Картины пикассо смотреть: Картина Пабло Пикассо. Девочка на шаре. 1905

Картины пикассо смотреть: Картина Пабло Пикассо. Девочка на шаре. 1905

alexxlab 16.05.2021

Содержание

Пабло Пикассо — 1167 произведений

Па́бло Ру́ис-и-Пика́ссо, полное имя — Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с и Пика́ссо (в русском языке принят также вариант с ударением на французский манер Пикассо́, исп. Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso; 25 октября 1881(18811025), Малага, Испания — 8 апреля 1973, Мужен, Франция) — испанский и французский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер.

Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грисом), в котором трёхмерное тело в оригинальной манере изображалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист и т. д. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ.

По экспертным оценкам, Пикассо — самый «дорогой» художник в мире: в 2008 году объём только официальных продаж его работ составил 262 млн долларов. 4 мая 2010 года картина Пикассо «Обнажённая, зелёные листья и бюст», проданная на аукционе «Кристис» за 106 482 000 долларов, стала самым дорогим произведением искусства в мире на тот момент.

11 мая 2015 года на аукционе «Кристис» был установлен новый абсолютный рекорд для произведений искусства, продаваемых с открытых торгов — картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины (версия О)» ушла за рекордные 179 365 000 долларов.

По результатам опроса 1,4 млн читателей, проведённого газетой The Times в 2009 году, Пикассо — лучший художник среди живших за последние 100 лет. Также его полотна занимают первое место по «популярности» среди похитителей.

Согласно испанской традиции Пикассо получил две фамилии по первым фамилиям родителей: отца — Руис и матери — Пикассо. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано (Криспиниано) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Фамилия Пикассо по матери, под которой художник получил известность, имеет итальянское происхождение: прадед матери Пикассо Томмасо переехал в Испанию в начале XIX века из местечка Сори в провинции Генуя. В доме на малагской площади Мерсед, где родился Пикассо, ныне размещается дом-музей художника и фонд, носящий его имя.

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса Бласко, и вскоре сильно в этом преуспел. В 8 лет он написал свою первую серьёзную картину маслом, «Пикадор», с которой он не расставался в течение всей жизни.

В 1891 году дон Хосе получил должность преподавателя рисования в Ла-Корунье, и юный Пабло вместе с семьёй переехал на север Испании, где он обучался в местной школе искусств (1894—1895).

Впоследствии семья перебралась в Барселону, и в 1895 году Пикассо поступил в школу изящных искусств Ла-Лонха. Пабло исполнилось только четырнадцать, поэтому он был слишком молод для поступления в Ла-Лонху. Тем не менее, по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе. Пикассо с блеском сдал все экзамены и поступил в Ла-Лонху. Сначала он подписывался своим именем по отцу Ruiz Blasco, но затем выбрал фамилию матери — Picasso.

В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Своё пребывание в Мадриде Пикассо использовал в основном для подробного изучения коллекции Музея Прадо, а не для учёбы в академии с её классическими традициями, где Пикассо было тесно и скучно.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →


ещё . ..

10 знаменитых картин Пабло Пикассо

Пабло Пикассо был не только испанским художником, но и скульптором, гравёром, гончаром, художником сценических декораций, поэтом и сценаристом. Имя при рождении — Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с и Пика́ссо. Говорят, его назвали в честь многочисленных родственников и святых.

Он заявил о своем редком таланте в возрасте десяти лет, когда создал свою первую работу, названную «Пикадор», которая изображает наездника на корриде. Однако, его первой академической работой на ниве искусства стало «Первое причастие». Она изображает его отца, мать и младшую сестру, коленопреклонёнными у алтаря. Заметьте, Пикассо было лишь 15 лет, когда он закончил эту работу! И он создал еще больше произведений искусства, которые просто поразили мир. Некоторые из них представлены ниже:

10. Старый гитарист


Картина была нарисована в 1903 году в честь друга художника, Касагемаса, после его смерти в результате самоубийства. Это было время, когда он проникся сочувствием к угнетенным и нищим. Отсюда и картина. Она была создана в Мадриде и нарисована в искаженном стиле, перенятом от Эль Греко. Картина изображает согнутого и слепого мужчину с большой коричневой гитарой в руках.

Коричневый цвет — единственное отклонение от цветовой схемы всей картины. Не только физически, но и символически — гитара наполняет пространство вокруг старого мужчины, который забывает о своей слепоте и нищете, пока играет.

9. Девушка перед зеркалом


Нарисованная в 1932 году, картина представляет портрет французской любовницы Пикассо — Марии Терезы Вальтер. Стиль, в котором нарисована картина, называется кубизм. Основная идея Кубизма — взять и разбить определённый объект на более простые части, а затем помочь показать его с разных точек зрения путем переноса этих частей на холст.

Эта картина изображает тщеславие. На первый взгляд картина может показаться простой, но при ближайшем рассмотрении можно обнаружить множество символов, скрытых в разных элементах картины.

8. Герника


Эта картина, вероятно, одна из самых узнаваемых работ Пикассо. Это не обычная картина, а ярое политическое заявление. Она критикует обстрел бомбами городка Герника в стране Басков во время испанской гражданской войны. Эта картина является сильным обвинительным приговором против войны. Стиль картины являет собой объединение пасторального и грандиозного. Она тщательно демонстрирует трагедии войны и страдания невинных людей.

7. Три музыканта


Название этой картины объединяет серию произведений, которую Пикассо закончил в 1921 году в Фонтебло недалеко от Парижа, Франция. Это довольно большая картина более двух метров в высоту и ширину. Это отражение стиля синтетического кубизма, который преобразует произведение искусства в последовательность плоскостей, линий и арок.

Каждая картина с таким названием изображает Арлекина, Пьеро и Монаха. Считается, что эти три героя олицетворяют Пикассо, Гийома Аполинера и Макса Жакоба соответственно. Аполинер и Жакоб были близкими друзьями художника в 1910-х. Некоторые историки, однако, утверждают, что «Три музыканта» были запоздалым ответом Пикассо на «Урок фортепиано».

6. Сидящая женщина (Мария-Тереза)


Как и Герника эта работа написана в 1937 году. Мария Тереза была музой Пикассо и он нарисовал много ее портретов. Многие уверены, что эта картина напоминает узор с рубашки игральных карт, которые обычно были оформлены полосами. Опять же, кубизм тоже использован и в этой картине, в виде контраста между красными зелеными цветами.

5. Дора Маар с кошкой


Картина, созданная Пикассо в 1941 году, изображает хорватскую любовницу художника, Дору Маар, с маленькой кошкой на плечах, сидящую на стуле. Пикассо состоял в отношениях с Дорой Маар 10 лет и в течение этого времени нарисовал множество ее портретов.

Сама Дора работала фотографом-сюрреалистом. Эту картину принято считать наименее враждебным портретом Доры, и самой дорогостоящей картиной в мире. Необычное внимание к деталям, которое уделил Пикассо в этой картине, делают поистине произведением искусства.

4. Голубая обнаженная


Одна из самых ранних работ Пикассо. Она была написана в 1902 году. Эта картина результат «голубого периода» Пикассо. Это был период, когда Пикассо использовал холодный бледно-голубой в качестве доминирующего цвета в своих картинах и рисунках.

Большая часть картин «Голубого периода» отражают буйство эмоций одним цветом. Голубая обнаженная изображает спину женщины, склонившейся в позе эмбриона. На картине не прорисован фон и от этого понять ее эмоции проблематично.

3. Авиньонские девицы


Эта картина нарисована в 1907 году и является самым ярким примером кубизма. Эта картина отходит от всех канонов традиционной композиции и представлении картины. Пикассо использует искаженное изображение женских тел и геометрические фигуры новаторским способом.

Ни одна фигура не нарисована традиционно, и в итоге женщины кажутся даже немного устрашающими. Как мы видим эта картина довольно больших размеров и у Пикассо заняло девять месяцев, чтобы ее закончить. В этой картине заметно как африканское искусство повлияло на Пикассо.

2. Обнаженная, зеленые листья и бюст


Портрет любовницы писателя Марии Терезы, выполненный в 1932 году. Этот холст был закончен всего за один день. Эта картина рассматривается как одно из великих достижений Пикассо в междувоенный период. Картина создает иллюзии и считается довольно эротической.

1. Плачущая женщина


Картина, выполненная масляными красками «Плачущая женщина», написана в 1937 году. Считается, что картина продолжает тему трагедии в след за картиной «Герника». Нарисовав плачущую женщину, Пикассо целенаправленно сфокусировал внимание на человеческой составляющей страданий и создал единый образ вселенской трагедии.

Это последняя работа Пикассо в серии работ, нарисованных в знак протеста. Позировала для картины (как и для целой серии других картин) Дора Маар, которая сама работала профессиональным художником.

Без сомнений Пикассо демонстрировал неординарные художественные способности с ранних лет! Один из создателей кубизма, он был поразительно плодовитым художником, который не только получил всемирную известность и богатство, благодаря потрясающим произведениям искусства, но и стал самым знаменитым деятелем искусства XX века.

Рекомендуем посмотреть:

Если вам не терпится осуществить свою мечту — научиться рисовать — то данная серия видеоуроков — то, что нужно для первого шага.

Картины Пикассо: розовый период (Picasso)

Розовый период Пабло Пикассо

Пабло Пикассо  (Picasso, Pablo) (1881-1973 гг.) — французский художник, испанец по происхождению. Скульптор, график, живописец, керамист и дизайнер. Совместно с Жоржем Браком является основоположником кубизма.

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар; отсюда в многом проистекает настроение его работ тех лет. «Розовый период» — условное название периода в творчестве Пабло Пикассо. Этот период ограничивают 1905—1906 годами. Название возникло по контрасту с определением предыдущего «голубого периода» в творчестве художника (1904— 1905 гг.), когда в его палитре преобладали грустные голубые краски. В «розовый период» художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных. Печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка и колорит его картин стали определять нежные розовые, охристые, красные тона.

Переходной от «голубого» к «розовому» периоду считают знаменитую картину Пабло Пикассо «Девочка на шаре». Для работ «розового периода» массу материала давал цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма. Путешествие же в Испанию в 1906 году дало новый толчок поискам художника и послужило окончанием «розового периода».

P.S. Смотрите здесь -> картины Пикассо голубого периода.

Акробаты (Мать и сын)

 

Семейство комедиантов

Автопортрет с палитрой

Девочка с козлом

Мальчик, ведущий лошадь

Портрет Гертруды Стайн

Акробат и молодой Арлекин

Сидящий на красной скамье Арлекин

Дама с веером

Два брата

Стеклянная посуда

Крестьяне. Композиция

Актёр

Два юноши

В кабаре Лапин Агиль или Арлекин с бокалом

Девочка на шаре

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Как читать Пикассо

Увидеть данную картину вы можете на выставке «Пикассо & Хохлова», которая проходит при поддержке банка ВТБ в ГМИИ им. А.С. Пушкина. Выставка продлится с 21 ноября 2018 по 3 февраля 2019 года.

На тот момент если не моделью, то главным героем картин Пикассо с участием женщины могли быть два персонажа. Первый — законная жена Ольга, в девичестве Хохлова, в замужестве — Руис Пикассо. Второй — совсем молодая возлюбленная, Мария-Тереза Вальтер. Кто же изображён на этом полотне?

Искусствоведы замечали: «После знакомства с Марией-Терезой женские груди на работах Пикассо вновь стали круглыми и крепкими, рты начали улыбаться, а фигуры — излучать чувственную радость. Художник избегает резких форм — в изображениях Марии-Терезы нет ни одного острого угла».

Учитывая, что в этой картине «острое» не просто присутствует, но даже вынесено в название, а женщина с оскаленной пастью явно только что выпустила кому-то кишки и залила всё кровью, это точно не Мария-Тереза.

Отношения с законной супругой в тот период сам Пикассо описывал фразой, идеально подходящей к видеоряду картины: «Она вопила на меня целыми днями и, по сути, пила мою кровь». Что, кстати, сказывалось на продуктивности художника не лучшим образом. Обычно чрезвычайно плодотворно работающий, в 1931 году он сумел закончить в общей сложности 28 картин и рисунков — самый ничтожный результат за всю жизнь. Однако искусствоведы замечают, что каждая из этих работ — правдивый дневник состояния художника, откровенный и полный.

Со стороны это виделось немного по-другому. Так, Ольга, например, была уверена, что Пикассо потихоньку сходит с ума, растрачивая силу на разврат и позоря своё имя. Несколько раз она всерьёз говорила, что её муж одержим бесами, и ей придётся нести за это ответственность перед Богом.

Это её предположение обычно встречают усмешкой — дескать, очень легко спихнуть всё на бесов, которых, как известно, не существует. Забывая при этом, что Пикассо, вообще-то и определяли как «художника, живущего между мифом и реальностью». Более того — он сам неоднократно заявлял: «Мои картины — это заклинание злых духов». Грубо говоря, для Пикассо и злые духи, и бесы — вполне реальные персонажи. А сам он выступает как человек, который может вступать с ними в контакт, бороться, побеждать и ставить себе на службу. В архаичных религиях, исследованиями которых Пикассо был очень увлечён, такой человек называется шаманом. И скоро это станет заметно по его полотнам.

— Самые дорогие картины Пабло Пикассо

Как известно, одной из лучших разновидностей инвестиций является покупка картин известных (или не очень) художников. С годами стоимость картин только растет, обгоняя порой в цене драгоценные металлы и камни. Пабло Пикассо настолько известный художник, что его биографию можно и не вспоминать в очередной раз. Само собой, картины Пикассо весьма дорогие. Хотите узнать, сколько именно стоят некоторые из его картин? Тогда прошу под кат, как говорится, там много интересного. 

Au Lapin Agile (1904)

С этой картиной связана очень интересная история. Дело в том, что Пикассо написал свою картину для владельца кабаре в Au Lapin Agile (кабаре называется так же). Пикассо написал свою картину буквально за еду (в прямом, а не переносном смысле). Владелец кабаре продал картину через некоторое время за 20 долларов США (в 1912). В 1952 году картину купили уже за 60 тысяч долларов. И, наконец, в 1989 году картина была продана за 40,7 миллионов долларов США. Сколько сейчас стоит эта картина? Даже сложно представить.

Yo, Picasso (1901)

Как видите, это автопортрет художника, сделанный им в так называемый «Голубой период». Картина была продана в 1981 году за 5,8 миллиона долларов. Спустя восемь лет ее продали уже за более высокую цену, в 43,5 миллиона долларов. В 1989 году, именно тогда картина была продана, она стала второй самой дорогой картиной всех времен, проданной на акуционе.

Femme Assise Dans Un Jardin (1938)

Пикассо изобразил на этой картине реального человека, Дору Маар, в 1938 году. Дора сидит в саду, и это ее, вроде как, портрет. В то время Пикассо экспериментировал, создавая картины в жанре «Кубизм». В общем-то, искусствоведы приводят эту картину в качестве яркого примера указанного жанра. В 1999 году картина была продана за 49,5 миллионов долларов на аукционе Сотби, в Нью-Йорке.

Femme Aux Bras Croises (1902)

Эта картина известна, как «Женщина со скрещенными руками». Как можно заметить, картина относится к уже упомянутому ниже «Голубому периоду». Пикассо писал свою картину в одном из госпиталей, Сент-Лазар, Париж. За период с 1902 по 2000 картина поменяла много владельцев, и в 2000 году ее стоимость возросла до 55 миллионов долларов.

N***, Green Leaves And Bust (1932)

На данный момент это — самая дорогая картина Пикассо. Она также является картиной, за которую получена максимально высокая цена на аукционе. К слову, картину Пикассо написал всего за один день. В 1952 году картина была куплена коллекционером за 17 тысяч долларов США. В мае 2010 года картина была продана за рекордные 106,5 миллионов долларов. Как видите, торговля картинами может быть намного прибыльнее, чем нефтяной бизнес, или торговля ювелирными изделями (правда, цена последних тоже может достигать рекордных величин).

Выставка Пикассо. Москва – Афиша-Музеи

Довольно трудно поставить оценку. Ну в самом деле, кто я такая, чтобы оценивать Пикассо? Попробую немного унять бурю эмоций, вызванных выставкой и разобраться, каких впечатлений было больше, приятных или не очень.
Итак:
Очень-очень-очень понравился документальный фильм. Пикассо настоящий артист, он водит кистью легко, вдохновенно, непринужденно; несколько свободных движений руки, и готов безошибочно узнаваемый образ. Так уверенно и просто рисуют дети, которым еще не успели объяснить, как надо рисовать.
Очень понравилась организация выставки. Четкая хронология, ясная логика. Вот прелестная головка Фернанды, рядом та же натурщица три года спустя. Боже, тяжела жизнь подруги художника, бедная девушка, как она изменилась за такой короткий срок! Вот вполне реалистичный набросок, рядом он же упрощается, упрощается до тех пор, пока не остается один каркас. Поразительно и непонятно, каким образом простота в своем крайнем проявлении превращается в загадку?
Очень понравилась серия работ, сделанных для театра — эскизы костюмов, декораций. Все персонажи характерные и очень живые.
Приятно было встретить старых знакомых: Амбруаза Воллара, Девочку На Шаре, Скрипку, и даже старого сизо-синего еврея с задумчивым мальчиком. Как сказал критик «Афиши», это ж наш Пикассо, практически родной всем, кто ходил в Пушкинский больше двух раз. Некоторые ранее не виденные мною работы тоже зацепили, например «Портрет Доры Маар» (1937 г). Поискала в интернете ее фото, похожа, как ни странно! Правда, так и не поняла, почему на картине у нее два носа, наверно, вертелась, когда позировала. Некоторые работы интересно было разгадывать, как головоломки. Висящие рядом «Мужчина с мандолиной» и «мужчина с гитарой» озадачили: где мужчины? где музыкальные инструменты? Потом пригляделась, как будто нашла глазик, еще один, носик… а отойдешь подальше, вроде и общие очертания вырисовываются. Из силуэтов зданий, посуды, неких неопознанных мною предметов, углов и плоскостей складывается человеческая фигура.
Благодаря выставке узнала, что Пикассо рисовал портреты по фотографиям, и этот факт его творческой биографии как-то расположил меня к этому странному человеку. Все, кто держал в руках карандаш, рисовал любимых звезд, разве нет? Однако многие художники словно стыдятся подобных опытов, совершенно по-снобски заявляя, что таким работам место не в портфолио, а на чердаке в коробке от ботинок. А тут, пожалуйста, в музее разместили, и оригинальные фотографии на соседней стене для сравнения. И вот что странно: Дягилев и Стравинский нарисованы вполне дружелюбно, а грациозные балерины превратились в увесистых кухарок.
Теперь отрицательные эмоции. Совершенно не понравились многочисленные обнаженные и купальщицы. Не воспринимаю как произведение искусства разъятое на части или изуродованное человеческое тело. У меня такие художественные образы вызывают стойкие ассоциации с анатомичкой. Честно, просто прошла мимо. Безумно стало жалко искалеченного автором Мальчика С Машинкой. За что он так ребенка? А беременная селедка с чахлыми ножками?
Тяжелое впечатление оставил раздел, посвященный войне. Здесь, наверно, оценки понравилось/не понравилось неуместны. Мне повезло, я войны не видела, не знаю, искренне надеюсь, что и не увижу. Возможно, о страшных вещах возможно рассказать только так.
Что посетила выставку, не жалею, много нового узнала, но вопросы остались. Все-таки, пресловутый кубизм — это идейное убеждение или коммерческий ход, способ продать нечто непонятное тем, кто мнит себя знатоками? Мне кажется, Пикассо был большой насмешник. И большой художник, это несомненно.

Любительница абсента. Картина Пабло Пикассо об одиночестве

«Любительница абсента» хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Она хорошо известна по всему миру. Это признанный шедевр молодого Пикассо.

Но назвать сюжет картины оригинальным сложно. И до Пикассо многие художники любили тему одиночества и опустошения. Изображая людей со взглядом в никуда за столиком в кафе.

Таких героев мы встречаем и у Мане, и у Дега.

Слева: Эдгар Дега. Абсент. 1876 г. Музей Орсе, Париж. Справа: Эдуард Мане. Сливовица. 1877 г. Национальная галерея Вашингтона

Да и для самого Пикассо эрмитажная «Любительница абсента» вовсе не оригинальна. Он не раз изображал одиноких женщин за рюмкой. Вот лишь две из них.

Слева: Любительница абсента. 1901 г. Художественный музей в Базеле. Справа: Пьяная уставшая женщина. 1902 г. Художественный музей в Берне

Так в чем же выражается шедевральность именно этой картины?

Стоит посмотреть на неё пристальнее.

Детали «Любительницы абсента»

Перед нами женщина за 40. Она худощава. Вытянутость её тела подчеркнуты пучком волос и непропорционально длинными руками и пальцами.

Пикассо охотно деформировал фигуры героев. Ему не важно было соблюсти пропорции и уж тем более сделать человека реалистичным. Через эти деформации он изображал их душевные искажения и пороки.

Лицо женщины тоже своеобразное. Некрасивое, с широкими скулами и узкими, почти отсутствующими губами. Глаза сужены. Как будто женщина о чем-то пытается думать, но мысль все время ускользает.

Пабло Пикассо. Любительница абсента (фрагмент). 1901 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Pablo-ruiz-picasso.ru.

Она уже находится под действием абсента. Но пока ещё пытается сохранять благонадежный вид. Держит рукой подбородок. Второй рукой обхватила себя.

Но говорящим является не только вид женщины. Но и окружающая обстановка.

Женщина близко сидит к стене. Как в очень замкнутом пространстве. Это усиливает ощущение погружённости в себя. Ещё её одиночество подчёркнуто чистым столом, на котором, кроме рюмки и сифона, ничего нет. Даже скатерти.

Лишь зеркало позади нее. В котором отражается размытое жёлтое пятно. Что это?

Это отражается происходящее в кафе. Перед взором героини -танцующие веселые пары.

Подсказку об этом нам дает сам Пикассо. В это же время он создал пастельную версию «Любительницы абсента».

Пабло Пикассо. Абсент. 1901 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.

Позади этой «коллеги по абсенту» – также жёлтое пятно. Но мы видим силуэты танцующих.

Возможно, в эрмитажной версии Пикассо решил оставить красноречивую желтизну. Показав, что веселье и общение уже ушли из жизни женщины.

Сюжет вне времени

И ещё стоит обратить внимание на несколько деталей.

Пикассо намеренно растушёвывает все линии. Создаётся ощущение табачного дыма и иллюзия опьянения женщины.

А сколько на картине перекрещенных линий! Руки героини. Отражение в зеркале. Темные линии на стене. Крышка у сифона. Символы перечёркнутой жизни.

Цветовое решение тоже говорящее. Синий спокойный цвет и неприятный красный оттенок. Женщина балансирует между здравым смыслом и галлюцинаторным миром абсента. Победит, конечно, второе. Позже.

Вообще все детали картины подчеркивают душевное состояние героини. Кратковременное удовольствие от напитка на фоне жизни, которая трещит по швам.

Мы сразу понимаем, что в этой жизни нет любимых, по-настоящему родных. Нет работы, приносящей радость.

Есть только уныние и одиночество. Поэтому алкоголь все больше затягивает. Помогает жизнь разрушить.

В этом и гениальность этой картины. Пикассо удалось очень пронзительно показать человека в процессе разрушения его жизни.

И не важно, в какой век это происходит. Это сюжет вне времени.  Это картина не о конкретной женщине. А обо всех людях с подобной судьбой.

О другом шедевре мастера читайте в статье «Девочка на шаре». Почему это шедевр».

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Главная иллюстрация: Пабло Пикассо. Любительница абсента. 1901 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Pablo-ruiz-picasso.ru.

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

150 известных картин, биографии и цитат Пикассо

Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, имевших место в этот период. До 50 лет художник испанского происхождения стал самым известным имя в современном искусстве, с наиболее отчетливым стилем и стремлением к художественному творчеству. До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За свою долгую карьеру он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации. Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников ХХ века.

Способность Пикассо создавать работы в удивительном диапазоне стилей снискала ему уважение еще при жизни.После его смерти в 1973 году его ценность как художника и вдохновение для других художников снизились. выросли. Без сомнения, ему суждено навсегда вписаться в ткань человечества как один из величайших художников всех времен.

Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком является одним из основателей всего кубистского движения. Кубизм был авангардным движением, навсегда изменившим лицо европейской живописи. и скульптура, одновременно влияя на современную архитектуру, музыку и литературу.Предметы и объекты в кубизме разбиты на части и перестроены в абстрактной форме. За период примерно с 1910-1920 гг., когда Пикассо и Брак закладывали фундамент кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновило на создание таких ответвлений, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.

Пикассо также приписывают изобретение искусственной скульптуры и соавторство в изобретении стиля коллажного искусства. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств.Эта революционная форма искусства привела общество к социальным достижениям в живописи, скульптуре, гравюре и керамике путем физического манипулирования материалами, которые ранее не были вырезаны или сформированы. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом отлить, обычно в трех измерениях. Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптурных композиций. произведения искусства, которых мир никогда раньше не видел.

Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать правду.» — Пабло Пикассо

Ранние годы Пикассо

Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его крещеное имя намного длиннее, чем имя Пабло Пикассо, и по традиционным андалузским обычаям в честь нескольких святых и родные. Его отец был художником и профессором искусства, и рисунок сына произвел на него впечатление с раннего возраста. Его мать однажды сказала, что его первым словом было попросить карандаш.В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное образование у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руиз считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческих форм с живых изображений. фигурные модели и гипсовые слепки.

В 1891 году в возрасте десяти лет семья переехала в Ла-Корунью, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором. Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, поклялся бросить рисовать.Хотя картины Руиса, кажется, были созданы много лет спустя, отец Пикассо определенно чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.

Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в возрасте всего 13 лет. В возрасте 16 лет его отправили в лучшую художественную школу Испании в Мадриде, Королевскую академию Сан-Фернандо.Пикассо не понравились формальные инструкции, и он решил прекратить посещать занятия вскоре после прибытия. Он провел свои дни в мадридском Прадо, где выставлялись такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.

Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей своей жизни, огромен и охватывает период от раннего детства до его смерти, создавая более полную запись его развития, чем, возможно, любые другие. художник. При изучении записей его ранних работ, как говорят, произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры.Эта дата Говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В 14 лет он написал «Портрет тети Пепы», поразительное изображение, которое называют одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал отмеченную наградами книгу «Наука и благотворительность».

Его техника реализма, столь укоренившаяся его отцом и его детскими исследованиями, эволюционировала с его знакомством с символистскими влияниями. Это побудило Пикассо разработать свой собственный взгляд на модернизм, а затем сделать свой первая поездка в Париж, Франция.Поэт Макс Жакоб, друг из Парижа, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где они познали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были холодно и в нищете, сжигая собственное дело, чтобы согреть квартиру.

Пикассо большую часть своей взрослой трудовой жизни провел во Франции. Его работы были примерно разделены на периоды времени, в течение которых он полностью раскрыл сложные темы и чувства, чтобы создать объединяющее план работ.

Каждый акт творения — это прежде всего акт разрушения », — Пабло Пикассо.

Голубой период (1901-1904)

Мрачный период, в течение которого Пикассо лично испытал бедность и ее влияние на окружающее его общество, характеризуется картинами, по сути, монохромными картинами в оттенках синего и синего. сине-зеленый, лишь изредка согреваемый другими цветами. Работы Пикассо этого периода изображают недоедание, проституцию и посмертные портреты друга Карлоса Касагемаса после его самоубийства, завершается мрачной аллегорической картиной La Vie. La Vie (1903) изобразил душевные муки своего друга перед лицом любовника, которого он пытался убить.

Период Розы (1904-1906)

Подходя к названию, как только Пикассо, казалось, нашел небольшую долю успеха и преодолел часть своей депрессии, у него был более веселый период с оранжевыми и розовыми оттенками и игривыми миры циркачей и арлекинов. Пикассо познакомился с богемной художницей по имени Фернанда Оливье, которая стала его возлюбленной. Впоследствии она появилась во многих из этих более оптимистичных картин.

Американские коллекционеры произведений искусства Лео и Гертруда Стайн стали большими поклонниками Пикассо. Они не только стали его главными покровителями, Гертруда также была изображена в его Портрет Гертруды Стайн, один из самых известных его портретов.

Влияние Африки (1907-1909)

Для Пикассо поворотным моментом стала ретроспектива Поля Сезанна, состоявшаяся в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году. был знаком с Сезанном, только на ретроспективе Пикассо испытал на себе все влияние его художественных достижений.В работах Сезанна Пикассо нашел модель того, как выделить существенное. с натуры, чтобы получить связную поверхность, которая выражает уникальное видение художника. Примерно в то же время эстетика традиционной африканской скульптуры стала оказывать сильное влияние на европейские народы. художники. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и их друзья из Парижской школы начинают смешивать высоко стилизованную обработку человеческой фигуры в африканских скульптурах. со стилями живописи, заимствованными из постимпрессионистских работ Сезанна и Гогена.

«Авиньонские девицы» были первым шедевром Пикассо. На картине изображены пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских, расколотых плоскостей, и лицами, вдохновленными иберийским. скульптура и африканские маски. Сжатое пространство, в котором обитают фигуры, кажется, выступает вперед зубчатыми осколками; Яростно заостренный ломтик дыни в натюрморте с фруктами внизу композиции качается на невозможно перевернутой столешнице. В этой картине Пикассо радикально отходит от традиционной европейской живописи, адаптируя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу квартиры. двухмерная картинная плоскость.

Когда впервые появился Les Demoiselles d’Avignon , мир искусства словно рухнул. Полностью отказались от известной формы и представительства. За это ее назвали самой новаторской картиной в современном искусстве. история. Благодаря новым стратегиям, примененным в картине, Пикассо внезапно обрел свободу выражения вдали от современных и классических французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные идеи развиты этот период ведет непосредственно к следующему периоду кубизма.

Другие видели, что есть, и спрашивали, почему. Я видел, что могло быть, и спросил, почему бы и нет ».
— Пабло Пикассо

Кубизм (1909-1919)

Это было слияние влияний — от Поля Сезанна и Анри Руссо до архаического и племенного искусства, — которое побудило Пикассо придать своим фигурам больше веса и структуры. примерно в 1907 году. И они в конечном итоге направили его на путь кубизма, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в искусстве Возрождения.В этот период стиль, разработанный Жоржем Браком и Пикассо, использовал в основном нейтральные цвета и основывался на том, что они «разбирают» объекты и «анализируют их» с точки зрения их формы. Кубизм, особенно вторая форма, известная как синтетический кубизм, сыграла большую роль в развитии западного мира искусства. Работы этого этапа подчеркивают комбинацию или синтез форм в картине. цвет очень важно в форме предметов, потому что они становятся больше и декоративнее.Неокрашенные предметы, такие как газеты или табачные обертки, часто наклеиваются на холст в сочетании с окрашенными участками — включение большого количества посторонних материалов особенно связано с новой техникой коллажа Пикассо. Эта техника коллажа подчеркивает различия в фактуре и ставит вопрос о том, что есть реальность и что такое иллюзия в живописи. Используя цвет, форму и геометрические фигуры, а также свой уникальный подход к изображению изображений, Пикассо изменил направление искусства для будущих поколений.

Неоклассицизм, сюрреализм и скульптура

Обладая непревзойденной техникой и мастерством, Пикассо совершил свою первую поездку в Италию в 1917 году и сразу же начал период поклонения неоклассическому стилю. Отказ от крайнего модернизма он рисовал и раскрашивал работы, напоминающие Рафаэля и Энгра. Это была всего лишь прелюдия перед тем, как Пикассо, казалось бы, без особых усилий начал объединять свои модернистские концепции со своим мастерством в сюрреалистические. такие шедевры, как «Герника» (1937), безумное и мастерское сочетание стиля, воплощающего отчаяние войны. Герника считается самой мощной антивоенной утверждение современного искусства. Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо прекращению войны и осуждение фашизма в целом. С самого начала Пикассо предпочитает не изображать ужас Герники в реалистическом стиле. или романтические отношения. Ключевые фигуры — женщина с распростертыми руками, бык, агонизирующий конь — уточняются в эскизе за эскизом, затем переносятся на вместительное полотно, которое он также несколько раз переделывает.Темный Цветная и монохромная тема использовалась для изображения тяжелых времен и страданий, которые были перенесены. Герника бросает вызов представлениям о войне как о героическом и разоблачает ее как жестокий акт самоуничтожения. Работы были не только практическим отчетом или живописью, но и оставались очень мощной политической картиной в современном искусстве, с которой конкурировали несколько фресок мексиканского художника. Диего Ривера.

Последние годы

Последние работы Пикассо представляли собой смесь многих стилей, которые он использовал на протяжении всей своей жизни.Он осмелился сделать скульптуры крупнее, а свои картины — более выразительными и красочными. Ближе к концу карьеры Пикассо любил изучать классические произведения, которые повлияли на его развитие на протяжении многих лет, и создал несколько серий вариаций картин старых мастеров, в том числе Рембрандта, Диего Веласкес и Эдуард Мане, основоположник современных традиций. Некоторые из его наиболее заметных работ, в том числе «Резня в Корее». после Гойи, «Менины» после Веласкеса и «Завтрак на траве» после Мане.Многие из эти произведения по-прежнему имеют влияние в мире искусства; и, фактически, благодаря видению и особому творческому стилю, они по-прежнему являются одними из самых инновационных произведений, представленных в мире искусства, даже в последние годы. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаны началом движения неоэкспрессионизма.

Влияние Пабло Пикассо

Когда Пикассо умер в возрасте 91 года в апреле 1973 года, он стал одним из самых известных и успешных художников за всю историю.Леонардо да Винчи 20 века, истинное величие Пикассо и значение заключается в его двойной роли одновременно революционера и традиционалиста. Он был уникальным в 20 веке, с одной стороны, он был способен на радикальные инновации, но с другой — на продолжение традиционных линий. Так, в «Авиньонских девицах» он победил репрезентативную картину, а в «Гернике» возродил жанр исторической живописи в новой форме. Он также несомненно самый плодовитый гений в истории искусства.Его карьера охватила более 78 лет, в течение которых он создал: 13 500 картин, 100 000 гравюр и гравюр и 34 000 иллюстраций. Пикассо был и остается фокусник писателей и критиков, метафора, которая улавливает как художника, способного трансформировать все вокруг себя одним прикосновением, так и человека, который также может трансформировать себя, ускользать от нас, очаровывать и гипнотизировать нас.

Так же, как Уильям Шекспир по литературе и Зигмунд Фрейд по психологии, влияние Пикассо на искусство огромно.Никто не достиг такой степени широко известной или продемонстрировал такую ​​невероятную многогранность, как Пабло Пикассо в истории искусства. Свободный дух Пикассо, его эксцентричный стиль и его полное игнорирование того, что другие думают о его работах и творческий стиль, сделал его катализатором для художников. Теперь известный как отец современного искусства, оригинальность Пикассо затронула всех крупных художников и художественных течений, последовавших за ним. Даже на сегодняшний день его жизнь и творчество продолжают привлекать бесчисленные научные интерпретации и привлекать тысячи последователей по всему миру.

Картины Пабло Пикассо

Портрет тети Пепы — Пабло Пикассо
Наука и благотворительность — Пабло Пикассо
Автопортрет — Пабло Пикассо
Смерть Касагемаса — Пабло Пикассо
Большая купальщица — Пабло Пикассо
Голова женщины — Пабло Пикассо
Художник и модель — Пабло Пикассо
Аккордеонист — Пабло Пикассо
Автопортрет — Пабло Пикассо
Acrobat — Пабло Пикассо
Художник и его модель — автор: Пабло Пикассо
Спящий — Пабло Пикассо
Авиньон — Пабло Пикассо
Купальщица с пляжным мячом — Пабло Пикассо
Купальщицы — Пабло Пикассо
Голубая обнаженная — Пабло Пикассо
Мальчик ведет лошадь — автор: Пабло Пикассо
Жаклин на коленях — Пабло Пикассо
Гарсон а ля трубка — Пабло Пикассо
Хлеб и фрукты Блюдо на столе — Пабло Пикассо
Бой быков — Пабло Пикассо
Коррида 3 — Пабло Пикассо
Сцена боя быков — Пабло Пикассо
Кот ловит птицу — автор: Пабло Пикассо
Селестина — Пабло Пикассо
Ребенок с голубем — Пабло Пикассо
Распятие — Пабло Пикассо
Дон Кихот — Пабло Пикассо
Дора Маар Au Chat — Пабло Пикассо
Семья Салтимбанков — Пабло Пикассо
Femme Aux Bras Croises — Пабло Пикассо
Фигуры на берегу моря — Пабло Пикассо
Девушка перед зеркалом — автор: Пабло Пикассо
Девушка в сорочке — Пабло Пикассо
Герника — Пабло Пикассо
Арлекин со стеклом — автор: Пабло Пикассо
Арлекин — Пабло Пикассо
Joie De Vivre — Пабло Пикассо
La Lecture — Пабло Пикассо
La Vie — Пабло Пикассо
Les Noces de Pierrette — Пабло Пикассо
Обед на траве — автор: Пабло Пикассо
Ма Джоли — Пабло Пикассо
Человек с трубкой — Пабло Пикассо
Резня в Корее — Пабло Пикассо
Материнство — Пабло Пикассо
Майя с куклой — Пабло Пикассо
Средиземноморский пейзаж — Пабло Пикассо
Минотавромахия — Пабло Пикассо
Мать и дитя 1921 — автор Пабло Пикассо
Мать и дитя — Пабло Пикассо
Ночная рыбалка в Антиб — Пабло Пикассо
Обнаженные зеленые листья и Бюст — Пабло Пикассо
Обнаженная в черной руке Стул — Пабло Пикассо
Ольга в кресле — автор: Пабло Пикассо
Художник и его модель — автор: Пабло Пикассо
Пол в костюме клоуна — автор: Пабло Пикассо
Портрет Амбруаз Воллар — Пабло Пикассо
Портрет Доры Маар 1941 — Пабло Пикассо
Портрет Доры Маар — автор: Пабло Пикассо
Портрет Гертруды Штейн — Пабло Пикассо
Портрет Сабарта — автор Пабло Пикассо
Чтение — Пабло Пикассо
Лежащая обнаженная — Пабло Пикассо
Сидящая купальщица — Пабло Пикассо
Сидящая обнаженная — Пабло Пикассо
Сидящая женщина 1938 — Пабло Пикассо
Сидящая женщина — Пабло Пикассо
Автопортрет с Палитра — Пабло Пикассо
Спящие крестьяне — Пабло Пикассо
Натюрморт с кувшином и яблоками — Пабло Пикассо
Сильветта — Пабло Пикассо
Tete Dune Femme Lisant — Пабло Пикассо
Сон — Пабло Пикассо
Поцелуй — Пабло Пикассо
Кухня — Пабло Пикассо
Старый гитарист — Пабло Пикассо
Сковорода — Пабло Пикассо
Похищение Сабинянки — Пабло Пикассо
Жаровня — Пабло Пикассо
Плачущая женщина — Пабло Пикассо
Три танцовщицы — Пабло Пикассо
Три музыканта — Пабло Пикассо
Три женщины в Весна — Пабло Пикассо
Две сестры — Пабло Пикассо
Крестьянский пир, 1917 — Пабло Пикассо
Две бегущие женщины на пляже — Пабло Пикассо
Женщина в кресле — автор: Пабло Пикассо
Женщина в шляпе и мехе Воротник — Пабло Пикассо
Женщина, бросающая камень — Пабло Пикассо
Женщина с цветком — автор: Пабло Пикассо
Йо Пикассо — Пабло Пикассо
Молодой акробат на шаре — Пабло Пикассо
Скульптор — Пабло Пикассо
Минотавр с мертвой кобылой перед пещерой — Пабло Пикассо
Театральный занавес для парада — Пабло Пикассо
Умирающий бык — Пабло Пикассо
Женщина в красном кресле — Пабло Пикассо
На пляже — Пабло Пикассо
Мать и дитя — Пабло Пикассо
Суп — Пабло Пикассо
Дома на холме — Пабло Пикассо
La Rue-des-Bois — Пабло Пикассо
Танец с вуалью — Пабло Пикассо
Портрет мадам Х. П. — Пабло Пикассо
Похищение сабинянок — Пабло Пикассо
Портрет художника после Эль Греко — Пабло Пикассо
Маленький домик в саду — Пабло Пикассо
Завод в Орто-де-Эбро — Пабло Пикассо
Сидящая женщина в саду — Пабло Пикассо
Лежащая обнаженная женщина — Пабло Пикассо
Портрет Даниэля-Генри Канвейлера — Пабло Пикассо
Женщина с сигаретой — Пабло Пикассо
Ожидание — Пабло Пикассо
Портрет Анхеля Фернандеса де Сото — Пабло Пикассо
Чаша с фруктами, скрипка и бутылка — Пабло Пикассо
Женщина в шляпе — Пабло Пикассо
Алжирские женщины — Пабло Пикассо
Графин и три чаши — Пабло Пикассо
Saltimbonques Арлекин и его спутник — Пабло Пикассо
Женщина с веером — Пабло Пикассо
Дружба — Пабло Пикассо
Купальщицы в лесу — Пабло Пикассо
Las Meninas — Пабло Пикассо
Мулен де ла Галетт — Пабло Пикассо
Голуби, Канны — Пабло Пикассо
Студия в Ла Колифорни — Пабло Пикассо
Дом Чернелей — Пабло Пикассо
Женщина с вороном — Пабло Пикассо
Сидящая обнаженная женщина — Пабло Пикассо
Две обнаженные — Пабло Пикассо
Отцовство — Пабло Пикассо
Первое причастие — Пабло Пикассо
Натюрморт с плетением стула — Пабло Пикассо
Натюрморт с компотом и стеклом — Пабло Пикассо
Молодые дамы на берегу Сены — Пабло Пикассо
Бюст мужчины в шляпе — Пабло Пикассо
Голова женщины в шляпе — Пабло Пикассо
Поцелуй — Пабло Пикассо
Мушкетер и Амор — Пабло Пикассо
Мушкетер с мечом — Пабло Пикассо
Сидящая женщина в зеленой шали — Пабло Пикассо
Мушкетер — Пабло Пикассо
Женщина с артишоком — Пабло Пикассо
Актер — Пабло Пикассо
Девушка с мандолиной — Пабло Пикассо
Обнаженная женщина в красном кресле — Пабло Пикассо
Козий череп, бутылка и свеча — Пабло Пикассо
Портрет Сильветты — Пабло Пикассо
Вакханалия — Пабло Пикассо
Женщина с собакой — Пабло Пикассо
Женщина под сосной — Пабло Пикассо
Женщина с грушами — Пабло Пикассо
Женщина укладывает волосы — Пабло Пикассо
Анхель Фернандес де Сото — Пабло Пикассо
Пейзаж Мужена, 1965 — Пабло Пикассо
Портрет Уильяма Шекспира, 1964 — Пабло Пикассо
Чикаго Пикассо, 1962-64 — Пабло Пикассо
Голова женщины, Фернанда, 1909 — Пабло Пикассо
Студия, 1928 — Пабло Пикассо
По Рембрандту: Ecce Homo, 1970 — Пабло Пикассо
Le Baiser — Пабло Пикассо
Автопортрет, 1896 — Пабло Пикассо
Мушкетер — Пабло Пикассо

Пабло Пикассо Биография

Пабло Пикассо оказал значительное влияние на искусство 20-го века. Он был художником-новатором, который экспериментировал и вводил новшества в течение своих 92 с лишним лет на Земле.Он был не только мастером живописи, но и скульптором, гравером, керамист, офорт, писатель. Его работы выросли из натурализма его детства через кубизм, сюрреализм и другие, формируя направление современного искусства на протяжении десятилетий. Пикассо пережил две мировые войны, произвел на свет четверых детей, снялся в фильмах и написал стихи. Он умер в 1973 году.

Ранние годы: 1881-1900

Хотя Пикассо большую часть своей взрослой жизни прожил во Франции, по рождению он был испанцем.Родом из города Малага в Андалусии, Испания, он был первенцем Дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Он был воспитан как католик, но в более поздней жизни объявил себя атеистом.

Отец Пабло Пикассо был самостоятельным художником, зарабатывая на жизнь рисованием птиц и других диких животных. Он также вел уроки изобразительного искусства и курировал местный музей. Дон Хосе Руис-и-Бласко начал обучать сына рисовал и рисовал маслом, когда мальчику было семь, и он обнаружил, что молодой Пабло был способным учеником.

Пикассо учился в Школе изящных искусств в Барселоне, где преподавал его отец, в 13 лет. В 1897 году Пикассо начал учебу в мадридской Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, которая была высшим искусством Испании. академия в то время. Пикассо присутствовал лишь ненадолго, предпочитая бродить по художественным выставкам в Прадо, изучая картины Рембрандта, Эль Греко, Франсиско Гойя и Диего Велакес.

В этот зарождающийся период жизни Пикассо он писал портреты, такие как Первое причастие своей сестры Лолы.К концу XIX века элементы символизма и его собственные интерпретация модернизма стала проявляться в его стилизованных пейзажах.

Средние годы: 1900-1940

В 1900 году Пикассо впервые отправился в Париж, центр европейской художественной сцены. Он жил в одной квартире с Максом Джейкобом, поэтом и журналистом, взявшим художника под свое крыло. Эти двое жили в крайней нищете, иногда сокращающейся. сжигать картины художника, чтобы согреться.

Вскоре Пикассо переехал в Мадрид и прожил там первую половину 1901 года. Он сотрудничал со своим другом Франсиско Асисом Солером в литературном журнале «Молодое искусство», где иллюстрировал статьи и создавал мультики с симпатией к бедным. К моменту выхода первого номера развивающийся художник начал подписывать свои работы «Пикассо», а не свое обычное «Пабло Руис и Пикассо».

Синий период

Период искусства Пикассо, известный как Голубой период, продолжался с 1901 по 1904 год.В это время художник писал преимущественно в оттенках синего с редкими акцентами. Например, на знаменитом произведении 1903 года «Старый гитарист» изображена гитара в более теплых коричневых тонах на фоне синих оттенков. Работы Пикассо «Голубой период» часто воспринимаются как мрачные из-за их приглушенные тона.

Историки связывают Голубой период Пикассо в значительной степени с явной депрессией художника после самоубийства друга. Некоторые из повторяющихся тем Голубого периода — слепота, бедность и обнаженная женщина.

Период роз

Период роз длился с 1904 по 1906 год. Оттенки розового и розового наполнили искусство Пикассо более теплым и менее меланхоличным воздухом, чем его картины Голубого периода. Арлекины, клоуны и цирк народ — один из часто повторяющихся сюжетов этих произведений искусства. Он написал одну из своих самых продаваемых работ в период розового периода — «Мальчик с трубкой». Элементы примитивизма в картинах периода Розы отражают эксперименты с художественным стилем Пикассо.

Влияние Африки

В период своего африканского искусства и примитивизма с 1907 по 1909 год Пикассо создал одно из своих самых известных и противоречивых произведений — «Авиньонские дамуазель». Вдохновленный угловатым Африканское искусство, которое он рассматривал на выставке во Дворце Трокадеро, и африканская маска, принадлежащая Анри Матиссу, искусство Пикассо отразило эти влияния в этот период. Как ни странно, Матисс был одним из самых громких обличителей «Авиньонских девиц», когда Пикассо впервые показал ее своему ближайшему окружению.

Аналитический кубизм

С 1907 по 1912 год художник работал с другим художником Жоржем Браком над созданием начала кубистского движения в искусстве. В их картинах использована палитра землистых тонов. В произведениях изображены деконструированные объекты сложной геометрической формы.

Его семилетняя романтическая партнерша Фернанда Оливье фигурировала во многих кубистских работах художника, в том числе «Голова женщины» Фернанды (1909).Историки считают, что она также появился в «Les Demoiselles d’Avignon». Их отношения были бурными, и в 1912 году они расстались навсегда.

Синтетический кубизм

Эта эпоха жизни Пикассо продолжалась с 1912 по 1919 год. Работы Пикассо продолжали работать в духе кубизма, но художник ввел новую форму искусства — коллаж в некоторые из своих творений. Он также включил человеческую форму во многие картины кубизма, такие как «Девушка с мандолиной» (1910) и «Ма Джоли» (1911–12).Хотя ряд знакомых ему художников уехали из Парижа, чтобы сражаться в Первую мировую войну Пикассо провел в своей мастерской.

К тому времени, как его отношения с Фернандой Оливье закончились, он уже влюбился в другую женщину. Он и Ева Гуэль, герой его картины 1911 года «Женщина с гитарой», были вместе, пока она не преждевременно смерть от туберкулеза в 1915 году. Затем Пикассо вступил в недолгие отношения с Габи Депейр Леспинесс, которые продлились всего год.В 1916-17 годах он ненадолго встречался с 20-летней актрисой Пакеретт и Ирен Лагут.

Вскоре после этого он встретил свою первую жену, Ольгу Хоклову, балерину из России, на которой он женился в 1918 году. Через три года у них родился сын. Хотя вскоре после этого артист и балерина расстались, Пикассо отказался предоставить Хокловой развод, поскольку это означало, что ему придется отдать ей половину своего состояния. Они оставались женатыми только по имени, пока она не умерла в 1955 году.

Неоклассицизм и сюрреализм

Период искусства Пикассо с 1919 по 1929 год характеризовался значительным изменением стиля. После его первого визита в Италию и окончания Первой мировой войны картины художника, такие как акварель «Крестьяне спят» (1919) отразили восстановление порядка в искусстве, а его произведения в стиле неоклассицизма резко контрастируют с его картинами в стиле кубизма. Однако, как французское сюрреалистическое движение набравший популярность в середине 1920-х годов, Пикассо начал воспроизводить свою склонность к примитивизму в таких сюрреалистических картинах, как «Три танцора» (1925).

В 1927 году 46-летний художник познакомился с Мари-Терез Вальтер, 17-летней девушкой из Испании. У них сложились отношения, и Мария-Тереза ​​родила Пикассо дочь Майю. Они оставались парой до 1936 года, и она вдохновила художника на создание «Сюиты Воллара», состоящей из 100 неоклассических офортов, выполненных в 1937 году. Пикассо познакомился с художницей и фотографом Дорой Маар в конце 30-х годов.

В 1930-х годах работы Пикассо, такие как его знаменитая «Герника», уникальное изображение гражданской войны в Испании, отражали насилие военного времени.Грозный Минотавр стал центральным символ его искусства, заменяющий арлекина его прежних лет.

Спустя годы: 1940-1973

Во время Второй мировой войны Пикассо оставался в Париже под немецкой оккупацией, терпя преследования со стороны гестапо, продолжая творить искусство. Иногда он писал стихи, завершив более 300 работ в период с 1939 по 1959 год. Он также написал две пьесы: «Желание, пойманное хвостом» и «Четыре маленьких девочки».»

После освобождения Парижа в 1944 году Пикассо завязал новые отношения с гораздо более молодой студенткой-искусствоведом Франсуазой Жило. Вместе они родили сына Клода в 1947 году и дочь Палому в 1949 году. Их отношения однако был обречен, как и многие предыдущие работы Пикассо, из-за его постоянных неверностей и жестокого обращения.

Он сосредоточился на скульптуре той эпохи, участвуя в международной выставке в Художественном музее Филадельфии в 1949 году.Впоследствии он создал скульптуру по заказу. известный как Чикагский Пикассо, который он подарил городу США.

В 1961 году в возрасте 79 лет художник женился на своей второй и последней жене, 27-летней Жаклин Рок. Она оказалась одним из величайших вдохновителей его карьеры. Пикассо создал более 70 ее портретов во время последние 17 лет он был жив.

Подходя к концу жизни, художник испытал прилив творчества.Полученные в результате произведения искусства представляли собой смесь его предыдущих стилей и включали красочные картины и медные офорты. Позже искусствоведы признали истоки неоэкспрессионизма в последних произведениях Пикассо.

Влияние Пикассо на искусство

Пабло Пикассо, оказавший огромное влияние на течение искусства 20-го века, часто смешивал различные стили, чтобы создать совершенно новые интерпретации увиденного. Он был движущей силой в развитии кубизма, и он поднял коллаж до уровня изобразительного искусства.

Обладая храбростью и уверенностью в себе, не сдерживая условностей или боязни остракизма, Пикассо следовал своему видению, которое привело его к новым инновациям в его ремесле. Точно так же его постоянный поиск страсти во многих Романтические связи на протяжении всей его жизни вдохновляли его на создание бесчисленных картин, скульптур и офортов. Пикассо — это не просто человек и его работа. Пикассо — всегда легенда, даже почти миф. В глазах общественности он давно был олицетворением гения в современном искусстве.Пикассо — идол, одно из тех редких существ, которые действуют как тигли, в которых сосредоточены разнообразные и часто хаотические явления культуры, которые, кажется, воплощают художественную жизнь своего возраст в одном человеке.

Пабло Пикассо — 1167 произведений

Пабло Пикассо был самым влиятельным и влиятельным художником 1-й половины 20-го века. Связанный больше всего с новаторским кубизмом, он также изобрел коллаж и внес большой вклад в сюрреализм.Он считал себя прежде всего художником, но его скульптура оказала большое влияние, и он также исследовал такие разнообразные области, как гравюра и керамика. Наконец, он был известной харизматичной личностью, ведущей фигурой в Ecole de Paris. Его многочисленные отношения с женщинами не только проникали в его искусство, но и, возможно, определяли его курс, и его поведение стало воплощением поведения современного богемного художника в народном воображении.

Пикассо отверг взгляд Матисса на первостепенную важность и роль цвета и вместо этого сосредоточился на новых живописных способах представления формы и пространства.Под влиянием новинок Сезанна, а также африканской скульптуры и древнего иберийского искусства он начал придавать своим фигурам больше структуры и деконструировать условности перспективы, которые доминировали в живописи с эпохи Возрождения. Это привело его (вместе с Жоржем Браком) к развитию совершенно нового кубистского движения, которое быстро стало передовым в современном искусстве. В то же время сам Пикассо отказался от ярлыка «кубизм», особенно когда критики начали различать два ключевых подхода, которые он преследовал — аналитический и синтетический.

В 1920-е и 1930-е годы Пикассо принял неоклассический образный стиль. Повзрослев, он работал над собственными версиями канонических шедевров таких художников, как Пуссен, Энгр, Веласкес, Гойя, Рембрандт и Эль Греко.

Влияние Пикассо было глубоким и далеко идущим на протяжении большей части его жизни. Его работа в области новаторского кубизма установила набор изобразительных проблем, приемов и подходов, которые оставались важными вплоть до 1950-х годов. Музей современного искусства в Нью-Йорке (MoMA) был назван «домом, который построил Пабло», потому что в нем так широко представлены работы художника.Пикассо создал одни из величайших картин 20-го века, некоторые из которых достигли культового статуса («Авиньонские девицы», «Герника», «Плачущая женщина»).

Более …

Пабло Пикассо (/ pɪˈkɑːsoʊ, -ˈkæsoʊ /; испанский: [ˈpaβlo piˈkaso]; 25 октября 1881 г. — 8 апреля 1973 г.) был испанским художником, скульптором, гравером, керамистом, сценографом, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей взрослой жизни. во Франции.Считается одним из самых влиятельных художников 20-го века, он известен как соучредитель кубистского движения, изобретением искусственной скульптуры, совместным изобретением коллажа и широким разнообразием стилей, которые он помогал разрабатывать и исследовать. . Среди его самых известных работ — прото-кубистские «Авиньонские девицы» (1907) и «Герника» (1937), драматические изображения бомбардировок Герники немецкими и итальянскими военно-воздушными силами.

Пикассо в ранние годы проявил незаурядный художественный талант, рисовал в естественной манере в детстве и юности.В течение первого десятилетия 20-го века его стиль изменился, поскольку он экспериментировал с различными теориями, техниками и идеями. После 1906 года фовистские работы художника чуть старше Анри Матисса побудили Пикассо исследовать более радикальные стили, положив начало плодотворному соперничеству между двумя художниками, которых впоследствии критики часто объединяли в пары как лидеров современного искусства.

Работы Пикассо часто делятся на периоды. Хотя названия многих из его более поздних периодов обсуждаются, наиболее общепринятыми периодами в его творчестве являются Голубой период (1901–1904), период роз (1904–1906), период африканских влияний (1907–1909), Аналитический кубизм (1909–1912) и синтетический кубизм (1912–1919), также называемый периодом кристаллов.Большая часть работ Пикассо конца 1910-х — начала 1920-х годов написана в неоклассическом стиле, а его работы середины 1920-х годов часто имеют черты сюрреализма. Его более поздние работы часто сочетают в себе элементы его более ранних стилей.

Исключительно плодовитый на протяжении своей долгой жизни, Пикассо добился всемирной известности и огромного состояния за свои революционные художественные достижения и стал одной из самых известных фигур в искусстве 20-го века.

Пикассо был крещен Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, серия имен, посвященных различным святым и родственникам.Руис и Пикассо были включены для его отца и матери, соответственно, в соответствии с испанским законодательством. Родился в городе Малага в Андалузском регионе Испании, он был первым ребенком Дона Хосе Руиса и Бласко (1838–1913) и Марии Пикассо и Лопес. Его мать была итальянского происхождения с территории Генуи. Хотя Пикассо крестился как католик, позже он стал атеистом. Семья Пикассо принадлежала к среднему классу. Его отец был художником, который специализировался на натуралистических изображениях птиц и других диких животных.Большую часть своей жизни Руис был профессором искусства в Школе ремесел и хранителем местного музея. Предки Руиза были мелкими аристократами.

Пикассо с ранних лет проявлял страсть и умение рисовать. По словам его матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от lápiz, испанского слова «карандаш». С семи лет Пикассо получил формальное художественное образование у своего отца в рисовании фигур и масляной живописи. Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что для надлежащего обучения требуется дисциплинированное копирование мастеров и рисование человеческого тела по гипсовым слепкам и живым моделям.Его сын стал заниматься искусством в ущерб своим классным занятиям.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →


Подробнее …

Художников по направлению: Сюрреализм

Художественное движение

Сюрреалисты стремились направить бессознательное как средство раскрытия силы воображения.Презирая рационализм и литературный реализм и находясь под сильным влиянием психоанализа, сюрреалисты полагали, что рациональный разум подавляет силу воображения, отягощая его табу. Под влиянием Карла Маркса они надеялись, что psyche обладает способностью выявить противоречия в повседневном мире и подстегнуть революцию. Их упор на силу личного воображения помещает их в традиции романтизма, но в отличие от своих предков они считали, что откровения можно найти на улице и в повседневной жизни.Стремление сюрреалистов задействовать бессознательное, а также их интерес к мифу и примитивизму сформировали многие более поздние движения, и стиль остается влиятельным по сей день.

Сюрреализм вырос из движения Дада, которое также восставало против самодовольства среднего класса. Однако художественные влияния исходили из самых разных источников. Наиболее непосредственное влияние на некоторых сюрреалистов оказал их современник Джорджо де Кирико, который, как и они, использовал причудливые образы с тревожными сопоставлениями.Их также привлекали художники недавнего прошлого, связанные с примитивизмом и символизмом, которые интересовались наивными или фантастическими образами, такими как Гюстав Моро, Арнольд Боклин, Одилон Редон и Анри Руссо. Даже художники эпохи Возрождения, такие как Джузеппе Арчимбольдо и Иеронимус Босх, были источником вдохновения, поскольку эти художники не были слишком озабочены эстетическими проблемами, связанными с линиями и цветом, а вместо этого чувствовали необходимость создать то, что сюрреалисты считали «настоящий.»

Движение сюрреалистов зародилось как литературная группа, тесно связанная с дадаизмом, возникшая после краха дадаизма в Париже, когда стремление Андре Бретона нести цель дадаизм столкнулось с антиавторитаризмом Тристана Цары. описанный как «Папа» сюрреализма, официально основал движение в 1924 году, когда он написал «Манифест сюрреализма ». Однако термин «сюрреализм» был впервые введен в употребление в 1917 году Гийомом Аполлинером, когда он использовал его в программных заметках к балету. Parade , написанный Пабло Пикассо, Леонидом Мясином, Жаном Кокто и Эриком Сати.

Примерно в то же время, когда Бретон опубликовал свой инаугурационный манифест, группа начала издавать журнал La Révolution surréaliste , который в основном был ориентирован на письмо, но также включал репродукции произведений искусства таких художников, как де Кирико, Макс Эрнст, Андре Массон, и Ман Рэй. Публикация продолжалась до 1929 года.

Бюро сюрреалистических исследований или Centrale Surréaliste также было создано в Париже в 1924 году. Это была свободно связанная группа писателей и художников, которые встречались и проводили интервью, чтобы «собрать всю возможную связанную информацию к формам, которые могли бы выражать бессознательную деятельность ума.«Бюро Bureau , возглавляемое Бретоном, создало двойной архив: один собирал образы снов, а другой — материалы, связанные с общественной жизнью. Ежедневно в офисе работали как минимум два человека — один для приветствия посетителей, а другой для записи наблюдения и комментарии посетителей, которые затем стали частью архива. В январе 1925 года бюро официально опубликовало свои революционные намерения, которые подписали 27 человек, в том числе Бретон, Эрнст и Массон. -рационализм дадаизма.Первые парижские сюрреалисты использовали искусство как средство от жестких политических ситуаций и для устранения беспокойства, которое они испытывали по поводу неопределенности в мире. Используя фантазии и образы снов, художники создавали творческие работы в различных средствах массовой информации, которые раскрывали их внутреннее сознание эксцентричным, символическим образом, выявляя тревоги и рассматривая их аналитически с помощью визуальных средств.

Хотя сюрреализм зародился во Франции, его разновидности можно найти в искусстве по всему миру.В частности, в 1930-х и 1940-х годах многие художники были вовлечены в его орбиту, поскольку нарастающие политические потрясения и вторая глобальная война породили опасения, что человеческая цивилизация находится в состоянии кризиса и коллапса. Эмиграция многих сюрреалистов в Америку во время Второй мировой войны распространила их идеи дальше. Однако после войны идеи группы были оспорены ростом экзистенциализма, который, хотя и прославлял индивидуализм, был более рационально основан, чем сюрреализм. В искусстве абстрактные экспрессионисты внедрили идеи сюрреализма и узурпировали свое господство, открыв новые методы изображения бессознательного.Бретон все больше интересовался революционным политическим активизмом как основной целью движения. Результатом стало рассредоточение первоначального движения на более мелкие группы художников. Бретонцы, такие как Роберто Матта, считали искусство политическим по своей сути. Другие, такие как Ив Танги, Макс Эрнст и Доротея Таннинг, остались в Америке, чтобы отделиться от Бретона. Сальвадор Дали также уехал в Испанию, веря в центральную роль личности в искусстве.

В 1936 году Музей современного искусства в Нью-Йорке организовал выставку под названием « Фантастическое искусство, дадаизм, сюрреализм », и на многих американских художников она произвела сильное впечатление.Некоторые, такие как Джексон Поллок, начали экспериментировать с автоматизмом и с образами, которые, казалось, происходили из бессознательного — эксперименты, которые позже привели к его «капельным» картинам. Роберт Мазервелл, как говорят, «застрял между двумя мирами» абстракции и автоматизма.

Во многом из-за политических потрясений в Европе Нью-Йорк, а не Париж, стал центром нового авангарда, который предпочитал использовать бессознательное посредством абстракции, в отличие от «нарисованных вручную снов» Сальвадора Дали.Выставка Пегги Гуггенхайм в 1942 году художников-сюрреалистов (Ротко, Готлиб, Мазервелл, Базиотес, Хоффман, Стилл и Поллок) вместе с европейскими художниками Миро, Клее и Массон подчеркивает скорость, с которой сюрреалистические концепции распространяются в арт-сообществе Нью-Йорка.

Сюрреалистов часто изображали как сплоченную группу мужчин, и их искусство часто представляло женщин как диких «других» культурного, рационального мира. Работа историков-феминисток с тех пор исправила это впечатление, не только подчеркнув количество женщин-сюрреалистов, которые были активны в группе, особенно в 1930-х годах, но и проанализировав гендерные стереотипы, действующие в большей части сюрреалистического искусства.Искусствоведы-феминистки, такие как Доун Адес, Мэри Энн Коус и Уитни Чедвик, посвятили этой теме несколько книг и выставок.

В то время как большинство мужчин-сюрреалистов, особенно Ман Рэй, Магритт и Дали, неоднократно фокусировались и / или искажали женскую форму и изображали женщин как муз, во многом так же, как мужчины-художники на протяжении веков, женщины-сюрреалисты, такие как Клод. Кахун, Ли Миллер, Леонора Кэррингтон и Доротея Таннинг пытались решить проблему принятия фрейдистского психоанализа, который часто рассматривал женщин как чудовищных и менее значительных.Таким образом, многие женщины-сюрреалисты экспериментировали с переодеваниями и изображали себя животными или мифическими существами.

Интересно, что многие известные женщины-сюрреалисты были британцами. Примеры включают Эйлин Агар, Ителл Колкухун, Эдит Риммингтон и Эмми Бриджуотер. Особенностью британской интерпретации сюрреалистической идеологии было постоянное исследование человеческих отношений с окружающей природной средой и, в первую очередь, с морем. Наряду с Агаром Пол Нэш проявил интерес к объекту Trouvé , обычно в форме предметов, собранных на пляже.Акцент на границе, где земля встречается с морем, и где скалы антропоморфно напоминают людей, нашел отклик в британской идентичности и, в более общем плане, в сюрреалистических принципах примирения и объединения противоположностей.

Международная выставка сюрреалистов (1936), проходившая в Лондоне, стала катализатором для многих британских художников. Возглавляемое Роландом Пенроузом и Гербертом Ридом, движение процветало в Великобритании, создавая всемирно известных икон Леонору Каррингтон и Ли Миллер, а также поддерживая деятельность другого важного круга художников, окружавших Бена Николсона, Барбару Хепуорт и Генри Мур.В целом, привилегия эксцентричного воображения и существенный отказ от стандартизированных и рациональных способов ведения дел находили отклик с самого начала. Этот золотой период для искусства в Великобритании в целом и, в частности, наследие британского сюрреализма, продолжает влиять на художественную практику страны и сегодня.

См. Также Сюрреализм (стиль)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Сюрреализм

Знаменитые картины Пикассо: 7 основных работ испанского мастера

Написано Форрестом Брауном, CNN

Трудно представить себе визуальный отчет 20-го века без Пабло Руиса Пикассо. Благодаря смелым формам и характерным углам испанский художник запечатлел все, от ужасов войны до безграничных возможностей человеческого облика.

Даже те, кто не знаком с тонкостями истории современного искусства, вероятно, могут идентифицировать несколько из его самых известных картин, особенно те, которые выполнены в его фирменном кубистском стиле. Однако за долгую жизнь Пикассо — он умер в 1973 году в возрасте 91 года — он, по оценкам, завершил 13 500 картин и около 100 000 гравюр и гравюр.

Пабло Пикассо, захваченный в октябре 1971 года в Мужене, Франция. Предоставлено: RALPH GATTI / AFP / AFP / Getty Images

Всесторонняя ретроспектива его работ и многочисленных художественных традиций, которые они охватили, — это масштабное мероприятие.Настолько, что целые музеи посвящены его плодотворной работе (Museu Picasso в Барселоне и Musée Picasso в Париже, если назвать два из самых крупных). Его работы также находятся в частных коллекциях по всему миру.

Вот семь самых известных картин Пикассо в порядке завершения:

«Старый гитарист»

«Старый гитарист» происходит из «голубого периода» Пикассо. Кредит: Поместье Пабло Пикассо / Общество прав художников / Чикагский институт искусств

Завершено: Конец 1903 — начало 1904
Где это можно увидеть: Чикагский институт искусств

«Старый гитарист» должен быть одним из самые печальные картины, которые когда-либо захватывали воображение мира искусства.Изображенная фигура — изможденная и со скрещенными ногами — выглядит измученной, когда он падает на свою коричневую гитару.

Картина маслом на панели относится к «синему периоду» Пикассо, когда он ограничивался оттенками синего, исследуя темы бедности и страдания. Знаете ли вы? Чикагский институт искусств стал первым американским музеем, выставившим на постоянной основе картину Пикассо после того, как в 1926 году он купил «Старого гитариста». Ошеломляющая сумма 2004 года.Кредит: Sotheby’s / AP

Завершено: 1905
Где это можно увидеть: Частная коллекция

С «Гарсон а ля трубка (Мальчик с трубкой)» мы переходим от голубого периода Пикассо к более оживленному периоду роз.

И хотя фигура на портрете, написанном маслом на холсте, облачена в синий цвет, на заднем плане присутствуют более счастливые оттенки охры и розового.

Вряд ли переполняясь радостью, мальчик производит впечатление более оптимистичного, чем образ забитых фигур из синего периода.Он даже носит головной убор с цветами, на фоне которых появляется больше цветов.

Пикассо написал это вскоре после того, как переехал в район Монмартра в Париже, который привлек таких художников, как Эдгар Дега и Анри де Тулуз-Лотрек. Знаете ли вы? «Гарсон» был продан в 2004 году за потрясающую сумму в 104,1 миллиона долларов — это рекорд для всех картин того времени. Искусствоведы были ошеломлены, некоторые не считали картину одной из лучших работ Пикассо. Но продажа помогла ему завоевать известность и закрепить за ним статус одной из самых известных работ Пикассо.

‘Gertrude Stein’

«Gertrude Stein» находится в постоянной коллекции Мет. Интерес Штейна к творчеству Пикассо стал поворотным моментом в его карьере. Предоставлено: Felix Horhager / picture-alliance / dpa / AP

Завершено: 1905-06
Где это можно увидеть: Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

На портрете, столь же впечатляющем, как и его сюжет » Гертруда Стайн »была создана ближе к концу периода розового творчества Пикассо.

Пикассо быстро сдружился со Штейном, писателем, после переезда в Париж.Известная своими еженедельными салонами, влияние Штейн распространилось за пределы литературного мира. Она также была заядлым коллекционером произведений искусства, и присоединение к ее ближайшему окружению могло поднять карьеру художника на новый уровень.

Хотя портрет не является кубистическим произведением, искусствоведы видят первые проявления кубизма в использовании простых масс для тела Штейна.

Знаете ли вы? Присмотритесь к картине — лицо Штейна выделяется на фоне остального портрета. Это потому, что Пикассо был недоволен своими первыми усилиями.Он так расстроился, что вернулся в Испанию на перерыв и закончил лицо по возвращении во Францию. Штейн завещал портрет Метрополитену в 1946 году.

‘Les Demoiselles d’Avignon’

«Les Demoiselles d’Avignon» вызвал настоящий переполох, когда его наконец выставили для всеобщего обозрения. Кредит: Поместье Пабло Пикассо / Общество прав художников / Музей современного искусства

Завершено: 1907
Где это можно увидеть: Музей современного искусства (Нью-Йорк) Все в «Les Demoiselles d’Avignon» шокировало всех. мир искусства, когда он был наконец показан в 1916 году, почти через десять лет после того, как Пикассо закончил его.От сюжета (женщины в борделе) до раннего кубизма, искажающего их тела, и того, как их глаза прямо встречаются с взорами зрителей, эффект был зажигательный.

Современный Анри Матисс был особенно раздражен и считал это оскорблением современного искусства. Но, несмотря на возмущение (а может быть, из-за него), «Авиньонские девицы» продолжали оставаться одной из самых узнаваемых картин Пикассо.

Знаете ли вы? Вы были бы прощены, если бы подумали, что в названии картины упоминается город Авиньон во Франции.На самом деле это относится к району Барселоны, Испания, который в то время был излюбленным местом проституток.

«Девушка перед зеркалом»

Беременная женщина изучает «Девочку перед зеркалом» 6 марта 2018 года во время выставки в галерее Тейт Модерн в Лондоне. Кредит: Леон Нил / Getty Images

Завершено: 1932
Где это посмотреть: Музей современного искусства (Нью-Йорк) Если есть хоть одна картина, которая кричит Пикассо, то это может быть та. «Девушка перед зеркалом» наполнена цветом, пафосом, намеком на эротизм и завораживающими формами, доводящими кубизм до крайностей.

Это увлекательное исследование, в котором спрашивают: «Что вы на самом деле видите, когда смотрите на себя?» Женщина, держащая зеркало слева, намного светлее и ярче, чем более темное отражение, которое, кажется, проливает слезу.

Знаете ли вы? Пикассо сказал, что «предпочитает эту картину любой другой», по словам основателя-директора MoMA Альфреда Х. Барра-младшего.

«Герника»

«Герника», проживающая в доме королевы Софии, является одной из самых известных. картины в мире.Кредит: GTRES / AP

Завершено: 1937
Где это можно увидеть: Музей королевы Софии (Мадрид) «Герника» — не только самая известная работа Пикассо, но и одна из самых известных картин (и поисковиков в Google) в мире.

Изображение бомбардировки баскского города Герника в апреле 1937 года во время гражданской войны в Испании было жуткой визуальной прелюдией к надвигающимся зверствам Второй мировой войны.

Приглушенные тона серого еще больше подчеркивают формы людей с раскинутыми в агонии руками и придают картине эффект документального стиля черно-белой фотографии.Он также содержит изображения животных, которые сильно ассоциируются с Испанией, а именно быка и лошади.

«Герника» стала одной из самых узнаваемых антивоенных картин в истории.

Знаете ли вы? На протяжении десятилетий «Герника» выставлялась в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, в то время как Франсиско Франко правил Испанией железной рукой. В 1974 году он был закрашен красной краской в ​​знак антивоенного протеста. Его быстро очистили и в конечном итоге вернули в Испанию в 1981 году.

«Плачущая женщина»

Посетитель изучает «Плачущую женщину» в галерее Тейт Модерн в Лондоне.Предоставлено: Гай Белл / Shutterstock

Завершено: 1937
Где это посмотреть: Тейт Модерн (Лондон) В современных кинематографических терминах воспринимайте «Плачущую женщину» как что-то вроде продолжения «Герники».

В то время как «Герника» изображает свежий и полный размах разрушения, «Плачущая женщина» исследует эмоциональные последствия войны, сосредоточившись на одной женщине, взятой с оригинальной картины.

Пикассо фактически создал серию портретов плачущих женщин, которые можно увидеть в различных галереях.Версия, находящаяся в галерее Тейт, — картина маслом на холсте в угловатом стиле Пикассо, включающая красный, зеленый, белый, желтый, синий и лиловый, — является кульминацией этих усилий. Знаете ли вы? Сюжет портрета — фотограф и художник Дора Маар, которая запечатлела его успехи на «Гернике». Она также была его любовницей и интеллектуальной компаньонкой.

Музеи могут предоставлять произведения искусства для специальных выставок в других местах. Всегда забегайте вперед, если хотите увидеть конкретную работу, чтобы убедиться, что она сейчас выставлена.

Пикассо был бездарным хакером — и вы тоже можете им стать! (абсент, искусство и творческий гений) — Creativindie

Некоторое время я знал, что Пикассо был самовозвеличивающим засранцем с небольшим талантом (способным к массовому производству, но несложным без стандартов качества).

Из нехудожественных affctionados Кубистические картины Пикассо или простые линейные наброски могут вызывать комментарии типа «любой ребенок мог бы это нарисовать».

Поверхностное введение в историю искусства часто будет сосредоточено на горстке «смелых и креативных» художников, которые вышли за рамки и начали движение, как если бы они были отважными изгоями или неудачниками, которые отказались подчиняться общественным ожиданиям, модам или стилям и просто делал свое дело.

На самом деле «Искусство ради искусства» — это мантра, которую мы унаследовали от модернистов Fin de siècle (1890–1900), что никогда не было правдой.

Краткий урок истории: С самого начала цивилизации художники создавали прекрасные вещи, которые ценились людьми. На протяжении тысячелетий навыки, методы и талант неуклонно совершенствовались. Дошло до того, что, если вы не были невероятно одаренными, вы не смогли бы поступить в лучшие художественные школы для повышения квалификации, а это означало, что у вас нет шансов стать профессиональным художником.

Что привело к появлению целой группы по-настоящему разочарованных творческих людей, которые начали восставать против классически организованных художественных академий. В 1887 году Густав Климт был соучредителем Движения сецессионов в Вене, которое было частью общего движения от «классического» искусства. Искусство больше не должно быть «функциональным» (т. Е. Приятным на вид). Не имело значения, нравилось ли это кому-нибудь. Просто он должен был быть НОВЫМ.

Итак, целая группа людей с ограниченным образованием или талантом (способность рисовать репрезентативно, используя перспективу, правильные размеры и пропорции) начала создавать целую кучу вещей.Не случайно 1890-е были также изобиловали новыми захватывающими веществами и научными открытиями, такими как героин и кокаин, что привело к безудержным экспериментам с новыми настроениями и ощущениями. (Фрейд писал о пользе кокаина в 1884 году, а «Coca-Cola» была представлена ​​в 1886 году. Героин был разработан как «не вызывающее привыкания» лекарство от морфиновой зависимости.)

Но на этой неделе я прочитал особенно занимательную Книга абсента: история культуры, , которая познакомила меня с сомнительными, но буйными фактами скромного начала Пикассо.Короче говоря, он был дерзким молодым панком, явно копирующим лучших художников, без творческой мысли в голове, постоянно пытающимся нажиться на господствующих тенденциях и причудах — в основном на абсенте, — который напрямую отвечает за все лучшие работы Пикассо, включая «голубой период» и изобретение кубизма.

Немного об абсенте

Во время французских колониальных войн 1830-1847 гг. Для защиты от малярии и уничтожения бактерий в питьевой воде выдавался абсент.Активным химическим веществом полыни, основного ингредиента абсента, является туйон , который имеет химическое сходство с ДЭТА (используется в большинстве репеллентов от комаров). Хотя это привело к нескольким случаям бредового безумия, солдаты принесли обычай домой.

В конце 19 века растущий средний класс стремился подражать неторопливому образу жизни, который раньше был возможен только для аристократов. Пить абсент стало величавым и гламурным; это было связано с оперой, высоким классом и заметным потреблением.Перед обедом это был респектабельный буржуазный обычай.

Это была эпоха модных званых ужинов и остроумия, но также и скандалов и сексуальных ненадлежащих действий; это была эпоха Оскара Уайльда и Бодлера, и создание искусства должно было шокировать и потрясать.

Абсент был умным, веселым, вычурным напитком модных молодых людей («денди»). А его сенсорная новизна была оценена творческими мыслителями, пытающимися найти новый стиль. Основная проблема заключалась в том, что, поскольку навыки и талант больше не имели значения, было действительно трудно понять, что было ценным.Таким образом, большинство этих молодых художников не могли заработать никаких денег (и, что еще хуже, их часто высмеивали в прессе).

Но это сделало их всех болезненными и безнадежно пристрастившимися алкоголиками … жизнь в городе стала измученной, разочаровывающей, депрессивной, омерзительной, невыносимой. Бедные, голодающие художники, тратившие все свои деньги на абсент, стали культурным клише; даже (или особенно) наиболее успешные умерли буквально без гроша на улице, уткнувшись лицом в сточную канаву.

Богемия была «сценой для менее известных или борющихся писателей и художников, которые однажды могли оказаться в Академии Франсез, но в равной степени могли оказаться в приюте, благотворительной палате или морге.”

Абсент, также называемый «безумием в бутылке», был центральной чертой этого периода.

в 1874 г., производилось 700 000 литров в год; к 1910 году оно увеличилось до тридцати шести миллионов.

Помимо простого алкоголизма, длительное употребление абсента привело к психозу и крайней паранойе.

Жестокие любовные связи с ножевыми ранениями и выстрелами из пистолетов были обычным делом.

Абсент был культурным символом всего, что происходило: мутности и моральной неразберихи после распада великих религиозных повествований; перенаселенность городов и нестабильный рынок труда; неопределенность и бессмысленность жизни…

Первая картина абсента была написана Мане в 1859 году.

Ближе к завершению работы над картиной Мане показал работу своему бывшему мастеру, который возразил: «Любитель абсента! И вот такие мерзости рисуют! Бедный друг, ты любишь абсент. Это вы потеряли моральное чутье ».

Стоит, однако, заметить, что Мане уже писал в основном то же самое; куча бедных растрепанных бомжей.

Вот картина 1867 года «Философ».

Фактически, стакан абсента в пьющем абсент был более поздним дополнением к картине.Вместо того, чтобы «держаться» и «не поддаваться влиянию причуд»… художники того времени (как и все художники, действительно должны) добавляли элементы, которые были в тренде, которые связывались с людьми, были современными и актуальными.

Still, Любитель абсента был представлен и отклонен Парижским салоном в 1859 году; в основном потому, что он был настолько неотшлифованным — вы даже могли видеть мазки, о боже! Так много картин было отвергнуто обнадеживающими молодыми художниками, что они собрали вместе и создали Salon des Refusés в 1863 году.

Эдгар Дега написал L’Absinthe в 1876 году. Критик Gazette назвал его

Совершенство безобразия… Цвет отвратителен, как цифры; брутальный, чувственно выглядящий французский рабочий и болезненно выглядящая гризетка; самая милая пара.

Но времена менялись … кто-то действительно купил его, и он был продан на Christies в 1892 году (хотя публика на это шипела).

Другой критик в Вестминстерской газете:

Того, кто ценит достоинство и красоту, никогда не убедят считать L’Abinsthe произведением искусства.

Даже если это не очевидная тема, на возникающие стили дня повлияли пьянство и искажения видения, которые они вызывали.

Первая стадия похожа на обычное питье, вторая — когда ты начинаешь видеть жестокие и чудовищные вещи… Но если ты будешь настойчив, ты войдёшь в третью стадию, где ты увидишь то, что хочешь видеть ». -Оскар Уайльд

Комментатор картин Лотрека (вроде этой) сказал, что они «полностью написаны абсентом.”

Мне также нравится эта работа Акселя Торнемана в 1902 году:

Абсент также был основным продуктом в литературе — не только поэтическими балладами, доставляющими удовольствие, но и как социальный дестабилизатор.

В романе Золя 1880 года Нана сексуальная лесбийская пара остается с бутылкой вместо того, чтобы спуститься и попить пива с мужчинами.

Работающие женщины были менее склонны хватать мужчину, чтобы поддержать себя, поэтому для одиноких молодых людей, у которых не было денег или уверенности, чтобы флиртовать, абсент стал постоянным спутником.

Альберт Майнян написал «Зеленую Muse » в 1895 году.

Чешский художник Виктор Олива сделал нечто подобное в 1901 году.

Но когда абсент стал дешевле пива; он все больше и больше ассоциировался с рабочим классом, что было плохо для производства.

Первые герои творчества и эстетики и «Искусство ради искусства!» росли, старели, постоянно напивались, хронически болели, обеднели и рано умирали.

Вся атмосфера была изображена в картине Оскара Уайльда Изображение Дориана Грея (1890)… красивые молодые люди становятся ужасными, несчастными, нищими, сумасшедшими.

Хуже того, нарушение границ классов привело к появлению роскошных заведений, таких как Cafe Royal, где продавали абсент дешево и позволяли рабочим классам насладиться вкусом роскоши (обычно по воскресеньям, что сделало понедельник неофициальным праздником, поскольку никто не мог получить его). работа выполнена).

Орфен, 1912 Cafe Royale

Войдите Пикассо, справа от сцены

Сразу после этого перехода искусства и абсента, когда легендарные поэты в течение десятилетия страдали от зависимости, обеднели, сошли с ума и / или умерли, в 1900 году прибыл Пикассо со своим другом Карлосом Касагемасом.

Что решил написать молодой Пикассо? Абсент, конечно.

В 1901 году он написал картины с умным названием Женщина, пьющая абсент, и Любительница абсента.

Не имея собственного стиля, он экспериментировал со стилями других людей.

Пикассо ассоциировал абсент с бодлеровскими традициями небогатой городской жизни и кафе, и в частности с Альфредом Джарри (эксцентричным другом Оскара Уайльда), который так очаровал его, что он подражал ему, пил абсент и носил револьвер.

Не довольствуясь копированием, Пикассо ревновал и склонен к конкуренции.

Он ненавидел Матисса и заставлял своих друзей писать граффити на стенах; «Картины Матисса сведут вас с ума»

Через год после того, как они приехали в Париж, Карлос начал встречаться с женой Рамона Пишо (еще одного друга Пикассо), но затем попытался застрелить ее (возможно, из-за ревности и запоя, подпитываемого абсентом?), Но у него ничего не вышло, поэтому он застрелил сам (может быть, опасался, что Пишо охотится на него из чести).

Учитывая, что люди любили носить с собой пистолеты, и что всех разбивали абсентом, что вызывало крайнюю паранойю и другие негативные эмоции, в этот период было много самоубийств.

Во всяком случае (как утверждается) именно поэтому Пикассо начал раскрашивать вещи синим цветом. Однако тема не сильно изменилась. Фил Бейкер комментирует:

Ранние работы Пикассо были посвящены бедности и депрессивным предметам, написанным в синих и зеленых тонах.Питье абсента, кажется, фигурирует на этих фотографиях как пример зависимости, тревоги и психической крайности ».

Был ли у Пикассо клиническая депрессия после потери друга? Я так не думаю.

Он просто рисовал предметы, которые уже были популярны: бедность, кафе, одинокие фигуры и абсент.

Он даже нарисовал клоунов, потому что Лотрек и другие художники делали это с некоторым успехом.

Синий цвет — новинка… но в 1903 году Пикассо вместо этого перешел на недолговечный «период роз».

Он, вероятно, использовал стекло синего или розового цвета и просто экспериментировал с разными вещами. Но розовый тоже не подошел, потому что депрессия больше соответствовала ритму времени.

Был ли он вдохновлен божественным гением, прислушиваясь к вдохновению и делая то, чем он действительно был увлечен?

Нет. Смотри, больше клоунов, бедняков и изолированных, лишенных эмоций фигур.

Я не говорю, что это не круто, и Пикассо, кажется, разрабатывает стиль … но на самом деле он копирует стили других людей. Пикассо был настолько известен своими воровскими идеями, что другие художники начали скрывать свои работы, когда он заходил.

В большой статье под названием Проблема Пикассо автор размышляет о выставке, сравнивая влияние Дега на Пикассо, и пишет:

Недаром он язвительно заметил: «Хорошие художники берут взаймы, великие художники воруют.(И, разумеется, Пикассо считал себя очень великим художником.) Снова и снова в «Пикассо смотрит на Дега» испанец кажется грубым и цепким, а француз уравновешенным и утонченным.

В 1912 году он начал заниматься тем, что стало известно как Кубизм . На самом деле, он просто использовал бутылки и стаканы с абсентом, чтобы фрагментировать сцену. Вот Бутылка перно (абсента) и бокал .

Пикассо также опубликовал несколько фотографий статистически разобранной гитары и скрипки в небольшом журнале, на который подписалось всего четырнадцать человек.После появления инструментов Пикассо тринадцать из них написали и отменили подписку.

В 1914 году попробовал свои силы в скульптуре. Что он сделал?

Серия из шести странных стаканов с абсентом. Вот один (видите сверху ложку и кусочек сахара?)

Лично я считаю, что это чушь, но мне нравится, когда в моем искусстве есть хоть какие-то навыки или качество, требуется время на создание и эмоциональное возбуждение.

Но современные критики назвали это «дерзким праздником напитка, который теперь явно находится под угрозой исчезновения.”

Из-за деструктивного воздействия абсента запрещенное движение набирало обороты.

Германия объявила войну 13 августа 1914 года — 16 августа абсент был запрещен.

Выводы

«Следуй за своей страстью» и «Искусство ради искусства» (искусство на 100% нефункционально) привело к появлению поколения очень творческих молодых людей, которые напились и ужасно умерли. Некоторые из них создали качественный материал, но даже те, кто прославился, сделали это в равной степени благодаря своему причудливому, опасному и жестокому образу жизни, основанному на избытке, самоуничтожении, жалости к себе, раскаянии и самоанализе, а также растущем чувстве бессмысленности.

Пикассо избежал всего этого , так как опоздал, когда абсент был на пути к выходу, но он воспользовался этим , продолжая сосредотачиваться на самой распространенной и распространенной художественной теме последних 20 лет.

Он не спрашивал себя: «Чем я увлечен? Что я люблю рисовать? Что я хочу делать? »

Он огляделся и сказал: «Что все еще делают? Что вызывает острые социальные споры, вызывающие сильные эмоциональные споры? »

Картины грустных людей, пьющих только абсент, уже были обычным явлением.Картины искаженные, размытые или «зеленые», отсылающие к пьяному состоянию абсентов, были уже обычным явлением. Но Пикассо все равно потратил 14 лет на их рисование.

Конечно, кубизм был интеллектуальным скачком — он изобрел что-то новое — но он все еще был очень привязан к современным движениям, объектам и теме абсента. И прославился он лишь случайно, потому что чудаки вроде символистов и дадаистов искали причудливого, уродливого, провокационного «антиискусства».

И хотя он пробовал еще кое-что, в основном он рисовал абсент, снова и снова.

Извлеченные уроки

1. Господствующая идеология творческого производства (по крайней мере, для большинства писателей и художников) та же, что ведет к неудачам и разорению. «Искусство» — это не замкнутое без зрителя чудо божественного вдохновения. «Искусство» — это не делать то, что вам хочется. Он не имеет внутренней ценности независимо от его качества, навыков или потенциального интереса для других людей.

2. Величайшие, самые успешные, известные художники в истории всегда были в самом сердце популярных художественных движений, замечали, что было модно или популярно, видели вещи, о которых все говорили или на что реагировали, в значительной степени заимствованные у всех других художников. они могли найти, собрать все воедино в идеальном сочетании удивительности (жесткое потребительское предательство), а затем выпустить на рынок ад из этого.

Есть несколько примечательных исключений, таких как Ван Гог, но даже трагическая жизнь, которую он прожил, настолько точно соответствовала нынешнему архетипу несостоявшегося гения, что помогала ему позже претендовать на славу; Кроме того, его картины определенно были близки художественным направлениям и стилям его времени — яркие цвета, смелые мазки, игнорирование перспективы и т.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *