных сюжетах предметы даже казались значительными фигурами, такими как Дева Мария.

Ренессанс
Ренессанс стал поворотным моментом в истории портрета. Частично из интереса к естественному миру и отчасти из интереса к классическим культурам Древней Греции и Рима портреты – как расписанные, так и скульптурные – играли важную роль в обществе эпохи Возрождения и ценились как объекты, а также как изображения земного успеха и положение дел. Живопись в целом достигла нового уровня баланса, гармонии и проницательности, а величайшие художники (Леонардо, Микеланджело и Рафаэль) считались «гениями», значительно превышающими статус торговца уважаемым слугам двора и церкви.

В течение этого плодородного периода развилось много инноваций в различных формах портрета. Началась традиция портретной миниатюры, которая оставалась популярной до эпохи фотографии, развиваясь из навыков живописцев миниатюр в освещенных рукописях. Портреты, вдохновленные древними медальонами, были особенно популярны в Италия между 1450 и 1500 годами. Медали с их двусторонними изображениями также вдохновили недолговечную моду на двухсторонние картины в раннем ренессансе. Классическая скульптура, такая как «Аполлон Бельведер», также влияла на выбор поз, используемых портретистами эпохи Возрождения, которые продолжали использовать на протяжении веков.

Северные европейские художники вели путь в реалистических портретах светских сюжетов. Больший реализм и детализация северных художников в течение 15-го века объяснялись отчасти более тонкими мазками и эффектами, возможными с масляными красками, в то время как итальянские и испанские художники все еще пользовались температурой. Среди первых мастеров по разработке нефтяной техники был Ян ван Эйк. Масляные краски могут создавать больше текстур и сортов толщины, и их можно наносить более эффективно, с добавлением более толстых слоев друг к другу (известные художникам как «жир поверх мяса»). Кроме того, масляные краски сушатся медленнее, что позволяет художнику легко вносить изменения, например, изменять детали лица. Антонелло да Мессина был одним из первых итальянцев, которые воспользовались нефтью. Обучено Бельгия , он поселился в Венеция около 1475 года, и оказал большое влияние на Джованни Беллини и северную итальянскую школу. В течение 16-го века нефть как средство распространения популярности Европа , позволяя более роскошные визуализации одежды и ювелирных изделий. Также, влияя на качество изображений, был переход от дерева к холсту, начиная с Италия в начале XVI века и Северная Европа в следующем столетии. Холст устойчив к растрескиванию лучше, чем древесина, лучше держит пигменты и нуждается в меньшей подготовке, но изначально он был намного реже дерева.

Вначале северные европейцы отказались от профиля и начали выпускать портреты реалистичного объема и перспективы. в Нидерланды , Ян ван Эйк был ведущим портретистом. Брак Арнольфини (1434, Национальная галерея, Лондон ) является ориентиром западного искусства, ранним примером полноразмерного портрета пара, великолепно окрашенного в богатые цвета и изысканные детали. Но не менее важно, это демонстрирует недавно разработанную технику масляной живописи, начатую ван Эйком, которая произвела революцию в искусстве и распространилась по всему Европа ,

Ведущие немецкие художники портрета, включая Лукаса Кранаха, Альбрехта Дюрера и Ганса Гольбейна Младшего, которые все осваивали технику масляной живописи. Кранах был одним из первых художников, которые рисовали полноразмерные комиссии в натуральную величину, популярную с тех пор. В то время, Англия не имели портретистов первого ранга, а художники, такие как Гольбейн, пользовались спросом у английских покровителей. Его картина сэра Томаса Мора (1527), его первого важного покровителя в Англия , имеет почти реализм фотографии. Гольбейн сделал большой успех в росписи королевской семьи, включая Генриха VIII. Дюрер был выдающимся рисовальщиком и одним из первых крупных художников, который сделал последовательность автопортретов, в том числе роспись на полном листе. Он также разместил свою фигурку автопортрета (как зрителя) в нескольких своих религиозных картинах. Дюрер начал заниматься автопортретами в возрасте тринадцати лет. Позже Рембрандт усилит эту традицию.

В Италия , Мазаччо возглавил модернизацию фрески, приняв более реалистичную перспективу. Филиппо Липпи проложил путь в развитии более острых контуров и извилистых линий, а его ученик Рафаэль расширил реализм в Италия на гораздо более высокий уровень в последующие десятилетия с его монументальными настенными росписями. За это время обручальный портрет стал популярным, особая специальность Лоренцо Лотто. В раннем Ренессансе портретные картины были обычно маленькими и иногда покрывались защитными крышками, шарнирами или скользящими.

В эпоху Возрождения флорентийское и миланское дворянство, в частности, хотели получить более реалистичные представления о себе. Задача создания убедительных полных и трехквартальных представлений стимулировала эксперименты и инновации. Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Доменико Гирландайо, Лоренцо ди Credi и Леонардо да Винчи и другие художники соответственно расширили свою технику, добавив портретную традицию для религиозных и классических предметов. Леонардо и Писанелло были одними из первых итальянских художников, которые добавили аллегорические символы в свои светские портреты.

Одним из самых известных портретов в западном мире является картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза», названная в честь Лизы дель Джокондо, члена семьи Герардини Флоренция а также Тоскана и жена богатого флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо. Знаменитая «улыбка Моны Лизы» – отличный пример применения тонкой асимметрии к лицу. В своих блокнотах Леонардо советует о качествах света в портретной живописи:

Очень высокая степень изящества в свете и тени добавляется к лицам тех, кто сидит в дверях темных тем, где глаза наблюдателя видят затененную часть лица, скрытую тенями комнаты, и посмотрите на освещенную часть лица с большим блеском, который дает воздух. Благодаря этому увеличению теней и огней лицо получает больший рельеф.

Леонардо был учеником Верроккио. Став членом Гильдии Художников, он начал принимать независимые комиссии. Благодаря его широким интересам и в соответствии с его научным умом, его выходы из рисунков и предварительных исследований огромны, хотя его законченный художественный выпуск относительно невелик. Его другие памятные портреты включали в себя имена дворянских женщин Гиневра де Бэнчи и Сесилии Галлерани.

Портреты портретов Рафаэля гораздо более многочисленны, чем у Леонардо, и они показывают большее разнообразие позов, освещения и техники. Великое достижение Рафаэля, а не создание революционных нововведений, заключалось в укреплении и совершенствовании эволюционирующих течений искусства эпохи Возрождения. Он был особенно опытным в групповом портрете. Его шедевр Школа из Афины является одной из передовых групповых фресок, в которых изображены сходства Леонардо, Микеланджело, Браманте и самого Рафаэля под видом древних философов. Это был не первый групповой портрет художников. Десятилетия раньше Паоло Учелло рисовал групповой портрет, в том числе Джотто, Донателло, Антонио Манетти и Брунеллески. Когда он поднялся в известность, Рафаэль стал любимым портретистом пап. В то время как многие художники эпохи Возрождения охотно принимали портретные комиссии, несколько художников отказались от них, особенно среди соперников Рафаэля Микеланджело, которые вместо этого взяли на себя огромные комиссии Сикстинской капеллы.

В Венеция около 1500 лет, Джентиле Беллини и Джованни Беллини доминировали в портретной живописи. Они получили высшие комиссии от ведущих должностных лиц государства. Портрет Долли Лоредан Беллини считается одним из лучших портретов эпохи Возрождения и умело демонстрирует мастерство художника в новых методах масляной живописи. Беллини также является одним из первых художников в Европа подписать их работу, хотя он редко встречался с ними. Позже в 16-м веке Тициана взяла на себя ту же роль, в частности, расширив разнообразие позы и заседания его королевских подданных. Тициан был, пожалуй, первым великим детским портретистом. После того, как Тициан поддался чуме, Тинторетто и Веронезе стали ведущими венецианскими художниками, помогая переходу на итальянский маньеризм. Маньеристы внесли множество исключительных портретов, которые подчеркивали материальное богатство и элегантно сложные позы, как в работах Агноло Бронзино и Якопо да Понтормо. Бронзино сделал свою известность, изображая семью Медичи. Его смелый портрет Козимо-и-Медичи показывает строгий правитель в доспехах, с настороженным взглядом глядя на его крайний правый, в резком контрасте с большинством королевских картин, которые показывают своих ситтеров как доброкачественных государей. Эль Греко, обученный Венеция в течение двенадцати лет, пошел в более экстремальном направлении после его прибытия в Испания , подчеркивая его «внутреннее видение» няни до степени уменьшения реальности внешнего вида. Одним из лучших портретистов Италии 16-го века был Софонисба Ангуиссола из Кремоны, который влил свои индивидуальные и групповые портреты с новыми уровнями сложности.

Портреты в суде Франция началось, когда фламандский художник Жан Клоу написал свое богатое сходство с Фрэнсисом I Франция около 1525 года. Король Фрэнсис был большим покровителем художников и жадным коллекционером произведений искусства, который пригласил Леонардо да Винчи жить во Франции в его более поздние годы. Мона Лиза осталась в Франция после смерти Леонардо.

Барокко и рококо
Во времена барокко и рококо (17 и 18 веков, соответственно) портреты стали еще более важными документами о статусе и положении. В обществе, в котором все чаще доминируют светские лидеры в мощных судах, образы красиво одетых фигур были средством подтверждения авторитета важных людей. Фламандские художники сэра Энтони ван Дейка и Питера Пауля Рубенса преуспели в этом типе портретов, в то время как Ян Вермеер выпускал портреты в основном из среднего класса, работали и играли в помещении. Портрет Рубенса самого себя и его первой жены (1609 г.) в их свадебном наряде – виртуозный пример портрета пары. Рубенс слава расширилась за пределы его искусства – он был придворным, дипломатом, коллекционером и успешным бизнесменом. Его студия была одной из самых обширных в то время, в дополнение к портретной живописи, в которой работали специалисты по натюрмортам, пейзажу, животным и жанровым сценам. Ван Дейк тренировался там два года. Чарльз I из Англии сначала нанял Рубенса, затем импортировал ван Дейка в качестве своего придворного живописца, рыцарь и даровавший ему придворный статус. Ван Дейк не только адаптировал методы производства Рубенса и деловые навыки, но и свои элегантные манеры и внешний вид. Как было записано: «Он всегда великолепно одевался, располагал многочисленным и галантным снаряжением и держал в своей квартире такой благородный стол, что несколько князей не посещали больше или лучше служили». В Франция , Гиацинт Риго доминировал во многом таким же образом, как замечательный летописец королевской власти, рисуя портреты пяти французских королей.

Одним из нововведений искусства эпохи Возрождения стало улучшение выражения выражений лица, сопровождающих разные эмоции. В частности, голландский художник Рембрандт исследовал множество выражений человеческого лица, особенно в качестве одного из главных автопортреалистов (из которых он нарисовал более 60 лет своей жизни). Этот интерес к человеческому лицу также способствовал созданию первых карикатур, зачисленных в Академию Карраччи под руководством живописцев семьи Карраччи в конце 16 века в Болонье, Италия (см. Аннибале Карраччи).

Групповые портреты были выпущены в большом количестве во время барочного периода, особенно в Нидерланды , В отличие от остальной Европы, голландские художники не получали комиссий от Кальвинист церковь который запретил такие образы или из аристократии, которая практически не существовала. Вместо этого комиссии поступали от гражданских и коммерческих ассоциаций. Голландский художник Франс Галс использовал жидкие кисти яркого цвета, чтобы оживить его групповые портреты, в том числе гражданские охранники, к которым он принадлежал. Рембрандт сильно выиграл от таких комиссий и от общей оценки искусства буржуазных клиентов, которые поддерживали портретную живопись, а также живопись натюрмортов и пейзажей. Кроме того, первые значительные рынки искусства и дилера процветали в Голландия в то время.

С большим спросом Рембрандт смог поэкспериментировать с нетрадиционным составом и техникой, такими как светотень. Он продемонстрировал эти нововведения, впервые разработанные итальянскими мастерами, такими как Караваджо, особенно в его знаменитом Ночном Дозоре (1642). Урок анатомии доктора Тюльпа (1632) – еще один прекрасный пример мастерства Рембрандта в групповой живописи, в котором он купает труп в ярком свете, чтобы привлечь внимание к центру картины, в то время как одежда и фон сливаются в черное, делая лица хирурга и учеников выдающиеся. Это также первая картина, которую Рембрандт подписал со своим полным именем.

В Испания , Диего Веласкес написал Лас Менинас (1656), один из самых известных и загадочных групповых портретов всех времен. Он увековечивает память художника и детей испанской королевской семьи, и, по-видимому, сиделки – королевская пара, которые видны только как отражения в зеркале. Начав в основном жанрового живописца, Веласкес быстро поднялся до известности как придворный художник Филиппа IV, преуспевающий в искусстве портрета, особенно в расширении сложности групповых портретов.

Художники рококо, которые особенно интересовались богатым и сложным орнаментом, были мастерами изысканного портрета. Их внимание к деталям платья и текстуры повысило эффективность портретов как заветов к мирскому богатству, о чем свидетельствуют знаменитые портреты Франсуа Буше мадам де Помпадур, одетые в вздымающиеся шелковые платья.

Первыми крупными отечественными портретистами британской школы были английские художники Томас Гейнсборо и сэр Джошуа Рейнольдс, которые также специализировались на одежде своих сюжетов привлекательным образом. Голубой мальчик Гейнсборо – один из самых известных и признанных портретов всех времен, написанных очень длинными кистями и тонким масляным цветом для достижения мерцающего эффекта синего костюма. Гейнсборо был также отмечен за его сложные настройки фона для его подданных.

У двух британских художников были противоположные мнения об использовании помощников. Рейнольдс регулярно нанимает их (иногда делает только 20 процентов самой картины), в то время как Гейнсборо редко делал это. Иногда клиент извлекал залог от художника, как и сэр Ричард Ньюдегат из портретиста Питера Лили (преемник ван Дейка в Англия ), который обещал, что портрет будет «с самого начала, когда вы закончите своими руками». В отличие от точности, применяемой фламандскими мастерами, Рейнольдс подытожил свой подход к портрету, заявив, что «благодать и, как мы можем добавить, подобие, состоит больше в том, чтобы воспринимать общий воздух, чем в наблюдении за точным подобием каждой особенности «. Кроме того, Англия был Уильям Хогарт, который осмелился использовать традиционные методы, введя в свои портреты оттенки юмора. Его «Автопортрет с мопсом» явно более юмористический подход к его питомцу, чем самонадеянная живопись.

В 18 веке женщины-художники приобрели новое значение, особенно в области портретной живописи. Известными художниками-женщинами являются французский художник Элизабет Виге-Лебрен, итальянский художник-пастель Розальба Карриера и швейцарский художник Анжелика Кауфман. Также в течение этого века, до изобретения фотографии, миниатюрные портреты, написанные с невероятной точностью и часто заключенные в золотые или эмалированные медальоны, были высоко оценены.

в Соединенные Штаты , Джон Синглтон Копли, учившийся в утонченной британской манере, стал ведущим художником полноразмерных и миниатюрных портретов, особенно с его гиперреалистичными фотографиями Самуэля Адамса и Пола Ревера. Копли также известен своими усилиями по объединению портретной живописи с академически более почитаемым искусством истории живописи, в котором он пытался своими портретами знаменитых военнослужащих. Не менее известным был Гилберт Стюарт, который написал более 1000 портретов и был особенно известен своей портретной портретией президента. Стюарт написал более 100 реплик Джорджа Вашингтона. Стюарт работал быстро и использовал более мягкие, менее подробные мазки кисти, чем Копли, чтобы уловить суть своих подданных. Иногда он делал несколько версий для клиента, позволяя ситтеру выбирать своих любимых. Считая, что его розовые оттенки скулы, Стюарт писал: «Плоть не похожа ни на какую другую субстанцию ​​под небом, она имеет все веселье магазина шелкового мерцателя без его блеска блеска и всей мягкости старого красного дерева без его печали». Другими выдающимися американскими портретистами колониальной эпохи были Джон Смиберт, Томас Салли, Ральф Эрл, Джон Трамбулл, Бенджамин Уэст, Роберт Феке, Джеймс Пил, Чарльз Уиллсон Пил и Рембрандт Пил.

19 век
В конце 18-го и начале 19-го века неоклассические художники продолжили традицию изображать предметы в последних моделях, которые к тому времени для женщин означали прозрачные платья из древнегреческих и римских стилей одежды. Художники использовали направленный свет для определения текстуры и простой округлости лиц и конечностей. Французские художники Жак-Луис Дэвид и Жан-Огюст-Доминик Энгр продемонстрировали виртуозность в этой технике рисования, а также острый взгляд на характер. Ингрес, ученик Давида, примечателен своими портретами, в которых зеркало окрашено за предметом, чтобы имитировать вид сзади объекта. Его портрет Наполеона на его императорском троне – это экскурсия по королевской портретной живописи. (см. Галерею ниже)

Романтические художники, которые работали в первой половине XIX века, рисовали портреты вдохновляющих лидеров, красивых женщин и волнующихся предметов, используя живые мазки кисти и драматическое, иногда капризное освещение. Французские художники Эжен Делакруа и Теодора Жерико рисовали особенно прекрасные портреты этого типа, особенно лихие всадники. Заметный пример художника романтического периода в Польша , который практиковал портрет верховой езды, был Петр Михаловский (1800-1855). Также стоит упомянуть серию портретов психических пациентов Герико (1822-1824). Испанский художник Франсиско де Гойа написал некоторые из самых поисковых и провокационных образов того периода, включая La maja desnuda (1797-1800), а также знаменитые портреты суда Карла IV.

Художники-реалисты XIX века, такие как Густав Курбе, создали объективные портреты, изображающие людей низшего и среднего класса. Демонстрируя свой романтизм, Курбе написал несколько автопортретов, демонстрирующих себя в разных настроениях и выражениях. Другие французские реалисты включают Honoré Daumier, который произвел много карикатур на своих современников. Анри де Тулуз-Лотрек запечатлел некоторых известных исполнителей театра, в том числе Джейн Аврил, захватив их в движение. Французский художник Эдуард Мане, был важным переходным художником, чья работа колеблется между реализмом и импрессионизмом. Он был портретистом выдающейся проницательности и техники, а его картина Стефана Малларме была хорошим примером его переходного стиля. Его современник Эдгар Дега был в основном реалистом, а его картина «Портрет семьи Беллелли» – это проницательный образ несчастливой семьи и один из его лучших портретов.

В Америка , Томас Икинс воцарился в качестве главного художника-портретиста, воплотив реализм на новый уровень откровенности, особенно с его двумя портретами хирургов на работе, а также с атлетами и музыкантами в действии. Во многих портретах, таких как «Портрет миссис Эдит Маон», Икинс смело передает нелестные эмоции печали и меланхолии.

Реалисты в основном сменили импрессионистов к 1870-м годам. Отчасти из-за их скудных доходов многие из импрессионистов полагались на семью и друзей, чтобы моделировать их, и они рисовали интимные группы и отдельные фигуры как на открытом воздухе, так и в освещенных интерьерах. Отмеченные для их мерцающих поверхностей и богатых красок краски, портреты импрессионистов часто обезоруживают интимную и привлекательную. Французские художники Клод Моне и Пьер-Огюст Ренуар создали некоторые из самых популярных изображений отдельных ситтеров и групп. Американский художник Мэри Кассатт, который обучался и работал в Франция , популярен даже сегодня за ее привлекательные картины матерей и детей, как и Ренуар. Поль Гоген и Винсент Ван Гог, оба постимпрессионисты, расписывали портреты людей, которых они знали, кружась в цвете, но не обязательно льстив. Они одинаково, если не больше, празднуются своими мощными автопортретами.

Джон Сингер Сарджент также повлиял на изменение века, но он отверг откровенный импрессионизм и пост-импрессионизм. Он был самым успешным художником-портретистом своей эпохи, используя в основном реалистичную технику, часто излучаемую блестящим использованием цвета. Он был в равной степени увлечен индивидуальными и групповыми портретами, особенно семей с высшим классом. Сарджент родился в Флоренция , Италия американским родителям. Он учился в Италия а также Германия , И в Париж , Сарджент считается последним крупным экспонентом британской портретной традиции, начиная с ван Дейка. Другой выдающийся американский портретист, который обучался за границей, был Уильям Мерритт Чейз. Американский художник-художник Сесилия Бо, названный «женщиной Сарджент», родился отцом Франции, учился за границей и добился успеха на родине, придерживаясь традиционных методов. Другим портретистом по сравнению с Сарджентом за его пышную технику был парижский художник из Италии Джованни Болдини, друг Дега и Уистлера.

Американский музыкант-интернационалист Джеймс Эбботт МакНил Уистлер был хорошо связан с европейскими художниками, а также написал несколько необычных портретов, наиболее известный его «Композиция в сером и черном, мать художника» (1871), также известная как «мать Уистлера». Даже с его портретами, как и с его тональными пейзажами, Уистлер хотел, чтобы его зрители сосредоточились на гармоничном расположении формы и цвета в своих картинах. Уистлер использовал приглушенную палитру для создания своих предполагаемых эффектов, подчеркивая цветовой баланс и мягкие тона. Как он сказал, «поскольку музыка – это поэзия звука, так рисуется поэзия зрения, и предмет не имеет ничего общего с гармонией звука или цвета». Форма и цвет также были центральными в портретах Сезанна, а еще более экстремальный цвет и техника кисти доминируют над портретами Андре Дерена и Анри Матисса.

Развитие фотографии в XIX веке оказало значительное влияние на портретную живопись, вытеснив более раннюю камеру-обскуру, которая ранее использовалась в качестве помощи в живописи. Многие модернисты стекались в студию фотографии, чтобы сделать свои портреты, в том числе Бодлера, который, хотя он провозгласил фотографию «врагом искусства», оказался привлекательным для откровенности и могущества фотографии. Предоставляя дешевую альтернативу, фотография вытеснила большую часть самого низкого уровня портретной живописи. Некоторые художники-реалисты, такие как Томас Икинс и Эдгар Дега, с энтузиазмом относились к фотосъемке и обнаружили, что это полезная помощь композиции. Из импрессионистов в портрете художники-портреты нашли множество способов переосмыслить портрет, чтобы эффективно конкурировать с фотографией. Сарджент и Уистлер были среди тех, кто стимулировал расширить свою технику, чтобы создать эффекты, которые камера не могла захватить.

20 век
Другие художники начала XX века также расширили репертуар портрета в новых направлениях. Фовист-художник Анри Матисс создал мощные портреты, используя неестественные, даже яркие цвета для оттенков кожи. Сезанн полагался на очень упрощенные формы в своих портретах, избегая деталей, подчеркивая при этом сопоставления цветов. Уникальный стиль австрийского Густава Климта применил к его незабываемым портретам византийские мотивы и золотую краску. Его ученик Оскар Кокошка был важным портретистом венского высшего класса. Пролонгированный испанский художник Пабло Пикассо написал много портретов, в том числе несколько кубистических изображений своих любовниц, в которых подобие предмета сильно искажено, чтобы достичь эмоционального высказывания, выходящего за рамки обычной карикатуры. Выдающейся женщиной-портретистом рубежа 20-го века, связанной с французским импрессионизмом, была Ольга Бознаньска (1865-1940). Художники-экспрессионисты представили одни из самых навязчивых и неотразимых психологических исследований, когда-либо созданных. Немецкие художники, такие как Отто Дикс и Макс Бекманн, выпустили заметные примеры экспрессионистской портретной живописи. Бекманн был плодовитым автопортретистом, производящим по меньшей мере двадцать семь. Амедео Модильяни написал много портретов в своем вытянутом стиле, который обесценил «внутреннего человека» в пользу строгого изучения формы и цвета. Чтобы помочь в этом, он снял подчеркнутые нормальные глаза и брови до черных прорезей и простых арки.

Британское искусство представляли виртгисты, которые нарисовали некоторые заметные портреты в начале 20-го века. Художник Dada Фрэнсис Пикабия выполнил множество портретов своим уникальным способом. Кроме того, портреты Тамары де Лемпицки успешно захватили эпоху Ар-деко с ее обтекаемыми кривыми, богатыми цветами и острыми углами. В Америка , Роберт Анри и Джордж Беллоуз были прекрасными портретистами 1920-х и 1930-х годов американской реалистической школы. Макс Эрнст привел пример современного коллегиального портрета с его картиной 1922 года «Все друзья вместе».

Значительный вклад в развитие портретной живописи 1930-2000 годов внесли российские художники, в основном работающие в традициях реалистической и образной живописи. Среди них следует назвать Исаак Бродский, Николай Фехин, Абрам Архипов и другие.

Портретное производство в Европе (за исключением Россия ) и Северные и Южная Америка как правило, уменьшились в 1940-х и 1950-х годах, что стало следствием растущего интереса к абстракции и нефигуристическому искусству. Единственным исключением, однако, был Эндрю Уайет, который превратился в ведущего американского реалистического портретиста. С Уайтом реализм, хотя и явный, вторичен по отношению к тональным качествам и настроению его картин. Это точно продемонстрировано его знаковой серией картин, известных как картины «Хельга», самая большая группа портретов одного человека от любого крупного художника (247 исследований его соседки Хельги Тестерфор, одетые и обнаженные, в разной обстановке, написанные во время период 1971-1985 гг.).

К 1960-м и 1970-м годам возрождалась портретная живопись. Английские художники, такие как Люциан Фрейд (внук Зигмунда Фрейда) и Фрэнсис Бэкон, создали мощные картины. Портреты Бэкона отличаются своим кошмарным качеством. В мае 2008 года портрет Фрейда 1995 года Supervisor Sleeping был продан на аукционе Christie’s in Нью-Йорк за 33,6 миллиона долларов, установив мировой рекорд для продажи картины живописец. Многие современные американские художники, такие как Энди Уорхол, Алекс Кац и Чак Клоуз, сделали человеческое лицо фокусом своей работы. Примером может служить картина Уорхола Мэрилин Монро. Особенностью замка были огромные, сверхреалистичные «голова» портретов на стенах, основанные на фотографических изображениях. Джейми Уайет продолжает реалистичную традицию своего отца Андрея, создавая знаменитые портреты, сюжеты которых варьируются от президентов до свиней.

Портретная живопись — история жанра

История портретной живописи насчитывает множество веков. Изображение человека было популярно еще в древности. Первые образцы портретов имели скульптурное исполнение и относятся к древнеегипетской культуре. Затем портрет развивался в античный период, на протяжении которого художники достигли значительных высот.


Фаюмские портреты I-III век

Средневековье вызвало упадок данного жанра. Новые открытия в портретной живописи были сделаны в эпоху Возрождения. В наши дни портрет пишут с помощью различных средств и техник.


Портреты средневековья


Тенденции, повлиявшие на развитие жанра

  • Улучшение изобразительных навыков. Рост мастерства художников и овладение приемами реалистичного изображения позволили легко решать различные художественные задачи. По мере совершенствования портрета усложняется его композиция и формат.
  • Повышение уровня веры в возможности отдельного человека и его разума.

Задача жанра – как можно реалистичнее воспроизвести натуру. Способ, при помощи которого художник добивался портретного сходства, всегда зависел от идеи и выбранного жанра.


Портреты эпохи Ренессанса

Для развития портрета характерны:

  • Демократизация. Если ранее собственное изображение мог заказать только представитель аристократии, то сейчас это доступно любому человеку.
  • Увеличение размеров. В самом начале изображения человека делались небольшими и хранились в ящиках. Со временем их роль возросла и они стали полноценным элементом декора интерьера.

Портреты XVII-XIX века

Многие хотят украсить дом или квартиру собственным портретом. Заказать портрет или портрет по фото можно в галерее искусств Мир Искусства.



Портреты XX век

Конспект урока по изобразительному искусству в 8 классе на тему «Портрет 20 века»

8 класс

Урок изобразительного искусства на тему:

«Портрет в живописи ХХ»

Цели: познакомить учащихся с ролью и местом живописного портрета в истории искусства, обобщённым образом человека в живописи Возрождения, в XVI-XIX и XX веках; учить составлять композицию в портрете; совершенствовать технику работы карандашом, красками; развивать приёмы изображения человека, наблюдательность; воспитывать интерес к человеку, творчеству, созиданию.

Оборудование: репродукции картин Рафаэля «Сикстинская мадонна», Мадонна Конестабиле», скульптуры Микеладжело «Давид»; образец педагогического рисунка.

Ход урока

  1. Организация урока.

    1. Приветствие.

    2. Проверка готовности учащихся к уроку.

  1. Сообщение темы урока.

Учитель. Сегодня мы сделаем ещё один шаг к освоению техники работы над живописным портретом. Вы познакомитесь с историей изображения образа человека в живописи, научитесь решать композиционные задачи.

  1. Повторение изученного материала.

    1. Беседа по вопросам:

Учитель. Что такое автопортрет?

Ученики. Автопортрет – это портрет, на котором художник написал самого себя. Написал, всматриваясь в зеркале в черты своего лица, изучая его. Внимательно присматриваясь к своей модели, художник отражает на полотне то, что ему представляется самым главным в ней. Поэтому автопортрет – это не только внешнее сходство с оригиналом.

Учитель. Великий голландский мастер XVII века Рембрандт ванн Рейн написал много автопортретов. Смотря на них, как будто читаешь историю его жизни.

Писали себя почти все художники. Карл Брюллов, автор картины «Последний день Помпеи», создал автопортрет, будучи тяжело больным. В изнеможении он полулежит в кресле, рука его бессильно упала, на красном фоне чётко выделяется бледное лицо. Всматриваясь в картину, понимаешь, что человек этот болен, надломлен.

Валентин Серов, замечательный художник, необыкновенно честный человек и в жизни, и в искусстве, в автопортрете изобразил вдумчивое лицо молодого человека. И самое значительное в лице – глаза. Они смотрят зорко и внимательно.

Кто такой анималист?

Ученики. Анималист (от латинского animal, что значит «животное») – это художник, изображающий животных.

Животный мир бесконечно разнообразен и красочен. Но рисовать животных не так-то просто – позировать они не станут. Анималисту приходится усердно наблюдать и изучать их повадки, характер.

Учитель. Чудесные рисунки к басням И. А. Крылова сделал известный нам художник Валентин Серов. Тут и доверчивая ворона с сыром в клюве, и хитрая лиса, и нескладный квартет. Из современных мастеров кисти можно отметить и Василия Алексеевича Ватагина – он не только рисовал животных, но и вырезал их изображения из дерева или из камня, и Евгения Ивановича Чарушина. Кто из нас не помнит его пушистого медвежонка, его по-детски раскрытые и немного удивлённые глаза!

Что такое бюст?

Ученики. Бюст – изображение людей по грудь, в мраморе, бронзе или дереве.

Учитель. Объясните понятие «жанр в живописи».

Ученики. Художники пишут разные картины. На одних мы видим природу, на других – людей, третьи рассказывают о самых повседневных, обыденных вещах. И вот по содержанию картин их стали делить на жанры.

Василий Иванович Суриков увлекался русской историей. Его произведения – «Утро стрелецкой казни», «Боярыня Морозова» и другие – посвящены событиям прошедших веков. Поэтому мы говорим, что это картины исторического жанра.

Художников, которые любят рисовать море, называют маринистами – от латинского «marinus», что значит «морской». Самым крупным из русских маринистов был И. К. Айвазовский. Всю свою жизнь он изображал море, то бурное в пене волн, то тихое и безмятежное.

Произведения, на которых изображены военные эпизоды, относятся к особому жанру – батальному. Художник, который пишет на батальные темы, называется баталистом. Баталистами были русские художники В. В. Верещагин, М. Б. Греков.

Существуют ещё и другие жанры – натюрморт, пейзаж, портрет.

Учитель. Что представляют собой зарисовки?

Ученики. Где бы ни был художник: среди природы, в колхозе, на заводе – повсюду он старается запомнить, запечатлеть всё увиденное. Как писатель записывает поразившее его слово, выражение, мысль, так художник зарисовывает на листе бумаги или в альбоме то, на чём остановился его внимательный глаз. Эти рисунки с натуры называются зарисовками.

Учитель. Объясните значение слова «палитра».

Ученики. Каждый художник видит мир по-своему и по-своему изображает его. У многих есть излюбленные краски и их сочетания.

Иногда про художника говорят: «Какая у него богатая палитра», — это значит, что живопись этого художника отличается богатым цветом. А про другого говорят: «У него содержательная палитра». Такой художник предпочитает вводить в свои картины небольшое количество цветов. А вообще-то палитра – это тонкая доска прямоугольной или овальной формы с вырезом для большого пальца. Палитрой художник пользуется, работая масляными красками. Палитру держат на левой руке. По внешнему краю её художник выдавливает краски из тюбиков, а в середине палитры он смешивает их.

Учитель. В посёлке Репино под Санкт-Петербургом есть «Пенаты» — музей великого русского художника Ильи Ефимовича Репина. В этом доме он жил и работал в течение многих лет. В музее можно увидеть и его палитру. Писатель Корней Иванович Чуковский, большой друг Репина, рассказывал, что художник питал к краскам особую любовь. Каждый день рано утром Репин приходил в свою мастерскую, радуясь при мысли, что сейчас возьмёт в руки кисти, палитру и начнёт писать красками.

Когда родилось искусство портрета и как оно развивалось?

Ученики. Искусство портрета родилось несколько тысячелетий назад. Первые изображения человека не были написаны красками. Это были огромные каменные изваяния египетских фараонов.

Изображение лица человека в скульптуре или живописи всегда увлекало художников, но в некоторые эпохи жанр портрета расцветал особенно. Так было в Древнем Риме и в эпоху Возрождения. Но величайший расцвет портретной живописи приходится на XVII век, подаривший миру таких великих мастеров, как голландцы Рембрандт Харменс ван Рейн и Франс Гальс, фламандец Антонис ван Дейк или испанский художник Диего Веласкес.

В России расцвет портретного искусства начался в XVIII веке. Ф. Рокотов, Д. Левицкий, В. Боровиковский создавали изысканные и утончённые портреты блестящих аристократов. К портретам людей, прославившихся не знатностью, а талантом, любовью к народу, обратились русские художники XIX века. Их портреты поражают не внешним блеском, а правдивым обликом человека.

Много великолепных портретов создали И. Репин, В. Серов. Они создали для нас образы современников.

    1. Проверка домашнего задания.

Учащиеся зачитывают (рассказывают) подготовленные сообщения, рефераты о жизни и творчестве И. Е. Репина.

  1. Изучение нового материала.

    1. Рассказ учителя.

Поговорим о роли и месте живописного портрета в истории искусства.

Античная система, творчески переосмысленная итальянскими архитекторами и художниками, внесла в архитектуру и изобразительное искусство соразмерность, ясность композиции.

Героем античных мастеров являлся прекрасный человек, величие духа которого вызывало восхищение. И итальянские художники подхватили и развили это отношение. Их героем стал не средневековый аскет и христианский мученик, а жизнелюбивый и мужественный человек, стремившийся не к райскому блаженству, а к земному счастью. И хотя художники продолжали писать произведения на библейские и религиозные сюжеты, картины их теперь были скорее похожи на сцены из реальной жизни.

Знаменитый итальянский художник Рафаэль Санти (1483-1520 гг.) написал картину «Сикстинская мадонна».

В образе пресвятой богородицы он изобразил совсем юную женщину с ребёнком на руках. В её глазах столько тревоги, она так бережно прижимает к груди сына, что традиционную для его предшественников библейскую сцену и образ богородицы мы воспринимаем как гимн, прославляющий прекрасное чувство материнской любви.

Близка по изображению, проникновенна и нежна «Сикстинской мадонне» другая картина Рафаэля «Мадонна Конестабиле» (около 1504 года).

Другой крупнейший художник эпохи Возрождения – Микеланджело Буонаротти (1475-1564 гг.) в 1504 году создал статую Давида. Скульптор изобразил библейского персонажа как борца за свободу. Но его сильная, мужественная фигура лишь внешне напоминает греческих атлетов. В статуе Микеланджело есть то, что было недоступно античным художникам, — внутреннее напряжение. Давид не скрывает своих чувств, его лицо дышит гневом.

Мастера Возрождения умели передавать тончайшие нюансы переживаний своих героев. Не случайно, что многие художники пытались передать улыбку «Джоконды», модели Леонардо да Винчи. Отличающее мастеров Возрождения чувство гармонии и естественной простоты также стало образом для мастеров более позднего времени.

  1. Актуализация знаний.

Учитель. Сегодня на уроке вы будете экспериментировать, делая зарисовки различных композиций портретов, добиваясь при этом большей выразительности.

Как вы будете изображать человека – в полный рост, погрудно или только голову – решать вам самим, то есть я предоставляю вам право выбора, как изображать портрет, какой его вид использовать, а также полную самостоятельность в количественном отношении зарисовок. Главная ваша задача – приблизиться к максимальному образному выражению в своих рисунках.

Физкультминутка

Формулы психомышечной тренировки:

      1. Я расслабляюсь и успокаиваюсь.

      2. Мои руки расслабляются и теплеют.

      3. Мои руки, полностью расслабленные… тёплые… неподвижные.

      4. Мои ноги расслабляются и теплеют.

      5. Мои ноги, полностью расслабленные… тёплые… неподвижные.

      6. Моё туловище расслабляется и теплеет.

      7. Моё туловище, полностью расслабленное… тёплое… неподвижное.

      8. Моя шея расслабляется и теплеет.

      9. Моя шея, полностью расслабленная… тёплая… неподвижная.

      10. Моё лицо расслабляется и теплеет.

      11. Моё лицо, полностью расслабленное… тёплое… неподвижное.

      12. Состояние приятного (полного, глубокого) покоя.

В процессе овладения методом психомышечной тренировки каждую предварительную формулу, вызывающую два ощущения – расслабленности и тепла, можно осмысливать по два, четыре, шесть раз подряд. Причём делать это надо очень неторопливо, даже в специальном замедленном темпе и, конечно, с соответствующими интонациями.

  1. Практическая работа.

Задание. Выполнить зарисовки композиций портретов с натуры (работа карандашом).

Во время практической работы учитель делает целевые обходы:

  1. контроль организации рабочего места;

  2. контроль правильности выполнения приёмов работы;

  3. оказание помощи учащимся, испытывающим затруднения;

  4. контроль объёма и качества выполненной работы.

  1. Итог урока.

  1. Выставка работ учащихся.

  2. Заключительное слово.

Учитель. Выполняя сегодняшнее задание, вы учились решать композиционные задачи при рисовании портретов. По вашим рисункам видно, что тема урока вами усвоена, вы хорошо соблюдаете пропорции при рисовании головы человека, а некоторые из вас ищут свои средства выражения образности, выразительности, оригинальности.

  1. Решение кроссворда с ключевым словом «портрет».

Задание к кроссворду:

    1. В изобразительном искусстве соразмерность всех частей тела человека.

    2. Один из самых известных портретов Леонардо да Винчи.

    3. Автор известного портрета «Девочка с персиками».

    4. Автор портрета А. С. Пушкина, на который поэт откликнулся следующими стихотворными строками:

Себя как в зеркале я вижу,

Но это зеркало мне льстит.

Оно гласит, что не унижу

Пристрастья важных аонид.

    1. Человек, позирующий художнику при работе над произведением.

    2. Портрет художника, выполненный им самим.

П

Р

П

О

Р

Ц

И

И

О

О

Ж

Д

К

О

Н

Д

А

Р

С

Е

О

В

Т

Р

П

К

Е

И

Н

С

К

И

Й

Е

О

Л

Д

Ь

М

Т

В

А

О

П

О

Р

Т

Р

Е

Т

Домашняя работа: подобрать информацию по теме урока; по желанию подготовить рассказ об одном портрете (сведения о модели, анализ картины, сведения об её создании, личные впечатления и др.) любого художника, который наиболее привлёк ваше внимание и вызвал к нему интерес.

Дополнительный материал к уроку

Высказывания художников о портрете:

Похожий портрет – это такой портрет, который внутренне похож, который даёт представление о душевной сути данного человека. И тут нужно предоставить художнику право отражать своё понимание этой сути. Иначе незачем обращаться к живописцу, а нужно идти к фотографу.

Б. М. Кустодиев

Любое человеческое лицо так сложно и своеобразно, что в нём всегда можно найти черты, достойные художественного воспроизведения – иногда положительные, иногда отрицательные.

В. А. Серов

Можно ли уловить душу человека, пришедшего именно с той целью, чтобы с него писали портрет? Что такое выражает лицо его во время сеанса? Чем он занят? Чем развлечён? Сидит, не смея шевельнуться. Великие художники имеют способность прозирать и улавливать душу даже в такие глупые моменты бессмысленной неподвижности. Впрочем, я всё-таки полагаю, что портрет должен быть исторической картиной, в которой изображаемое лицо было бы действователем: тогда только в нём будет смысл, жизнь, виден характер того, с кого пишут.

П. А. Федотов

В ГИМе открылась выставка «Аристократический портрет в России XVIII – начала XX века»

Подробности
Категория: Выставки
Опубликовано: 28 февраля 2019
Просмотров: 2998

В Государственном историческом музее открылась выставка «Аристократический портрет в России XVIII – начала XX века». В экспозицию вошло более сотни картин кисти отечественных и зарубежных художников. Это – уникальные исторические источники, позволяющие воспринимать ушедшие эпохи образно – во всей детализации, многогранности и глубине, ведь портрет в первую очередь расценивался как послание потомкам.

«Каждый портрет – это не только творчество и мастерство художника, это эпоха. Потому что ничто лучше портрета не отражает то время, когда он создавался. Костюм, лицо, жизнь, персона – всё это соединено. На этой выставке вы увидите прекрасных представителей знаменитых русских аристократических родов – Долгоруковых, Шереметевых, Юсуповых. И уникальность заключается в том, что выставка позволяет проследить их на очень большом хронологическом отрезке времени»,

– сказал на открытии экспозиции директор Государственного исторического музея Алексей Левыкин.

На выставке представлены работы выдающихся русских портретистов – Фёдора Рокотова, Дмитрия Левицкого, Валентина Серова, Константина Маковского. В экспозиции есть и по-настоящему редкие шедевры зарубежных живописцев, например, портрет графа Зубова кисти известного итальянского портретиста Джованни Больдини – единственный, находящийся в собраниях отечественных музеев.

Большая часть работ не экспонировалась несколько десятилетий. А некоторые предстают перед зрителями впервые: среди них приобретённый музеем в 2015 году портрет графа Бестужева-Рюмина, относящийся к середине XVIII века – копия с несохранившегося оригинала. При её исследовании было выявлено новое, ранее неизвестное имя в истории русской живописи – Иван Родионов.

В ГИМе открылась выставка «Аристократический портрет в России XVIII – начала XX века»

Основа коллекции аристократического портрета из собрания Исторического музея была заложена в конце XIX века. Коллекция значительно пополнилась в 1905 году за счёт поступления собрания Музея российских древностей П.И. Щукина. Но подавляющее большинство портретов было передано в Исторический музей после революции из национализированных дворянских усадеб, особенно много произведений из родовых имений Московской губернии – Голицыных, Шаховских, Долгоруких, Волконских.

Текст: Анна Хрусталева

Фото: ГИМ

Живопись XVIII-XIX вв.

В Сергиево-Посадском музее находится небольшая, но достаточно интересная коллекция живописи, которая состоит из произведений XVIII – начала XX века, а также живописные работы сергиевопосадских художников XX — XXI веков. Состав коллекции неоднороден; в лучшей части ее прекрасные образцы портретной живописи XVIII века, различные по художественным методам и принципам портреты XIX века, редкие аллегории, пейзажные этюды XIX века, значительная часть работ современных художников – произведения с иконографией Троице-Сергиевой лавры и города, пейзажи, натюрморты и портреты.

В музее есть полотна и неизвестных живописцев. Часть произведений создана художниками, игравшими незначительную роль в развитии русской живописи ХVIII и XIX веков; часть произведений позволяет говорить о живописной мастерской Троице-Сергиева монастыря, существовавшей с ХVIII века и закончившей свою деятельность в начале XX столетия. Коллекция живописи конца XIX-XXI вв., являющаяся логическим продолжением и завершением собраний изобразительного искусства Древней Руси и Нового времени, даёт прекрасную возможность проследить развитие художественных традиций Сергиева Посада за всё предшествующее столетие.

  Высшим достижением русской художественной культуры в XVIII и XIX вв. стал портрет. В нем воплотились поиски места и значения человека в окружающем мире, внимание к человеческой личности, новое понимание этической, гражданской и нравственной ценности человека и его внутреннего состояния. К произведениям петровского времени относится портрет царицы Прасковьи Федоровны Салтыковой (1664—1723), жены царя Иоанна Алексеевича, приписываемый кисти известного художника первой трети XVIII в. Ивана Никитича Никитина (ок. 1680— ок. 1742).

Галерея Лавры создавалась разными художниками, как столичными, так и лаврскими. В коллекции музея находится портрет царя Иоанна Алексеевича, который является погрудной копией большого портрета, созданного в конце ХVII века, находившегося в Романовской галереи Зимнего дворца. Возможно, образцом для портрета была гравюра, созданная Филиппо Джорджио Маттарнови. Многие десятилетия своей творческой жизни с Троицкой обителью и ее деятелями был связан крупнейший русский художник XVIII в. Алексей Петрович Антропов (1716— 1795). В период между 1744 и 1751 гг. он трудился над парадным портретом императрицы Елизаветы Петровны, который писал для Царских чертогов по заказу Синода. В 1762 г. им написаны для Лавры коронационные портреты Петра III и Екатерины II, а в 1770—80-е годы — троицкого архимандрита и Московского митрополита Платона Левшина.

Среди портретов венценосных особ больше всего в коллекции музея изображений Екатерины II. Это объясняется особо теплыми отношениями, существовавшими между ней и митрополитом Платоном. Он был возведен императрицей в высший духовный сан и поставлен ею законоучителем к наследнику. Среди них — превосходный по живописи, цельный и стилистически выдержанный портрет юной великой княгини Екатерины Алексеевны, будущей императрицы Екатерины II. Позже, после коронации отдельные детали были переписаны: на голове появилась корона, вместо красной ленты – голубая, андреевская, цветок замене на жезл. Для галереи Архимандричьего дома Троице-Сергиевой лавры был создан ( предположительно художником Л.К. Пфандцельтом) и портрет Петра Федоровича (1728-1762), будущего императора Петра III.

Парадный портрет великого князя Павла Петровича в рост, на котором великий князь изображен в адмиральском мундире, приписывается В.Эриксену и создавался в 60-е годы ХVIII века. Портрет был подарен законоучителю наследника митрополиту Платону Левшину и украшал приемный зал его Вифанской резиденции. Есть ещё один портрет великого князя Павла Петровича, который предположительно выполнен известным живописцем Жан-Луи Вуалем, датируется концом ХVIII века.  В коллекции музея находится интересный овальный портрет императрицы Екатерины II середины XVIII в., приписываемый кисти В.Боровиковского.

В монастырском собрании находилось значительное количество портретов настоятелей Троице-Сергиевой Лавры и других священнослужителей, большая часть которых была передана в РПЦ. В музейной коллекции сохранилось лишь несколько портретов митрополита Платона, а также архимандритов Гедеона Криновского, Лаврентия Хоцятовского, Августина Виноградского и др. Почти все они написаны неизвестными художниками с разной степенью мастерства. Типичным парадным портретом из собрания Троице-Сергиевой лавры является портрет митрополита Платона, изображённого одетым в дорогие одежды и роскошную митру вклада Елизаветы Петровны 1744 года. На груди Платона две панагии, одна из которых лаврская бриллиантовая, а вторая подарена Платону в 1775 году Екатериной II и Потёмкиным.


  
С лаврской коллекцией связана и одна из самых ранних работ ученика А. П. Антропова Петра Дрожжина, начавшего свой творческий путь, видимо, в Троице-Сергиевой лавре, где он учился у лаврского живописца П. Казановича. Портрет архимандрита Лаврентия Хоцятовского написан в 1765 году, когда Дрождин был учеником Антропова. Следует отметить портрет архимандрита Троице-Сергиевой лавры Гедеона Криновского, созданного в мастерской ТСЛ между 1770-1775 гг.

Портреты членов царской фамилии продолжают появляться в Троице-Сергиевой лавре и в XIX веке. Нередко они являются профессионально выполненными копиями русских художников с оригиналов иностранных живописцев. Среди них можно отметить два небольших портрета с изображениями императоров: Александра I в стиле французского живописца Жерара и Николая I в стиле немецкого художника Крюгера

В начале XIX века был написан двойной портрет императора Александра I с императрицей Елизаветой Алексеевной, аллегорически отражающий события войны 1812г . Эта картина носит условное название «Мир Европы». Вероятно, образы подсказаны гравюрами С.Кардели и А.Афанасьева «Александр I освобождает Францию и восстанавливает мир в Европе» или «Мир Европы». Аллегория решена в портретной форме четы русских императора и императрицы с масличной ветвью в руках и комментирующей надписью рядом с изображением.

Среди музейной коллекции XVIII в., где, в основном, находятся портреты, выделяется картина Ф.М.Матвеева «Итальянский пейзаж», написанная в Риме на рубеже XVIII-XIX вв. В качестве пенсионера Академии Художеств, получившего большую золотую медаль, он отправился в Италию в 1779 году, но так и не смог вернуться на родину. Современники, знавшие Матвеева в Риме, высоко ценили его творчество, считая его лучшим пейзажистом своего времени.

Кисти популярного в России в середине XIX века немецкого художника Карла Лаша принадлежит портрет Льва Арнольди, написанный в несколько романтическом духе. Для портрета характерны профессионализм письма, достоверность изображения, умение понравиться заказчику, что свойственно манере Карла Лаша. 

На рубеже XVIII-XIX вв. все большее значение приобретает камерный портрет. Они нередко украшали интерьеры дворянских усадеб и купеческих домов. К их числу можно отнести два портрета: неизвестной в чепце и косынке и неизвестного с орденом св. Владимира и крестом св.Анны, стилистически относящиеся к концу ХVIII века. Они поступили в музей, скорее всего, во время работы комиссии по охране лавры, и их происхождение, возможно, связано с обследованием окрестных усадеб.

Некоторые портреты XIX века связаны с именами малоизвестных или неизвестных художников. Интересным произведением является портрет неизвестной в белом чепце. Он датируется 30 -ми годами XIX века, когда были модны платья с широкими рукавами — жиго и воздушные косынки. Портрет привлекает гармонией светлого образа миловидной женщины и изысканного колористического решения всех деталей одежды.

Уровень отдельных произведений позволяет отнести их к группе так называемой «второй культуры», то есть культуры разночинной городской или сельской среды. Эти портреты обычно выполнялись непрофессиональными живописцами, чье искусство отвечало вкусам растущего купеческого сословия. В нашей коллекции к группе городского «бытового» или так называемого «примитивного» портрета относятся изображения Сергиевского почтмейстера и его жены. Название портретов условно и дано в связи с тем, что в руке мужчина держит письмо.


Следующая группа полотен объединяет живописные произведения, в основу сюжетов которых положены исторические события. Исторический жанр являлся главным в иерархии жанров Академии Художеств. В его лучших образцах художники выразили идеалы своего времени, наполнив композиции героическим, романтическим и мелодраматическим содержанием. В музейном собрании два полотна иллюстрируют историю Троице-Сергиева монастыря начала XVII в.: эскиз к картине С. Д. Милорадовича (1852-1943) «Осада Троице-Сергиева монастыря» 1894 года и картина М.И. Скотти (1814-1861) «Дионисий Зобниновский вручает патриотическую грамоту» 1851 г. Дионисий Зобниновский, архимандрит ТСЛ, вручает патриотическую грамоту с призывом к горожанам идти на помощь к Москве, воину, который принимает свиток от Дионисия.

К историческому жанру относится портрет «Николай I в Серапионовой палатке Троице-Сергиевой Лавры», написанный троицким мастером, свидетельствует о посещении Лавры императором в 1834 году.


Около двадцати произведений составляют группу памятников, основой сюжета которых является христианская или светская аллегория. Большинство из них выполнены, по-видимому, в мастерской Троице-Сергиева монастыря. Наиболее ранним произведением является картина «Моление Гедеона», которая датируется серединой ХVIII века и связана с заказом архимандрита лавры Гедеона Криновского. Сложная аллегория заложена и в сюжете картины «Восхваление дел Екатерины II», созданной скорее всего в самом конце ХVIII или начале XIX века. Аллегория восхваляет не только государственные, просветительские, но и духовные дела императрицы.

К символико-религиозной теме принадлежит картина В.Л.Боровиковского «Сон Боровиковского», написанная в 1824 году незадолго до смерти. Последний период художника отмечен мистическими религиозными настроениями, выливавшиеся в формы видений, которые художник стремился определить и обозначить и средствами своего искусства.


В коллекции музея находятся единичные полотна и этюды известных русских художников конца XIX и начала ХХ столетия. Жемчужиной собрания является картина И.К.Айвазовского «Прибой». Созданная в последние годы творчества (на ней стоит авторская дата «1895» год), она свидетельствует о колористическом даре выдающегося мариниста, фантастической способности передавать цветовые и световые нюансы морской глади и морского воздуха.

Среди этюдов выделяется небольшой этюд А.К. Саврасова 1880-х гг. с изображением любимого художником переходного состояния природы – начала весны. Пейзаж отличается простотой мотива, который подчеркивает его замечательные живописные качества. Его колорит построен на сочетании многочисленных оттенков серого цвета, прекрасно передающих рыхлый подтаявший снег, прозрачный весенний воздух, дымку облаков.

Эмоциональное восприятие природы характерно и для небольшого лиричного пейзажа Г.Ф. Ярцева «Пруд в имении Трубецких «Ахтырка», написанного в 1896 г. Ученик В.Д. Поленова, экспонент Товарищества Передвижных выставок, Г.Ф. Ярцев был активным представителем молодого поколения художников, старавшихся обновить передвижничество в конце 80-х — начале 90-х годов XIX века.


Живописная коллекция XVIII-XIX вв. представляет небольшой, но достаточно полный комплекс произведений, необходимых для понимания сложных путей развития русского искусства. Многие из них – работы неизвестных или малоизвестных художников, чье творчество составляет тот фон, на котором могли появиться выдающиеся мастера. Работы И. Никитина, А. Антропова, Ф. Матвеева, И. Айвазовского, А. Саврасова усиливают ценность коллекции.

Самые известные художники 20-го века

Говорить о искусстве 20-го века и всех его известных художниках — значит говорить о захватывающем, сложном, новаторском авангардном периоде в истории искусства это порвало с традициями и навсегда изменило наше понимание искусства. Так глубоко укоренившееся в , непосредственной социально-политической реальности своего времени , а также , очень влиятельных художественных и технологических разработках конца 19 века , искусство, созданное между 1900 и 2000 годами чистый визуальный подход, тот, который скрывает интеллектуальную теорию за своим таинственным фасадом, тот, который подтверждает и отрицает себя беспрецедентными способами.Это век искал ответ на вопрос: Что такое искусство? через вызов, любопытство, инновации, смелость, стремление к изменениям, признанию и самовыражению.

От ярких исследований экспрессионизма и фовизма, новых интеллектуальных точек зрения кубизма и конструктивизма, политической позиции соцреализма и восстания дадаизма до неистовых боевиков, заново изобретенного реализма, сенсационного цветового поля живописи или ошеломляющего оп-арта, мощной простоты минимализма и праздничной критики поп-арта — сказать, что прошедшее столетие было захватывающим с художественной точки зрения, — это большое преуменьшение.В каждом движении были свои знаменитые художники, которые до сих пор остаются сильными и непобедимыми как главные творцы новых идей и вдохновляют поколение за поколением талантливых людей, которые восприняли свое наследие и продолжили вносить свой вклад в развитие современного искусства сегодня. Их гений по-прежнему является силой, с которой нужно считаться, и самой основой живописи 21 века.

Кто были самыми известными художниками великого 20 века?

Совет редакции: Искусство ХХ века

Один из наиболее полных томов об известных живописцах и художниках 20-го века, этот читаемый и энциклопедический шедевр охватывает весь спектр доступных дисциплин, включая фотографию и новые медиа, и тематически разделен на главы, чтобы подчеркнуть взаимосвязь между работами и движениями.Хотите ли вы сюрреализм или ленд-арт, флуксус или Баухаус, это ваш всеобъемлющий путеводитель по искусству 20-го века. Такое амбициозное предприятие заслуживает того, чтобы им владели все. Многие другие произведения автора Инго Ф. Вальтера для TASCHEN включают Винсента Ван Гога, Пабло Пикассо, «Искусство 20 века» и «Codices illustres».

Казимир Малевич — Высший художник

Он не только восстал против господствующего соцреализма, но и пошел против традиций в живописи в целом. Казимир Малевич — легендарный создатель Супрематизма и таких картин, как Белый на белом и Черный квадрат на белом фоне , которые в середине 1910-х годов потрясли мир искусства до глубины души. Для Казимира Малевича живопись должна была быть свободной от социального или политического содержания, чистой эстетикой, сосредоточенной исключительно на своей собственной форме, линии, форме и цвете, стремясь вызвать это предельное подсознательное чувство в своем зрителе. В 1912 году он провозгласил себя художником-кубофутуристом под влиянием двух движений, достигших своего пика в то время.В конце концов, однако, он вернулся к изобразительной живописи, хотя его супрематизм все еще оставил глубокий след в будущем искусства как в Советском Союзе, так и за его пределами.

Изображение: Казимир Малевич — Автопортрет, 1910 год, деталь. Изображение с Wikiart

Пабло Пикассо — Отец кубизма

Можем ли мы представить историю живописи ХХ века без его Les Demoiselles d’Avignon или Guernica ? Будет ли иметь смысл сегодняшний арт-рынок? Вряд ли, потому что Пабло Пикассо , возможно, величайшая фигура модернизма и соавтор одного из самых влиятельных движений — кубизма.Он тот человек, который заставил нас взглянуть на все наше существование совершенно по-другому, поскольку он представил несколько точек зрения и различные интерпретации одного предмета. Искусство Пабло Пикассо, находящееся под влиянием французского импрессионизма на заре века, охватывало несколько периодов, таких как Голубая и Роза, и оказало большое влияние на дальнейшее развитие не только живописи, но и скульптуры, керамики и т. Д. эстамп.

Изображение: Пабло Пикассо — Автопортрет, 1907 год, деталь.Изображение взято с gretchenrubin.com

Обязательно ознакомьтесь с интересной подборкой работ Пабло Пикассо!

Пит Мондриан — художник-абстракционист

Изобретатель неопластизма и один из пионеров чистого абстрактного искусства Пит Мондриан создал одни из самых любопытных произведений искусства, состоящих из жестких узоров и цветных блоков. Его самые известные картины 1920-х и 30-х годов включают только три основных цвета: красный, синий и желтый, разделенные толстыми черными линиями в идеальной сетке, которая стремится раскрыть чувство порядка и универсальной гармонии.В сложный период между двумя мировыми войнами Пит Мондриан стал соучредителем влиятельного движения De Stijl вместе с голландским художником Тео ван Дусбургом, члены которого также стремились к более чистой, непредставительной абстракции, основанной на теории цвета и прямых линиях. Возможно, лучшим свидетельством этого являются его культовые работы « Композиция с красным, желтым и синим » из 1929 года или Broadway Boogie Woogie из 1942 года.

Представленное изображение: Пит Мондриан — Автопортрет, 1918 год, деталь.Изображение с paintingdb.com

Фрида Кало — Картина болезненной реальности

Когда кто-то проводит всю свою жизнь в боли, искусство становится для него бегством. Для Фриды Кало это было похоже на визуальный дневник, яркое болезненное описание того, что она пережила. Жестокая мексиканка и безнадежный романтик, она создавала поразительные автопортреты, наполненные символами, значениями, интерпретациями и отсылками, одновременно глубоко личными и откровенно политическими.Что-то среднее между сюрреализмом, реализмом и символизмом, искусство Фриды Кало раскрывает нежность, женственность и силу уникального духа, женское качество истины, реальности, жестокости и страдания. Ее муж, художник Диего Ривера, однажды описал это: «» «Никогда прежде женщина не писала на холсте таких мучительных стихов, как Фрида.

Изображение: Фрида Кало — Автопортрет с терновым ожерельем и колибри, 1940, деталь. Изображение взято с fridakahlo.org

Джексон Поллок из абстрактного экспрессионизма

Считающийся одним из величайших и самых известных американских художников, Джексон Поллок был своего рода исполнителем, художником, который капал и размазывал свою краску на лежащий холст с помощью ряда движений и жестов, давая жизнь Action Painting .Его работы источают драматизм, напряжение и энергию, отвергая все традиционные техники, религиозно использовавшиеся на протяжении веков до этого и вдохновленные мексиканским мурализмом и сюрреалистическим автоматизмом. У протеже одного богатого коллекционера и покровителя, Пегги Гуггенхайм, Джексона Поллока, или «Джека Капельника», как его называли в 1956 году журнал Time, была довольно артистическая карьера, которая была прервана его безвременной смертью в автомобильной катастрофе в возрасте 44 лет. , хотя его наследие и влияние можно охарактеризовать только как вечные.

Featured image: Джексон Поллок. Изображение через wordpress

Джорджия О’Киф и ее цветочная сила

Она отказалась называться женой известного американского фотографа Альфреда Штиглица . Вместо этого она стала одним из самых известных художников в своей стране и за ее пределами. Джорджия О’Кифф и ее чувственные полуабстрактные цветы во всей их красоте и величии, несомненно, вошли в историю искусства 20-го века, наряду с ее не менее захватывающими городскими пейзажами, пейзажами и натюрмортами.Пропитанные возвышенными цветами и легкими, но вызывающими воспоминания формами, эти картины сумели выделиться в немного хаотичной модернистской сцене того времени, превратив Джорджию О’Киф в независимого художника и одну из очень немногих женщин-живописцев. Вольно или невольно, она проложила путь к известности для многих других женщин, которые хотели стать успешными творческими людьми, и продолжает это делать даже сегодня.

Изображение: Альфред Штиглиц — Джорджия О’Киф, Хендс, 1918 год, фрагмент. Изображение из Википедии

Сальвадор Дали — Сюрреалист

Каким бы эксцентричным и неординарным ни был Сальвадор Дали , несомненно, один из самых известных художников, чьи работы никогда не поражают и не интригуют.Исходя из опыта исследований в области питтура-метафизики и футуризма, его взоры, наконец, остановились на сюрреализме, в который он внес некоторые из величайших произведений, которые представляют собой не что иное, как тщательное визуальное представление снов и необычайное творческое состояние ума. . Более того, Сальвадор Дали считается главным новатором «паранойи-критики», философии создания искусства, которая представляет собой иррациональное понимание, основанное на интерпретативно-критической ассоциации бредовых явлений. Глядя на его психоделические, почти галлюцинаторные композиции, такой подход становится очевидным.

Изображение: Сальвадор Дали — Мягкий автопортрет с жареным беконом, 1941, деталь. Изображение с Wikiart

Найдите другие работы Сальвадора Дали!

Фрэнсис Бэкон — Беспокойный ирландец

Изобразить тревогу, кошмары, смерть, насилие и опасное состояние ума, безусловно, одна из самых сложных вещей, если вы художник … если вы не Фрэнсис Бэкон .В самом деле, почти все его творчество — это дань уважения ужасающим и неудобным, своего рода образы, которые остаются с вами еще долго после того, как вы их посмотрели, потому что они просто настолько сильны. Искусство часто имитирует жизнь, и в случае с Фрэнсисом Бэконом это в значительной степени верно, поскольку он был очень беспокойным. Оказавшись между азартными играми и алкоголизмом, этот великий художник 20-го века рисовал людей, кричащих или страдающих от боли, изуродованных лиц и внутренних органов, эмоции, которые проникают с обратной стороны холста с навязчивым эффектом — просто подумайте о его этюде после портрета Веласкеса 1953 года Папы Иннокентия X .

Посмотреть другие работы Фрэнсиса Бэкона можно здесь!

Рекомендованное изображение: Фрэнсис Бэкон — Три этюда для автопортрета, 1981 г. Изображение предоставлено Christie’s

Энди Уорхол — Поп-мастер

Его банки с супом Кэмпбелла и коробки с Брилло повсюду, как и его Мэрилин, Лизы, знаки доллара и автопортреты. Он был художником, гравером, иллюстратором, режиссером и скульптором, неоднозначным любителем популярного, безумным поклонником славы, гламура и знаменитостей. Энди Уорхол на самом деле является неотъемлемой частью нашей жизни, тот, кто превратил эту самую жизнь в искусство, и наоборот, признанный лидер движения поп-арта, который был звездой в такой же степени, как и художником. Его картины — лучшие образцы потребительского искусства, механического и серийного производства вещей и лиц, слишком знакомых, но каждый раз как-то свежих и новых. Энди Уорхол, мастер трафаретной печати, был также известен своей студией Factory — центром внимания любого модного и достаточно радикального человека, способного привлечь его внимание.

Показанное изображение: Энди Уорхол — Автопортрет, 1986. Изображение предоставлено Тейт

Жан Мишель Баския — Король граффити

Если кто и помог граффити стать более признанной формой постмодернистского искусства, так это Жан-Мишель Баския . Начав с улиц и подземных переходов Нью-Йорка как SAMO, в то время, когда уличное искусство начало набирать силу, художник прокомментировал окружающую несправедливость, сегрегацию и нетерпимость через, казалось бы, простые, но продуманные конструкции, уходящие корнями в его мультикультурное прошлое.Вскоре его работы в стиле неоэкспрессионизма висели в галереях и даже музеях в США и за рубежом, признанные за их уникальность и грубую честность. Используя рисунок, поэзию, пиктограммы, диаграммы, абстракцию и фигуру, Жан Мишель Баския представил беспрецедентный, очень индивидуальный стиль, который невозможно подражать.

Заинтересованы в искусстве Баскии? Щелкните здесь, чтобы увидеть доступные работы!

Изображение: Жан-Мишель Баския — Автопортрет, 1982, деталь.Изображение взято с tumblr. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Категория: Портреты ХХ века — Wikimedia Commons

Медиа в категории «Портреты ХХ века»

Следующие 39 файлов находятся в текущей категории.

  • «Мужчина в тюрбане» Рене Ченг, картина маслом, 2019.jpg 2237 × 2746; 2.36 Мб
  • Эме Николя Моро. Портрет девушки, 1909 год. Холст, масло 32x40cm.jpg 2584 × 2964; 5.15 МБ
  • Амброуз Макэвой — Портрет мадам Эррасуриз.jpg 1896 × 2310; 534 КБ
  • Серьга Амброуза МакЭвоя.jpg 870 × 1062; 90 КБ
  • Анита Ри (2) .jpeg 570 × 793; 125 КБ
  • Анита Ри 7.jpg 560 × 816; 107 КБ
  • Анита Рэ — Kopf eines Mädchens.jpg 1584 × 2037; 1.09 МБ
  • Артур Сотериус фон Заксенхайм.jpg 3000 × 4000; 508 КБ
  • Athanase apartis par josette bournet.jpg 392 × 474; 83 КБ
  • Бедржих Новотный басник Милош Водичка 1969 олей на платне 104×64 cm.jpg 672 × 1000; 116 КБ
  • Герберт Дрейпер — Портрет Тедди.jpg 2165 × 4291; 1,66 МБ
  • Герберт Джеймс Дрейпер, Портрет Тедди, сына лейтенанта BWG Oates.jpg 350 × 697; 37 КБ
  • Эрнани Костантини 1950 lina.jpg 726 × 900; 275 КБ
  • Эрнани Костантини 1954 год.jpg 680 × 900; 216 КБ
  • Эрнани Костантини 1972 lina.jpg 929 × 700; 269 ​​КБ
  • Femme du Trégor — Адриан Вильборс — Музей искусства и истории Сен-Брие, DOC R 950.1.2.jpg 3738 × 5000; 2,47 МБ
  • Элеонора Фортескью-Брикдейл — Предтеча.jpg 944 × 502; 105 КБ
  • Франц фон Ленбах — Джули Вирджиния Шойерманн как Bacchantin (2) .jpg 900 × 1200; 78 КБ
  • Франц фон Ленбах — Джули Вирджиния Шойерманн als Bacchantin, 1903 год.jpg 1200 × 799; 188 КБ
  • Франц фон Ленбах — Лили Мерк 1902, Suermond-Ludwig-Museum.jpg 814 × 1000; 152 КБ
  • Франц фон Ленбах — Лили Мерк, 1902.jpg 1749 × 2424; 1,17 МБ
  • Фриц Прейсс — Мальчик с красным галстуком и книгой.jpg 996 × 1411; 264 КБ
  • Isaac Israëls — A table au Restaurant Le Perroquet, Paris.jpg 512 × 793; 86 КБ
  • Джон Трэверс Корнуэлл, мальчик 1-го класса (1900-1916), Эмброуз Макэвой.jpg 1049 × 1280; 826 КБ
  • Джульетта Браун — Porträt einer Frau.png 757 × 1098; 805 КБ
  • Le vieux sellier — Жирарди — Музей искусства и истории Сен-Бриё DOC 292.jpg 3817 × 5000; 2,6 МБ
  • Луи Дюваль Данн, Игнац Марсель Гогенжигль.jpg 3083 × 3966; 5,68 МБ
  • Магнус Энкель — Hiuksiansa suoriva tyttö.jpg 4000 × 5560; 1,37 МБ
  • Магнус Энкель Шпигель.jpg 2110 × 2881; 566 КБ
  • Магнус-Энкелл-1975.jpg 314 × 435; 55 КБ
  • Г-н Джордж Вашингтон Томас Ламберт — Сэр Уолтер Болдуин Спенсер — Google Art Project (обрезано) .jpg 3,128 × 4094; 6,81 МБ
  • Г-н Джордж Вашингтон Томас Ламберт — Сэр Уолтер Болдуин Спенсер — Google Art Project.jpg 4073 × 4962; 10,24 МБ
  • Уильям Орпен — Портрет доктора Э.Дж. Dillon.jpg 2549 × 3000; 1.48 МБ
  • Портрет молодой девушки, пояс, в красной кофточке.jpg 512 × 763; 75 КБ
  • Портрет Регины Ана (Principesa Ana a Bourbon-Parma) 1.jpg 1526 × 2040; 706 КБ
  • Фабиан де ла Роса — Filipina.jpg 1067 × 1728; 667 КБ
  • Бубен Каспара Риттера.jpg 500 × 652; 117 КБ
  • Уильям Орпен Портрет юноши.jpg 1423 × 2000; 1.01 МБ
  • Damaconturbantenegro альберт линч 1851-1912.jpg 369 × 491; 16 КБ

Изучение эмоций в экспрессионистском портрете · WUSTL Digital Gateway Image Collections & Exhibitions

Экспрессионистское движение в начале 20 -го века в Европе отразило изменение мировоззрения художников; Напряжение, вызванное политическими и социальными событиями того времени, привело к переходу от жесткости академических принципов к свободе, проявляющейся в абстракции и субъективности.Германия и Франция, две страны, особенно изменившиеся под воздействием мировых войн, укрывали художников, которые стремились передать атмосферу того времени через живопись. Хотя это традиционный жанр, портретная живопись особенно актуальна при изучении влияния культурных изменений на современное искусство, поскольку четкое изображение выражения лица и языка тела дает более ясное представление об эмоциях художника. В сочетании с экспрессионизмом, стилем, показывающим отдельных художников в присущей им субъективности, жанр портретной живописи подчеркивает влияние конфликта на человека. Эрнста Людвига Киршнера «Женщина в зеленой блузке » (1913), Макса Бекмана «Король » (1937) и Жоржа Руо Chinois (1939) — все они демонстрируют силу экспрессионизма в передаче цинизма и уныния через различные подходы художников к абстрактная портретная живопись.

Все три художника испытали на себе влияние довоенного и послевоенного европейского общества в 1900-х годах, что определило траекторию их художественной карьеры. Кирхнер написал Женщина в зеленой блузке прямо перед Первой мировой войной, после роспуска The Bridge (Die Brücke), группы художников-экспрессионистов, которую он основал в 1905 году.Картина отражает не только беспокойство художника по поводу значительного события в его жизни, но и напряжение общества, вызванное надвигающейся войной. Беспокойство, причиненное зрителю позицией и выражением лица женщины, состоящее из коротких резких мазков, подчеркивает присутствие эмоций Киршнера в картине. И Кирхнер, и Бекманн стали жертвами нацистского движения за дегенеративное искусство, которое серьезно ограничило их возможности в качестве художников в Германии.

Отвержение работы Бекмана нацистским правительством в 1930-х годах отражено в преобразованиях, которые он внес в The King в течение четырех лет; Картина представляет собой автопортрет, изображающий художника и его жену, а преобладание черной краски в композиции подчеркивает темные тени, которые выражают уныние Бекманна по поводу его изгнания. Произведение Руо также обращается к теме негатива: его болезнь в начале 1900-х годов в сочетании с его переживаниями в качестве аутсайдера в обществе вызвали новое восприятие состояния человека, и его картины после этого выражали беспокойство по поводу страданий, вызванных социальными преобразованиями. . Chinois свидетельствует о мрачных аспектах 1930-х годов, приближающихся к началу Второй мировой войны, поскольку он включает толстые, тяжелые мазки мрачных цветов, а неспособность зрителя полностью видеть глаза фигуры создает ощущение зловещего тайна.

Хотя их стили и методы значительно различаются, Кирхнер, Бекманн и Руо тематически связаны в своем подходе к соответствующим портретным картинам. Три европейских художника, несомненно, являются воплощениями экспрессионизма из-за их выбора цвета, который кажется скорее инстинктивным, чем имитирующим, чтобы передать эмоции, и той разной степени, в которой они абстрагируют лица, фигуры и предметы.Их методы изображения человеческой фигуры в контексте источают различные элементы пессимизма, от меланхолии и тоски до возмущения и недовольства. Король, женщина в зеленой блузке, и Chinois олицетворяют портретную живопись первой половины -го века, демонстрируя, как на художников повлиял негатив, вызванный последствиями политических, социальных и культурных изменений.

19-го и 20-го веков; эссе Джозефа С.Тровато

Портретная живопись: XIX и XX века; эссе Джозефа С. Тровато

Примечание редактора: следующее эссе было перепечатано в библиотеке ресурсов 1 июня 2009 г. с разрешения Munson-Williams-Proctor Институт искусств. Если у вас есть вопросы или комментарии по тексту, или желаете получить копию каталога, из которого он взят, пожалуйста связаться с Институтом искусств Мансона-Уильямса-Проктора напрямую через любой этот номер телефона или веб-адрес:

Портретная живопись: XIX и ХХ века

Джозеф С.Тровато

Эта выставка посвящена внимание к людям как к предмету искусства. Это крупный план мужчин, женщин и детей, в которых мы можем поделиться наблюдениями художников и анализ характера. Созерцая портреты творческих художников, мы стоим получить не только удовольствие от эстетических переживаний, доставляемых хорошими картинами, печатные издания и фотографии, но дополнительная ценность более полного понимания мы сами. Естественно, мы участвуем в выставке портретов ассоциация себя с людьми или как мы можем видеть себя отраженными в изображении другого человека.Портрет подчеркивает личность и фокусирует внимание на некоторых аспектах личности, характера и человеческие отношения, попавшие под пристальное внимание художника.

Кате Кольвиц « Автопортрет », например, вызывает немедленная симпатическая реакция, когда мы читаем на ее убитом горем лице жизнь, наполненная грустью и в то же время чудесным чувством сострадание. Глубина чувства и глубина, заключенная в этой литографической Автопортрет и портрет Сарджента г.и миссис Джон W. Field также присутствует на замечательной фотографии Бертрана. Рассела Эйзенштадта и проникающего Бодлера Карьята.

Очаровательная картина Беллоуз, изображающая его дочь, Энн в Purple Wrap обращает наше внимание на семейные отношения. Немного девушка входит в наше присутствие лицом к нам открыто, невинно и без притворство. Неожиданно передается естественное чувство близости. В фотографический портрет Cole его отца, Эдварда Вестона, отображает подобное открытое и прямое выражение семейных отношений.

Томас Икинс обладал глубоким чутьем и гениальным характером изображение в портретной живописи. В своем портрете Адди он изображает зрелая женщина в трех четвертях. Эта картина излучает дух доброты и сердечности. Голова демонстрирует виртуозное моделирование трехмерная форма посредником света и благоговейное сияние в глаза и чувственность рта приятно контрастируют с этим. Чувство формы усиливается, казалось бы, небрежным. обработка женской кофточки.В значительной степени мы вынуждены чувствовать целостность натурщика, а также художника.

В XIX веке развивается реализм, изобретение фотоаппарата было логическим результатом давнишнего потребность или желание делать точные графические изображения людей. Реализм интересовался как живописью, так и фотографией, имевшей дело с фактическими аспекты природы, объективные и видимые, а не воображаемые значения форм и предметов.У него был аналог в импрессионизме, с его интересом к свету и изображением мгновенного и неформального аспекты повседневной жизни. Примерно в середине 19 века, во время первые годы фотографии, многие художники и фотографы оказали влияние на один еще один. Некоторые из ранних фотографий, такие как Principal Haldane Хилл и Адамсон показывают долг фотографов живописи в их трактовке формы, композиции и световых эффектов. Надежное моделирование головы а должность директора Холдейна почти можно было принять за портрет пользователя Raeburn.На этой фотографии свет используется, чтобы подчеркнуть важные черты лица, форма головы, ее форма и объем. Теофил Готье Надара может быть картиной Курбе, она такая настоящая, такая приземленная. и по сути дела.

Картина с изображением Бенджамина Франклина Чарльза Уилсона Пил и фотография Дэниела Вебстера , сделанная Southworth and Hawes очень похожи друг на друга. Оба подчеркивают внешний вид своих субъектов, предлагая наблюдателю интерпретировать их персонажей из их особенности.Для художников камера предлагала новые способы просмотра объектов под разными углами зрения и необычных композиционных распоряжения. Фотография также служила источником справочной информации. материал для изобразительных идей. Например, портрет ХХ века А. Горького из Художник и его мать написано по снимку. когда он был мальчиком.

От традиционной и стилистической идеализации Хоппнер, Вандерлин и Виже-Лебрен, настала очередь романтический подход.В портретной живописи он подчеркивал изображение определенных сходство и естественный жест. Фотография Элизабет Джонстон Хилла и Адамсона и Dufaure Саломона служат для иллюстрации этот акцент. Портрет Жерико The Madman-Kidnapper — это проницательное изучение сумасшедшего человека, и холодный взгляд глаз передает с тревожной непосредственностью состояние души. В то же время мы приходим к испытывать симпатию к предмету. Это один из череды безумных людей Жерико писал для друга-врача.

В отличие от отмеченных выше работ, Женщина в Желтая шаль от Fowler отличается прямотой и простотой выражения. Пример американской примитивной или странствующей портретной живописи. никаких претензий. Это простое, прямое высказывание человека.

Портрет неизбежно сочетает в себе что-то от художника. личность с натурщиком, а художник или фотограф в своих лучших проявлениях, когда няня демонстрирует сходство или качества, которыми он обладает или восхищается.Требования натурщика, стиль и способности художника важные. Симпатичный портрет Доктора Гаше Ван Гога предполагает сильное духовное родство между художником и натурщиком. Беспокойный линия в этом, его единственном офорте, заставляет нас почувствовать некоторую тревогу. и волнение внутри художника.

Уоткинс Портрет Томас Реберн Уайт представляет Субъект читает газету. Он изображает его в непринужденной непринужденной обстановке дома. Атмосфера. Но Уоткинс не упускал из виду умственную активность подопытного. и концентрация.Хватка рук гармонирует с заданным жестом. головы, и мы чувствуем внутреннее напряжение человека, держащего газета. Прекрасный баланс диагонального и горизонтального движения. в своем дизайне. Хотя картина приглушена по цвету и тону, наше восприятие его красочность увеличивается, когда мы смотрим на него, и устанавливается мягкая яркость в движении, от которого кажется, что мужчина дышит.

Картина Юджина Спайхера, Марианна , представляет классическое направление в портретной живописи.Хотя у него есть некоторые атрибуты реалистичного изображения, тем не менее, он имеет большое значение в пользу формального организация и вкусовые качества цвета и тона. Части тела геометрически построены по отношению к целому и пространству в котором он существует. Чувство сдержанности пронизывает холст, и мы видим предмет с отстраненностью.

В дополнение к уже упомянутым видам портретной съемки есть еще три других определенных типа. Мы могли бы назвать Портрет Альберта Pinkham Ryder от Хартли — памятный портрет с момента его создания примерно через двадцать лет после смерти Райдера.На этом портрете привидение присутствие вырисовывается в вневременном пространстве, вызывая неописуемое чувство одиночества. Maurer Портрет девушки на зеленом фоне иллюстрирует использование головы как средства выражения психологических идей с которым этот художник был одержим в своих поздних работах. Другой тип — неформальный групповой портрет Слоуна, Йейтс в Петитпа , представляющий собрание в том числе и сам художник. Это восхитительная картина в духе похожие групповые портреты импрессионистов.

Одна из причин этой выставки — стимулировать практика портретной живописи, а также привлечь внимание к совместимости портретов в картинах и гравюрах с последними достижениями в фотографии. В значительной степени различные современные движения и в основном абстрактное искусство отвлекли наше внимание от портретной живописи, которая все время. Эти разработки послужили и будут служить в обогащении и питании запаса новых идей на примере некоторых творческих достижений в портретной живописи ХХ века, которые включают на выставке: Автопортрет Де Кирико , Портрет Руо мистераX, Портрет Воллара , Пикассо, Портрет Уоткинса Томаса Реберна Уайта , Макс Эрнста Арнольда Ньюмана, Джорджия O’Keeffe Альфреда Штиглица. Эти примеры достойны внимания на портрете. традиции в лучшем виде.

Некоторые из наиболее экстремальных портретов, например, Mr. X , Кирхнер Портрет Гутмана и Маурер Портрет девушки с зеленым фоном некоторым из нас может быть трудно принять, и портрет г.J.H.B. Сандберг от Аппеля и Де Кунинга Мэрилин Monroe может даже шокировать нашу чувствительность, потому что они не изображают предметы в привычной манере. Но эти портреты написаны в современном идиома подчеркивает личность и раскрывает аспекты личности и персонаж.

В связи с этим, ложных портретов Саула Стейнберг предлагает соответствующую идею. Мы привыкли видеть предмет или природа в соответствии с привычными нам графическими терминами — это то есть мы видим мысленным взором.Эти причудливые Ложные портреты напомните нам о сотнях фотографий, которые мы видели. Они также доводят до ума качества, которые мы находим в работах таких художников, как Сарджент и Уистлер. Конечно, это не фотографии, а рисунки. Начались они с пустых мест. были разработаны и заказаны для изображения людей и стилистически сочетают особенности фотографии и живописи. Эти черты сливаются таким образом что они приводят к знакомым и убедительным изображениям людей потому что мы были приучены видеть их как таковые.Как говорит г-н Стейнберг, «Их можно назвать портретами только нашим современным предубежденным взглядом».

Возможно, нас уже приучают к таким картинам. как у Аппеля и Де Кунинга. Экспрессионизм Мэрилин Де Кунинга Монро проявляет интерес к восхитительному качеству энергичных обработка цвета, текстуры краски и визуально захватывающие траектории движения. В таких работах использование крупных и часто насыщенных цветовых участков, жирных линий. и необычные формы, несочетаемые наложения частей тела автоматически окрашивается в импульс мышечной деятельности, подчеркивает субъективное выражение, а не объективное представление.Во время, мы можем увидеть такие картины так же знакомо, как Ложные портреты .

Тем не менее, портретная живопись сегодня практически не изменилась. когда-либо был. Это отвечает на потребность и желание сделать постоянную физическую запись человека. Причины существования портрета столь же разнообразны и сложны. как мотивы натурщика, желающего быть изображенным, и интерес художник в интерпретации этих мотивов в виде искусства. Новые концепции, материалы, и представлены техники, которые добавляют разнообразия и богатства творчеству художника. репертуар.В основном это акцент и сочетание элементов изображения. эта портретная живопись различается от эпохи к эпохе. Возможно, можно задаться вопросом исчерпали ли художники живописные возможности лица. несомненно лицо представляет собой проблему, с которой, несомненно, столкнутся те, кто искать это. Хороший портрет получается, когда художнику дается повод выразить тема по-своему. Натурщик, который тоже признает эту прибыль как художник. В большинстве случаев заклинания на компромисс с желаниями ситтера смерть любой живости, которой может обладать портрет.Обычно это приводит к разочарованию для художника и в неудовлетворенности натурщиком. Это сама причина почему так много творческих художников уклоняются от портретных заказов.

Мы должны верить в художника, как в руководство. чтобы вести нас на неизведанные территории. Художественная свобода необходима условие для творчества, позволяющее художнику дать лучшее, что есть в его, поскольку он объединяет свои навыки и чувства для создания прекрасной работы.

Об авторе

Джозеф С.Тровато родился в Гуардавалле (Катандзаро, Италия). в 1912 году. Он прибыл в Ютику, штат Нью-Йорк, в 1920 году. Во время депрессии Тровато преподавал уроки и работал над The ​​Murals Project с Works Progress Администрация. В 1939-1983 гг. Он работал помощником директор Института искусств Мансона-Уильямса-Проктора в Ютике, Нью-Йорк. Несмотря на то что его карьера была посвящена преподаванию и художественному администрированию, Тровато также произвел ряд заметных работ, которые находятся в частных и музейных собраниях.Он был удостоен степени почетного доктора изящных искусств Гамильтон-колледжа.

Тровато был помощником директора в Munson-Williams-Proctor Институт искусств на момент печати каталога Портретная живопись: XIX и XX века .

Библиотека ресурсов редактора Примечание

Приведенный выше текст каталога выставки был перепечатан в ресурсе . Библиотека от 1 июня 2009 г., с разрешения Munson-Williams-Proctor. Институт искусств Ютики, Нью-Йорк.Разрешение было предоставлено ТФАО на 10 апреля 2009 г. Эссе г-на Тровато относится к Portraiture: The 19th и 20 века , каталог выставки, организованной институтом. и опубликовано в 1957 году.

Библиотека ресурсов желает выразить признательность Мэгги Маззулло из Munson-Williams-Proctor Arts Institute и Стейси Виттиг за помощь в разрешении на перепечатку текст выше.

Читателям

RL также могут понравиться:

Прочтите статьи и очерки об этом учреждении. источник, посетив страницу подиндекса Подробнее об Институте искусств Мансона-Уильямса-Проктора в Библиотека ресурсов.


Поиск Ресурс Библиотека для тысяч статей и эссе по американскому искусству.

Copyright 2009 Traditional Fine Arts Organization, Inc., некоммерческая корпорация в Аризоне. Все права зарезервированный.

Галерея Феттермана: портреты 20-го века

До 31 мая в галерее Феттермана в Санта-Монике будет представлена ​​подборка фотографий некоторых из величайших художников-портретистов 20-го века, включая Беренис Эббот, Еву Арнольд, Сида Эйвери, Анри Картье-Брессон, Дэн Будник, Альфред Эйзенштадт, Эллиот Эрвитт, Энни Лейбовиц, Жак Лоу, Арнольд Ньюман и Марк Рибу.

Портретная фотография, несомненно, помогла СМИ утвердиться на протяжении десятилетий. На стыке документального кино и искусства сегодня портрет неотделим от практики фотографии и повсеместно присутствует в нашей визуальной культуре. Его использование в иллюстрациях газет и журналов почти догматично. Портрет обращается к зрителю, возможно, из-за нашего восхищения мужчинами и женщинами, добившимися успеха, а портрет является символом успеха. Помимо желания сохранить память о человеке и создать исторический образ его личности, портрет выполняет непосредственную репрезентативную функцию.Фотопортрет — это современный бронзовый бюст.

Люди, увековеченные на этой выставке, были выдающимися людьми: Эрнест Хемингуэй, Уинстон Черчилль, Альфред Эйнштейн, Анри Матисс и многие другие. И фотографы, которые запечатлели суть своей личности или часть их существования, также были выдающимися. Им нечего было узнать о технике. Они были чуткими художниками, которые умели сочетать глубину и понимание условий жизни человека.Хороший портрет должен раскрывать нюансы характера и, в некоторых случаях, передавать определенные чувства. Нам, зрителям, предлагается разделить это чувство. Однако, как это часто бывает с фотографией, это вопрос субъективности.

ВЫСТАВКА
Портреты ХХ века
До 31 мая 2014 года
Галерея Питера Феттермана
Станция Бергамот, Мичиган Авеню
Санта-Моника, Калифорния
США

(310) 453-6463

http: // www.peterfetterman.com

ИСКУССТВО: ВЗГЛЯД НА ЧЕРТЕЖИ ПОРТРЕТА ХХ ВЕКА

В более прямолинейном, деловом стиле есть автопортреты Чарльза Шилера и Филипа Эвергуда, которые информируют, но не инструктируют. (Эдвард Хоппер тоже ничего не дает в этом контексте.) Но по мере того, как мы приближаемся к нашему собственному времени, следует сказать, что традиционный (хотя и не обязательно традиционный) портретный рисунок становится все труднее найти. Рисунки Джона Д. Грэма впечатляют, но они производят впечатление скорее как Грэхэма, чем как подобия.(Байрон Браун, иногда почти беспощадный для Грэма, лучше справляется с его «Женщиной с бантом для волос» 1937 года). Рисунок Энди Уорхола 1962 года, изображающий Джинджер Роджерс — на самом краю лагеря, но согретый искренними чувствами, — одна из его лучших ранних работ.

После этого хорошими рисунками являются те, которые действуют на определенном расстоянии от традиционных столкновений — например, семейная группа Ричарда Линднера в «Воскресном дне» и набросок Реджинальда Марша, сделанный в 1926 году, группы студентов в известная художественная школа в Париже.В других местах есть произведения искусства, которые на самом деле не являются портретами, и есть портреты, которые не слишком хорошо предвещают будущее портретного рисунка как вклада во взаимопонимание. Но эта тихая внутренняя комната остается желанным убежищем в центре города. На этой неделе также представляет интерес: «Собачьи дни в августе» (Галерея Литтлджон-Смит, 133 Грин-стрит): эта выставка, кураторская Фредом Бойлом и Жакки Литтлджон, берет за основу забавную идею и демонстрирует ее с размахом. Собачьи дни обычно оцениваются как унылые, вялые и перегретые.Есть ли лучший способ изгнать их, чем устроить шоу, которое превращает собачьи дни в буквальную правду и целиком состоит из картин и скульптур собак?

Всего было отобрано 24 художника. Среди них гость из Европы в лице Мориса Брианшона, члена Парижской школы, которого ветераны парижской сцены хорошо помнят за декорации и костюмы, которые он разработал для Мадлен Рено и Жан-Луи Барро сразу после Всемирного дня. Вторая война. Залитая дождем уличная сцена Брианшона не особенно собачка, но приятно иметь ее.

Другие художники максимально используют свободу, появившуюся в области собачьей тематики в последнее или два поколения. Картина Стевана Дженниса, изображающая собаку, размышляющую о самоубийстве, стоящую на задних лапах на высоком подоконнике, была бы невозможна в эпоху викторианской эпохи, но это странное и убедительное самомнение. Обучающая таблица Стива Джанакоса, чья цель — научить нас рисовать самца-собаку, садящегося на собаку-самку, — еще один пример новой вседозволенности. Картина Гэри Комарина, на которой изображена почти обнаженная молодая женщина со своей собакой, имеет эротический оттенок, который очевиден для всех.

Среди менее загруженных изображений можно было бы выделить «Собаку Фредди» Джастина Эрла как сочный образец чистой живописи. Большой лист рисунков Дэвида Бейтса позволяет четко и четко описывать собаку за собакой. Портрет собаки на пляже Бена Шонцайта показывает нам естественную собаку, неиспорченную и уравновешенную собаку, и делает это довольно хорошо. (До 20 августа). Американская галерея: обзор произведений искусства из собрания галереи (Галерея Ричарда Йорка, 21 Восточная 65-я улица): Было бы трудно найти пейзаж, нарисованный где-нибудь в развитом мире в 1820 году, который был не стоит смотреть.Доиндустриальная невинность была связана с внешним видом мира в то время, и нигде больше, чем в Соединенных Штатах, где едва ли можно было увидеть что-то уродливое, а свет падал как благословение на все, чего он касался. Чтобы убедиться в этом, взгляните на «Пейзаж с конной повозкой» Томаса Берча, который является самой ранней картиной в текущем сборнике Йоркской галереи.

Потеря зрения: как критики недооценили фотографию начала ХХ века и как архивы заслоняют изображение | по журналу экспозиции | журнал экспозиции

Двойной портрет неизвестной женщины, любезно предоставлен библиотеками Вашингтонского университета, Специальная коллекция.

Хотя и исторические архивы, и музеи собирают фотографии, они подходят к этому по-разному. В то время как музеи собирают несколько экспонатов, исторический архив, в котором хранятся миллионы фотографий, может вместить всю работу фотографа. Я работаю с большими коллекциями фотографий вот уже 35 лет, работая куратором / архиватором визуальных материалов. Такие коллекции, которые могут варьироваться от 10 000 до 100 000 изображений, позволяют вам увидеть их работы таким образом, что просмотр нескольких произведений фотографа никогда не сможет сравниться с ними.

Работая со многими коллекциями ранней коммерческой фотографии, я особенно заинтересовался неправильным толкованием коммерческой фотографии современными критиками и историками искусства, которые судят о ней с использованием неверных стандартов, и я также заинтересовался тем, как фотодокумент может быть скрыт обоими сами фотографы и по архивной практике. Сначала я собираюсь обсудить, как фотокритики могут неверно оценивать работу коммерческих фотографов из-за своего непонимания социальной среды и методологии работы коммерческого фотографа.Прекрасный пример этого — в книге Макса Козлоффа 2007 года « Театр лица: портретная фотография с 1900 года ». Козлофф — историк и искусствовед, автор множества книг и статей по искусству и фотографии.

Фотография Э.Дж. Беллок © Ли Фридлендер, любезно предоставлено галереей Fraenkel, Сан-Франциско.

В Театре лица, Козлов обсуждает фотографию Э.Дж. Беллок, новоорлеанский фотограф на рубеже веков. Беллок работал профессиональным фотографом, снимая достопримечательности, корабли и технику для различных клиентов в районе Нового Орлеана.О нем мало что известно; после его смерти его работа была уничтожена. Восемьдесят девять негативов проституток в районе Сторивилля в Новом Орлеане были найдены примерно в 1912 году, а позже, в 1966 году, были куплены художественным фотографом Ли Фридлендером. Фридлендер напечатал негативы 8×10 на тонированной золотом бумаге для печати (чтобы подражать тому, как, по его мнению, мог печатать Беллок), и выставка этой работы была повешена в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1970 году. Было опубликовано несколько книг с фотографиями. по гравюрам Ли Фридлендера.Отпечатков Беллока проституток Сторивилля нет, но недавно стали известны некоторые примеры его регулярной работы. Это типичные коммерческие работы того времени.

Фотография Э.Дж. Беллок © Ли Фридлендер, любезно предоставлено галереей Fraenkel, Сан-Франциско.

Обсуждая эту фотографию проститутки Сторивилля, Козлофф опровергает похвалу Ли Фридлендера Беллока как работника исключительного мастерства:

Однако картины Беллока не являются работой опытного или знающего художника, однако картины Беллока на самом деле выдают реальный недостаток. управления своим материалом.Иногда девушек позируют перед задними простынями, края которых показывают… фигуры поглощены необъяснимыми тенями. Одна модно одетая дама, кажется, не замечает, что белье на веревке позади нее… Беллок мало заботился — или понятия не имел, как — подставить своих натурщиков в любое соответствие с их представлением о себе. Эта импровизированная экспозиция настолько вопиющая, что ее почти жаль.

Первое предложение заявления Козлоффа показывает, что он не осведомлен о мотивах Беллока для создания изображения.Он говорит: «Вместо того, чтобы быть работой опытного или знающего художника…» Что ж, чтобы понять основу, на которой Козлов судит об этом изображении, мы должны добавить слова «конец 20-го века», чтобы его заявление читалось так: «Вместо того, чтобы быть работа опытного или знающего художника [конца 20 века]… »Козлофф, очевидно, не подозревает, что продукт коммерческого фотографа 1912 года сильно отличается от того, как художник представлял изображение для выставки в художественном музее в 1970-х годах.

Козлофф замечает, что на фотографии видно белье позади женщины, и считает, что это доказывает «реальное отсутствие у Беллока контроля над материалом». Однако, в то время как Ли Фридлендер пытался подражать работам Беллока временного периода, то, как изображения были представлены публике, соответствовало эстетике арт-фотографа конца 20-го века, а не той манере, в которой они предназначались для клиентов Беллока в 1912 году. Фридлендер сделал контактные отпечатки негативов, и они были показаны, показывая все изображение до краев — практика, которая не применялась до тех пор, пока к этому не применили художественные фотографы конца 20-го века.Во времена Беллока они не беспокоились о компоновке краев негатива; впоследствии его композиция была улучшена, когда он вырезал лишнюю область изображения, в которой он не нуждался.

Портрет вождя Джозефа, 1901 г. © Ли Мурхаус, любезно предоставлено библиотеками Вашингтонского университета, специальные коллекции.

На приведенном выше портрете вождя Джозефа мы можем заметить, что фотографические стратегии, такие как подвешивание одеяла в качестве фона, были обычной практикой. Многие странствующие фотографы или те, кто работает за пределами официальной студии, использовали этот метод.Часто у фотографов не было более одного или двух объективов, и поэтому у них не было возможности управлять композицией путем смены объективов. Они работали с тем, что было у них под рукой. Фотографы коммерческих студий также не беспокоились о краях изображения.

Портрет Ди Уоллес, Джанкшен-Сити, штат Канзас, 1897 г., © Коллекция Джозефа Пеннелла, Коллекция Канзаса, любезно предоставлено Исследовательской библиотекой Спенсера, Университет Канзаса.

Этот снимок Джозефа Пеннелла с изображением Ди Уоллеса, показывающий весь негатив, является замечательной записью, потому что он позволяет современному зрителю увидеть, на что была похожа его студия.Однако, когда фотография была напечатана Пеннеллом, она, скорее всего, была обрезана так, чтобы получился небольшой овал лица и верхней части тела. Об этом свидетельствуют многие старинные портреты, напечатанные Пеннеллом. В коллекции Пеннелла из 30 000 негативов часто можно увидеть фон и реквизит на фотографиях, потому что он никогда не планировал видеть края изображения.

Типаж для жестов 1880-х годов Мейбл и Грейс Томасон со Спенсером Фредериком Батлером, с овалом, показывающим, где циновка была уложена поверх изображения.Фотография Джозефа Пеннелла, любезно предоставлена ​​библиотеками Вашингтонского университета, специальные коллекции.

Вышеупомянутая краска, показывающая задний фон и студию за его пределами, также показывает, что фотограф представил готовое изображение с овальной матовой матрицей. Неровный срез тинтайпа и дополнительный студийный край показывают, что фотограф не беспокоился о плотной композиции по краям изображения.

Фотография Э.Дж. Беллок © Ли Фридлендер, любезно предоставлено галереей Fraenkel, Сан-Франциско.

Козлов упоминает тьму теней; это трудно обсуждать, глядя на репродукцию, которая не может показать все детали гравюры Фридлендера.Однако одна из причин, по которой современный принт выглядел бы темнее, чем винтажный принт того времени, заключается в том, что негативы на стеклянных пластинах в то время печатались на бумаге, которая отображала больше тонов стеклянного негатива. На современной бумаге с меньшим диапазоном тонов сложно напечатать стеклянные пластины.

Джон Жарковски, куратор Музея современного искусства, который устроил выставку Bellocq 1970 года, сказал: «Возможно, что картины были сделаны в коммерческих целях, но это кажется маловероятным; у них есть различные концепции и чувство досуга в процессе создания, которое идентифицирует их как работу, сделанную для любви », [Глядя на фотографии] Я бы не согласился с этим утверждением, потому что Беллок зарабатывал себе на жизнь как коммерческий фотограф и, скорее всего, проституткам, как и всем остальным, нужны были личные фотографии вместе с фотографиями для маркетинга.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *