Голландский угол — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Сиденья на станции метрополитена. Пример использования приёма в статичном кадре.
Штативная головка специальной конструкции позволяет поворачивать камеру на необходимый для творческого замысла угол.Голландский угол (англ. Dutch angle, также немецкий угол) — термин для обозначения специфического приёма фотографии или кино. Этот приём часто используется для того, чтобы показать душевные волнения или напряжённое состояние героя. Голландский угол получается, когда камера смотрит на героя снизу вверх, при этом горизонт должен быть завален набок. Большинство кадров, снятых с голландского угла, статичные. В движении камера может вращаться, идти вслед за актёром или двигаться по диагональной линии, заданной режиссёром или оператором. Кадры с «голландским углом» обычно монтируются так, чтобы наклон по горизонтали чередовался. Например, сначала наклон влево, потом — вправо и т. д.
Такой ракурс часто использовался в фильмах немецкого экспрессионизма для выражения безумия, беспокойства, необычности и дезориентации. Считается, что отсюда произошло название приёма. В английском языке слово Deutsch (немецкий) часто путается со словом Dutch (голландский), которое имеет похожее происхождение и звучание.
Ветераны немецкого экспрессионизма, перебравшиеся в Голливуд, широко использовали съёмку с острого угла в фильмах ужасов и фильмах-нуар. Это один из наиболее распространённых стилистических приёмов нуаровой эстетики. К примеру, в нуаре 1949 года «Третий человек» широко использовались кадры, снятые под голландским углом, чтобы подчеркнуть отчуждение главного героя перед всем тем, что его окружало в другой стране.
Большинство панорамных головок киносъёмочных штативов не позволяют наклонять кадр относительно горизонта. Поэтому для получения таких кадров используется специальное устройство Dutch head, устанавливаемое между камерой и штативной головкой[1]. Большинство таких устройств позволяет осуществлять плавную регулировку наклона камеры и даже изменять его в процессе съёмки.
разбираем авторский почерк Дэнни Бойла
Клиповый монтаж
Несмотря на то что в кино Бойл пришёл из театра, его подход к съёмкам и монтажу очень похож на клиповый. В фильмах Дэнни кадр редко длится больше трёх секунд, причём касается это не только сцен погонь из «На игле» или экшена из «28 дней спустя». Даже в экспозиционных сценах, где зрителю просто показывают локацию, Бойл не любит надолго задерживаться на одном изображении — «Миллионер из трущоб» тому яркий пример. Во многом поэтому его фильмы — даже разговорный «Стив Джобс» — очень энергичны, на них крайне сложно заскучать.
Невероятная камера
Камера в фильмах Дэнни Бойла усердно отказывается принимать во внимание земную гравитацию. Почти никогда режиссёр не ставит объектив на уровне глаз героев — как это, по идее, принято в классическом кино. Его камера снимает действие снизу, сверху, под «голландским» углом (это когда горизонт в кадре намеренно завален, один из любимых приёмов Бойла) — что угодно, лишь бы не работать по правилам. Иногда он и вовсе снимает из, казалось бы, невозможных мест: например, из туалета в «На игле».
Такой подход к съёмке позволяет создать совершенно уникальное визуальное пространство фильма. Его кино воздействует изображением на подсознание зрителя, заставляя воспринимать происходящее с нарочито искажённой точки зрения.
Закадровый голос
Одно из главных правил, которому учат всех голливудских сценаристов: закадровый голос — дешёвый приём. Сюжет надо показывать действием. Чем меньше слов, тем лучше.
Но Бойл, как мы знаем, на голливудские курсы сценарного мастерства не ходил: его герои очень любят поговорить со зрителем напрямую. Ричард рассказывает о своём полёте в Бангкок в «Пляже», Роберт Капа докладывает нам о предназначении космической миссии из «Пекла», любят поболтать герои «Неглубокой могилы» и «Миллионов», а Марк Рентон игриво рассуждает о том, как правильно «Выбрать жизнь». Что самое удивительное, закадровый голос в фильмах Бойла всегда работает на историю и совершенно не выглядит «дешёвым» приёмом: с помощью него у зрителя устанавливается более тесная связь с персонажами, почти дружеские отношения, помогающие вовлечению в действие.
Сюрреализм
Фильмы Дэнни Бойла относительно реалистичны — даже научно-фантастическое «Пекло» и хоррор «28 дней спустя». Но почти в каждой его ленте есть отдельные эпизоды, вырывающие зрителя из реальности. В «На игле» есть сцена с «худшим в Шотландии туалетом» и ползущий по потолку младенец. В «Пляже» Ди Каприо в один момент представляет, что он в видеоигре. В «127 часов» персонаж Джеймса Франко от истощения начинает видеть галлюцинации. А главный герой «Миллионов», как и любой ребёнок, очень любит помечтать — и его фантазии фильм с радостью визуализирует. Все эти единичные, но очень яркие моменты помогают погрузиться в субъективное восприятие персонажей, смотреть на мир и историю фильма как бы их глазами.
Яркие цвета
Бойл — очень стильный режиссёр, с этим вряд ли кто-то будет спорить. В отличие от представителей классического британского кино, которое тяготело к реалистичным цветам, Дэнни Бойл раскрашивает свои фильмы, словно художник-авангардист. Даже абсолютно невзрачные локации вроде скромных квартир и подъездов он умудряется превратить в яркие декорации, отражающие состояние героев. Зелёные стены «Стива Джобса», красный телефон в «Неглубокой могиле» как знак скорой опасности. Цвета для Бойла — ещё один способ залезть к зрителю «в подкорку», сказать что-то, не говоря ничего.
Психоделия «Аннигиляции» и «Во все тяжкие» экзистенциализма
Как психоделические трипы повлияли на «Аннигиляцию» Алекса Гарленда, какие приемы использовал оператор сериала «Во все тяжкие» и что такое «голландский угол»?
В очередном выпуске видеосалона опять пригодится знание английского языка, хотя любоваться «голландскими углами» можно и без него.
Показать непостижимое: Чем вдохновлена «Аннигиляция»
Автор канала Thomas Flight разбирается в психоделических источниках визуального ряда «Аннигиляции» Алекса Гарленда, а заодно делится своей версией разгадки финала фильма.
Происхождение «голландского угла»
Если говорить совсем просто, то «голландский угол» — это когда камера снимает персонажей снизу вверх, а горизонт при этом ощутимо завален. А если сложнее, то в этом видео подробно объясняется происхождение и смысл этого давно изобретенного операторского приема.
Дэнни Голландец Бойл
Бонус к предыдущему видео — «голландский угол» в творчестве британца Дэнни Бойла. Этот режиссер, как выясняется даже при беглом обращении к его фильмографии, очень этот прием любит, но использует всегда по делу.
4 главных операторских приема в сериале «Во все тяжкие»
И еще одно видео про операторскую работу. Теперь на материале сериала «Во все тяжкие». Авторы канала ScreenPrism выделяют четыре основных приема, используемых на протяжении всех сезонов, и приходят к выводу, что все они работают на формирование экзистенциальной точки зрения.
Новый канон: Апитчатпон Вирасетакул
На Fandor каждую неделю публикуют такое количество видеоэссе, что можно было бы обозревать только их. Это выделяется из общего ряда тем, что открывает новую рубрику «Новый канон». В ней обещают говорить о режиссерах XXI века, которые претендуют на место в истории кино. Начать решили с тайца Апитчатпона Вирасетакула, который в 2010 году получил «Золотую пальмовую ветвь» за фильм «Дядюшка Бунми, который помнит свои прошлые жизни». Никогда не поздно записаться в хардкорные синефилы.
» Приемы: Голландский угол
Заваливаем горизонт правильно: для чего в кино нужен голландский угол и почему им стоит пользоваться в меру.
Что такое голландский угол?
Кадр из фильма «Гражданин Кейн» (1941)
Голландский угол (Dutch angle/Dutch tilt) — это такой способ построения кадра, когда камера располагается под наклоном относительно линии горизонта и/или нижней стороны кадра. Термин можно описать в двух словах: «горизонт завален».
Немного истории
Хотя прием называется «голландским углом», к Голландии и к кинематографу Нидерландов он отношения не имеет. Название пошло из-за путаницы — слово Dutch (голландский) вытеснило созвучный оригинал Deutsch (немецкий). Потому иногда прием называют еще и «немецким углом». Это менее распространено, но по сути более верно и указывает на происхождение техники.Кадр из фильма «Кабинет доктора Калигари» (1920)Активно заваливать горизонт начали в 1920-е годы в кинематографе немецкого экспрессионизма. В фильмах этого направления часто поднимались темы душевного беспокойства, сумасшествия, а их действие разворачивалось на фоне некой полуфантастической искаженной реальности. Голландский угол в таком контексте оказался очень подходящим визуальным инструментом. Яркий пример — фильм-родоначальник немецкого экспрессионизма «Кабинет доктора Калигари» Роберта Вине.
Кадр из фильма «Человек с киноаппаратом» (1929)
Примерно в то же время ракурсная съемка получила популярность в советском кинематографе революционного авангарда, где ее применяли в том числе, чтобы придать изображению больший динамизм. Пожалуй, наиболее ярко это проявилось в документальном «Человеке с киноаппаратом» Дзиги Вертова.
Кадр из фильма «Птицы» (1963)
Уже в 1930-е годы прием перекочевал в Голливуд, где оказался особенно востребован в жанрах хоррора, триллера, мистики и нуара, то есть как раз в тех фильмах, где экранный мир отличается особой условностью. К 1950-60-м годам прием потерял свою жанровую «окраску» и прочно утвердился в качестве традиционных визуальных инструментов самых разных режиссеров. Среди кинематографистов, для которых голландский угол стал характерной стилевой чертой, можно выделить Альфреда Хичкока, Орсона Уэллса, Михаила Калатозова, Брайана Де Пальму, Терри Гиллиама, Тима Бертона, Кристофера Нолана, Дэнни Бойла, Квентина Тарантино, Гая Ричи, Майкла Бэя и многих других.
Для чего используется голландский угол
Разберем, каких основных эффектов позволяет добиться использование голландского угла.Диалог. Голландский угол может быть эффектным средством для того, чтобы разнообразить диалоговые сцены. Например, в фильме «Миссия: Невыполнима» Брайан Де Пальма решает один из самых напряженных диалогов «восьмеркой». Заваленный горизонт и крупные планы при этом помогают передать сильные эмоции героев.
>
Сцена из фильма «Миссия: Невыполнима» (1996)
Конфликт. Голландский угол создает ощущение напряжения, он часто появляется в сценах с ярко выраженным конфликтом героев. Один из примеров — картина Спайка Ли «Делай, как надо». Кстати, голландский угол — это эффектный инструмент демонстрации взаимоположения героев относительно друг друга. В той же сцене из «Делай, как надо» условно более сильные, доминирующие герои намеренно сняты с нижней точки. Тот же подход использовал, например, Орсон Уэллс в «Гражданине Кейне», чтобы подчеркнуть масштаб личности главного героя.
Сцена из фильма «Делай, как надо» (1989)
Динамика. Иногда голландский угол применяют потому, что он добавляет кадру динамики, делает запечатленное на нем более активным и живым. С этой особенностью приема работал Дзига Вертов. И возможно, поэтому прием часто используется в боевиках и при создании экшн-сцен.
Кадр из фильма «Темный рыцарь» (2008)
Субъективное видение. Кадр с голландским углом — это почти всегда кадр, подсознательно создающий у зрителя ощущение дискомфорта, поэтому его часто используют, если авторам необходимо передать какое-то сильное и не самое приятное субъективное состояние героя. Например, сомнение, волнение, страх, шок, дезориентацию, смятение, безумие, опьянение и так далее. Голландский угол предполагает нарушение традиционных и привычных правил построения композиции, а потому работает и в случае передачи сильных внутренних переживаний, когда герой выходит за рамки привычного эмоционального состояния. Особенно активно эту специфику использовал Терри Гиллиам. Для примера вспомним известную сцену в психиатрической клинике из «12 обезьян».
Сцена из фильма «12 обезьян» (1995)
Атмосфера. Иногда голландский угол помогает сформировать ощущение от того или иного пространства. Например, Дэнни Бойл в «Миллионере из трущоб» передает особую витальность и энергетику Мумбаи во многом благодаря использованию этого приема. Мрачный образ Санкт-Петербурга в «Дуэлянте» Алексея Мизгирева также отчасти формируется за счет противоестественных ракурсов.
Кадры из фильма «Миллионер из трущоб» (2008)
Маркер. Иногда голландский угол применяют при съемке определенного героя, чтобы подчеркнуть ту или иную его характеристику. Например, в классическом американском телесериале 1960-х годов «Бэтмен» горизонт программно заваливается на персонажах-злодеях (интересно, что сериал дал приему такую популярность, что иногда его даже называют не голландским углом, а «углом Бэтмена»). В «Зловещих мертвецах» Сэма Рэйми голландский угол всегда указывает, что персонаж стал одержимым демонами.
Сцена из сериала «Бэтмен» (1966-1968)
Что нужно учитывать, используя голландский угол
Кадр из фильма «Поле битвы Земля» (2000)
Голландский угол, как и ряд других визуальных техник, вроде субъективной камеры, симметрии или зональных линз, — прием очень «острый». Его использование по-настоящему эффектно тогда, когда оно дозировано и действительно оправдано. Раздумывая завалить горизонт, вспоминайте о печальной судьбе фильма «Поле битвы: Земля». Научно-фантастическая картина провалилась в прокате, собрала почти десяток «Золотых малин» и до сих пор фигурирует в списках худших фильмов в истории кино. Не в последнюю очередь причина этого кроется в визуальном решении, грешащим чрезмерным использованием голландских углов. Прием используется в фильме настолько топорно, что зрелище превращается в комедию.
Напоследок — любопытное видео, демонстрирующее различные степени наклона голландского угла в ряде известнейших картин: от «Третьего человека» до «Космической одиссеи».
Источник: tvkinoradio.ru
А поговорить | Голландский угол
Вы все, наверное, уже заметили, что в это воскресенье, а именно 18 марта, у нас в сообществе будет тема «Голландский угол». Никому не возбраняется трактовать тему по своему усмотрению, но мы решили познакомить Вас с этим распространенным в кинематографе и в фотографическим искусстве термином.
Так что такое «Голландский угол»?
Бывает, что мы слышим критическое замечание по поводу своих кадров: «Горизонт завален!»
Но тот, кто делает нам замечание, возможно, не знаком с термином «Голландский угол».
«Голландский угол» — это ни что иное, как заваленный горизонт! Это такой прием в кино и фотосъемке, когда для большей выразительности кадра, мы «заваливаем» горизонт.
Этот прием еще называют «Немецкий угол», из Германии он и пришел. Просто со временем Dutch (голландский) вытеснило созвучный оригинал Deutsch (немецкий).
Но начало было положено именно в Германии.
Активно применять эту технику, когда камера располагается под наклоном относительно линии горизонта и/или нижней стороны кадра, в кино начали 1920-е годы, во время расцвета немецкого экспрессионизма. Фильмом родоначальником направления немецкого экспрессионизма считается «Кабинет доктора Калигари» Роберта Вине.
Кадр из фильма «Кабинет доктора Калигари» (1920)
В 20-е годы ракурсная съемка применяется и в советском авангардном кинематографе. Если немецкие мастера с помощью этого приема стараются усилить экспрессионизм,создать полуфантастическую искаженную реальгность, развивая темы душевного беспокойства, то русские мастера видят в этом приеме возможность усилить динамику создаваемого изображения. В качестве примера можно привести «Человек с кино-аппаратом» Дзиги Вертова.
Кадр из документального фильма «Человек с кино-аппаратом» (1929)
Явно прослеживается применение этого приема в знаменитом фильме Сергея Эйзенштейна Броненосец Потемкин
Кадр изхудожественного фильма «Броненосец Потемкин» (1925)
Уже в 1930-е годы приемстали применять и в Голливуде, а к 1950-60-м годам «Голландский угол» прочно утвердился в мировом кинематографе, являясь одним из самых эффектных визуальных инструментов.
Не остались в стороне от применения этого приема и фотографы.
Александр Родченко. Девушка с лейкой
Георгий Зельма 1926. Узбекистан. Сеятель.
Ляля Кузнецова
Наверняка, в ваших архивах есть немало достойных кадров, которые сняты с применением этого приема. Поделитесь пожалуйста, с нами своими работами в комментариях, а может и расскажете историю создания этих фотографий.
Приглашаем принять участие всех желающих участников сообщества, не только тех, кто бежит в этом фотозабеге. Стать участником обсуждения может каждый участник сообщества в Livejournal, участники Группы «30 Day Photo» во ВКонтакте. и сообщества «30 Day Photo» на facebook
Приглашаем к общению и наших участников тренировочного забега в instagram
Фотографии можно показывать как новые, так и найденные в архивах.
Справочно:
Как можно вставить картинку в комментарий.
Страница «30 Day Photo» на Facebook. Группа «30 Day Photo» во ВКонтакте. Сообщество «30 Day Photo» на Facebook. Мобильные тренировки в Instagram Тренировки в группе «30_day_photo» на портале 500px. Виртуальные выставки «30 Day Photo"
Неочевидные причины, почему мы любим одни фильмы и с трудом переносим другие
Чаще всего, обсуждая кино, люди говорят о сюжете и игре актёров. Конечно, это важные составляющие любого фильма. Но бывает так, что от какой‑то картины не оторвать глаз, хоть действие развивается очень медленно, а другая история быстро надоедает, несмотря на множество событий. Одним авторам удаётся заставить зрителя поверить в самые фантастические повороты, а другие даже реальные ситуации делают игрушечными. Да и просто одни ленты смотреть приятно, а другие тяжело.
Всё дело в том, что помимо сюжета и актёров есть много интересных технических приёмов, с помощью которых режиссёры помогают зрителю проникнуться действием и наслаждаться происходящим на экране. Эти тонкости можно даже не заметить, но всё же они сильно влияют на восприятие картины.
Цветовая гамма
Первое, на что можно обратить внимание, — цвета в кино зачастую совсем не такие, как в реальной жизни. Это может быть совершенно очевидно (например, если картина чёрно‑белая), или вы осознаёте это далеко не сразу. Но всё неслучайно.
Создание атмосферы
С помощью цветовой гаммы можно лучше передать атмосферу происходящего, создать настроение у зрителя и даже показать ощущения самих героев.
Для примера можно взять популярную франшизу «Люди Икс». В основной серии фильмов яркая и насыщенная картинка напоминает комиксы. И в противовес им в нуарном «Логане», где рассказывают о старости и усталости героя, выбраны более бледные тона.
В ленте «Безумный Макс: Дорога ярости» большая часть действия происходит в жаркой пустынной местности. Логично, что картина снята в жёлто‑оранжевых оттенках, которые заставляют чувствовать палящее солнце и сухость.
Для наглядности можно взять какой‑нибудь кадр и изменить цветовую гамму. Сразу покажется, что стало холоднее.
Для создания контрастной картинки современные блокбастеры и вообще массовое кино делают более синими и оранжевыми.
А вот знаменитый Уэс Андерсон любит мягкую розоватую палитру. Она создаёт у зрителя ощущение старого романтического кино. И всё происходящее воспринимается спокойнее и легче.
Кадр из фильма «Отель „Гранд Будапешт“» Уэса АндерсонаКогда хотят создать атмосферу будущего и фантастики, также часто обращаются к синей гамме. А особенно любят неоновые цвета, прочно связанные в голове зрителя с киберпанком и технологиями.
Нужно ли говорить, что авторы фильмов ужасов предпочитают тёмные тона. Причём у этого есть несколько причин. Разумеется, отчасти это способ нагнетания атмосферы. Многие люди и так боятся темноты, а в хоррорах в ней ещё и прячутся монстры.
Кроме того, тёмная картинка позволяет немного спрятать недостатки графики или грима и сэкономить на производстве. Правда, в этом есть опасность: если слишком затемнить кадр, то зритель может просто не увидеть, что же происходит на экране, особенно в плохом кинотеатре или на старом телевизоре. Например, так было в фильме «Слендермен» 2018 года.
Бывает, что скримеры выглядят так (кадр из фильма «Слендермен»)Хотя некоторые самобытные режиссёры могут сыграть на контрасте. Например, Ари Астер в «Солнцестоянии» показал типичную атмосферу фильма ужасов: герои оказываются в изолированной деревне, где происходят жуткие вещи.
Кадр из фильма «Солнцестояние»Но при этом картина очень светлая, в ней почти нет тёмных сцен, а одежда героев белоснежная. И от этого становится ещё страшнее, ведь спрятаться от ужаса негде.
Сейчас читают 🔥
Разделение частей сюжета
В одном фильме может быть несколько разных цветофильтров. Их используют для более чёткого разделения сюжетных линий. И при должном таланте такой подход помогает сделать картину ярче.
Отличный пример — «Матрица». Логотипом этой ленты сделали зелёные символы кода, обозначающие программу, в которой живут люди. Именно поэтому всё происходящее в виртуальном мире снимали через зеленоватый фильтр. А реальные события показывают в голубых тонах.
И только в самом финале третьей части, когда люди и машины заключили мирное соглашение, в кадре одновременно появляются чисто‑голубой и зелёный цвета.
В фильме Кристофера Нолана «Начало» герои перемещаются из реального мира в сон, затем в сон во сне и так далее. Чтобы более чётко разделить «слои», режиссёр выбрал для каждого из них свою цветовую гамму.
На первом уровне сна всё снято в синей палитре, второй — жёлтый, третий — белый. И только в последнем сне все оттенки вновь объединяются, как в реальном мире.
В «Бегущем по лезвию 2049» Дени Вильнёва разные цвета отражали как локации, так и внутреннее состояние главного героя.
Всё начинается с блуждания персонажа Райана Гослинга в тумане, потом он проходит через жаркую оранжевую пустыню, неоновый футуризм и ночной потоп. А заканчивается история на белоснежном фоне, отражающем спокойствие и очищение.
Отказ от цвета
Когда‑то все фильмы были чёрно‑белыми. Просто потому, что снимать иначе не умели и раскрашивать кадры можно было только вручную. Потом появились цветные плёнки и кинематограф стал намного более реалистичным.
Но при этом чёрно‑белые съёмки не ушли полностью в прошлое. Ими до сих пор пользуются в художественных целях. Например, чтобы разграничить разные миры или сюжетные линии.
Так, в «Волшебнике страны Оз» 1939 года цвет появляется, когда Долли попадает в сказочный мир.
В «Сталкере» Андрея Тарковского в обычной жизни героев тоже отсутствуют цвета. А когда персонажи попадают в мистическую «Зону», мир становится ярким — именно здесь люди раскрываются по‑настоящему.
Или всё тот же Кристофер Нолан в ленте «Помни» одну часть действия показал в прямом порядке, а вторую — в обратном. Поэтому половина фильма снята в цвете, а другая — чёрно‑белая.
Кроме того, чёрно‑белая картинка позволяет выделить определённые детали более ярко, просто добавив в них цвет. Впервые так поступил ещё Сергей Эйзенштейн, вручную раскрасив флаг в «Броненосце „Потёмкин“» 1925 года.
Впоследствии этот приём использовали в совершенно разных жанрах. В «Списке Шиндлера» Стивена Спилберга появление девочки в красном пальто становится одним из самых эмоциональных моментов.
Кадр из фильма «Список Шиндлера»И даже в фильме‑комиксе «Город грехов» такой подход используют неоднократно, делая акцент на красной помаде, ярких глазах или крови.
Построение кадра
Правило третей
Один из основополагающих принципов как кино-, так и фотосъёмки. Это что‑то вроде упрощённого правила «золотого сечения».
Кадр из сериала «Игра престолов»Всё просто: при съёмке экран делится на три части по вертикали и горизонтали. Самые важные для сюжета элементы должны находиться на этих линиях, а также на их пересечении. В этом случае зритель будет легче фокусироваться на нужных точках.
Место в квадрате
Если условно разделить кадр пополам или на четыре равные части, то можно без слов дать понять зрителю, какое место занимает персонаж в истории.
Наиболее ярко подобный приём заметен в ленте «Драйв» Николаса Виндинга Рефна. Например, если в левом верхнем углу показывают лицо главного героя, а в следующем кадре на том же месте появляется другой персонаж, то это намёк, что герои окажутся соперниками.
Кроме того, всё тот же Рефн может рассказывать параллельно две истории: в верхней и нижней частях экрана или в левой и правой половинах. Зритель, возможно, не заметит этот ход, но всё же восприятие героев окажется более полным. К тому же это просто красиво.
Симметрия
Ещё один одновременно психологический и эстетический приём. Зачастую кадры, где левая половина отражает правую, делают просто для красоты.
Кадр из фильма «Неоновый демон»Но иногда они передают противостояние персонажей. А если герой смотрится в зеркало, это будет показывать его тёмную сторону или отличие мечты от реальности. Словом, любую аллегорию, которую можно придумать к отражениям.
Голландский угол
Чтобы показать неустойчивость главного героя, его сомнения в чём‑либо или проблемы с памятью, используют очень наглядный приём. «Голландский угол» означает, что камера снимает не прямо, а под наклоном. Множество примеров такого подхода можно найти в фильмах Дэнни Бойла.
Кадр из фильма «Транс». У главного героя проблемы с памятьюЗрителю непривычно смотреть на картинку под углом, поэтому он лучше воспринимает некомфортное состояние персонажа.
Однако здесь важно соблюдать меру. Например, провальный фильм «Поле битвы: Земля» целиком сняли под наклоном. Но за полтора часа у зрителя, скорее всего, просто заболит шея.
Съёмка снизу и сверху
Ещё один из простых, но действенных приёмов, позволяющий передать самоощущение героев. Так можно показать, например, кто хозяин положения. И тут сразу вспоминаются ленты Квентина Тарантино, где персонажи смотрят сверху вниз в багажник.
А съёмка сверху заставляет ощутить, что герой чувствует себя неуверенно. Вот как забавно обыграли это в знаменитой сцене из фильма «О чём говорят мужчины», где персонаж Камиля Ларина, как ребёнок, оправдывается перед швейцаром в дорогом ресторане:
Диалоги и движения
Действие на фоне
Приём, который чаще всего используется в комедиях или ужасах. На первом плане не происходит ничего интересного. А всё самое главное разворачивается на фоне, который может быть затемнён или размыт.
Вот, например, главный герой фильма «Зомби по имени Шон» идёт в магазин. Для него всё очень буднично. А на заднем плане настоящий апокалипсис:
В зависимости от жанра и подачи, это может создавать либо очень забавный эффект, либо напряжение — в хоррорах так часто прячутся главные скримеры.
Разговоры в движении
Самый распространённый вид диалогов в кино — герои сидят и болтают. При этом камера традиционно переключается между лицами.
Но если сцена слишком затягивается, то зрителю надоест постоянное повторение одних и тех же ракурсов. Поэтому хорошие режиссёры либо дополняют, либо меняют постановку подобных сцен.
Так, в фильмах Квентина Тарантино герои говорят почти постоянно. Но мэтр не даёт заскучать, ведь диалоги могут происходить во время движения. Из‑за постоянной смены фона действие не кажется однообразным.
А даже если персонажи находятся в одном помещении, то камера не переключается просто так. Она может двигаться вокруг них, создавая эффект присутствия и даже участия в разговоре. Без лишнего монтажа можно увидеть практически всех героев.
Николас Виндинг Рефн умудряется в простом разговоре использовать уже упомянутую игру с цветом и отражения. В картине «Драйв» первый диалог главных героев вроде бы выглядит очень просто.
Но при этом персонаж Райана Гослинга всё время находится на синем фоне (эта цветовая гамма сопровождает его весь фильм). А героиня Кэри Маллиган стоит у оранжевых стен. И это показывает, что их что‑то разделяет, хоть они и рядом.
Правило 180 градусов
Во время съёмок есть и ещё один важный момент. Если при смене ракурса сдвинуть камеру более чем на 180 градусов, зритель запутается. Например, когда герой бежит, покажется, что он развернулся и двигается в обратную сторону.
И это не менее важно даже во время диалогов. Чтобы не создалось впечатление, будто в кадре все резко пересели, оператор и режиссёр выбирают некую линию, за которую камера не должна заходить.
Любопытно, что осознанное нарушение этого правила можно использовать как раз, чтобы запутать зрителя, показать смятение героя. А при должной фантазии авторы создают и более необычные сцены. Например, разговор Голлума с самим собой. Персонажа просто показывают с разных сторон, но это создаёт эффект, что говорящих двое и они ведут диалог.
Особенности монтажа
Монтаж позволяет сделать действие фильма более динамичным, «проматывая» скучные моменты жизни и позволяя взглянуть на происходящее с разных точек зрения. Самый простой его вид — повествовательный. То есть события в кадре происходят друг за другом. Нагляднее всего это объяснили в «Человеке с бульвара Капуцинов».
Но можно показать события фильма иначе, и для этого используют различные приёмы.
Параллельный монтаж
В противовес последовательному рассказу иногда авторы хотят, чтобы зрители увидели то, что происходит в одно и то же время в разных местах. И тогда режиссёры обращаются к параллельному монтажу.
Это делает сюжет более насыщенным событиями. Но нужна осторожность. Ведь если показывать по очереди сцены, которые происходят одновременно, может возникнуть впечатление, что каждая из них длится дольше.
Яркий пример неудачного параллельного монтажа — «Форсаж‑6». Герои пытаются сбежать на самолёте, который едет по взлётной полосе, за ними гонятся машины, а внутри лайнера происходит драка.
Авторы демонстрируют столько событий сразу, что на экране самолёт будто разгоняется не меньше 15 минут. Нужно ли говорить, что это убивает всю реалистичность ситуации?
А вот Кристофер Нолан общепризнанно считается мастером параллельного монтажа. Режиссёр использует его во многих своих работах, но лучшим примером может послужить «Начало». События на разных уровнях сна происходят одновременно, причём с различным темпом (в более глубоком сне время движется медленнее).
Здесь к действию добавляется уже упомянутое разделение цветов и зритель не путается в происходящем, а осознаёт всю глобальность событий.
Кстати, интересно, что в фильме «Дюнкерк» Нолан ещё более остроумно обходится с таким приёмом. Там параллельно показаны события, происходящие на земле, в воде и в воздухе. На самом же деле хронология совсем иная, и всё сходится только в финале.
Флешбэки и флешфорварды
Иногда авторы встраивают в линейную историю героев их воспоминания из прошлого — флешбэки. Это могут быть совсем короткие вспышки на несколько секунд или целые сюжетные линии.
Большой любитель подобных моментов — Жан‑Марк Валле. Таким образом он добавляет в, казалось бы, спокойные сцены напряжения. Или даёт понять, что персонаж кого‑то обманывает: говорит одно, а в воспоминаниях всплывает совсем другое.
Нетрудно догадаться, что флешфорварды — это такие же истории, но из будущего. Их используют реже, обычно в фантастике или мистических сюжетах. На таком приёме построили даже целый сериал, где во время некоего затмения каждый человек увидел какой‑то момент из своего будущего.
А далее по сюжету все пытаются выяснить причины произошедшего и понять смысл своих видений. Сериал так и назвали: Flashforward (в русском переводе — «Вспомни, что будет»). Правда, продержался он всего один сезон.
Джамп‑кат
Этот приём уже относится к линейному монтажу. Он означает резкий переход между кадрами. Используют его для совершенно разных целей.
В «Маленьком магазинчике ужасов» Фрэнка Оза такой монтаж помогает показать длинное и нудное течение времени.
А вот Ларс фон Триер, который тоже часто использует джамп‑кат в своих работах, так передаёт эмоциональное напряжение и психологическую неустойчивость героев. Подобные съёмки делают картинку более «нервной». В ленте «Идиоты» это очень к месту:
Монтаж по форме и звуку
Для того чтобы разные события, показанные в фильме, воспринимались продолжениями друг друга, авторы нередко используют визуальные совпадения. То есть очертания какого‑то предмета в одном кадре повторяются в следующем. Причём иногда это может выглядеть очень остроумно.
Точно так же можно «зацепить» зрителя звуком. Крик продолжает гудок парохода, а индустриальный грохот сменяется музыкой того же темпа. Или шипение повреждённой трубы превращается в треск жарящегося мяса.
Кроме того, звук может немного опережать показанное на экране или отставать от него. Это делают для большей связи сцен. То есть зритель ещё слышит речь и шорохи из предыдущего кадра, а действие уже сменилось. Или же наоборот.
Отсутствие монтажа
Это смелый ход: режиссёры снимают длинные сцены вовсе без монтажа или же прячут его различными способами.
Это делает происходящее на экране более реалистичным, даёт зрителю ощутить темп самой истории. Но, разумеется, такой подход требует гораздо большего количества репетиций и вложений. Ведь при обработке можно вырезать неудачные мелочи.
Так, Джо Райт в фильме «Искупление» показал пятиминутную сцену с эвакуацией войск из Дюнкерка во время Второй мировой войны. В массовке задействовали 1 300 человек, при этом в кадре двигается техника, а на фоне происходят взрывы. Именно такой подход передаёт всю мрачность и хаос происходящего.
Современные технологии позволяют обходиться с монтажом более аккуратно. И это помогло Алехандро Гонсалесу Иньярриту снять картину «Бёрдмен». В ней даже не сразу замечаешь, что всё действие показано одним непрерывным кадром.
На самом деле монтаж там есть, но спрятан. Склейки делают, когда камера проходит через какой‑нибудь тёмный элемент.
А ещё сильнее выглядит «Русский ковчег» Александра Сокурова. Действие происходит в «Эрмитаже», и на съёмки режиссёру выделили один день. Поэтому он решил снимать картину без склеек.
На это потребовалось семь месяцев репетиций с участием массовки из 800 человек. В результате с третьего дубля сняли цельный фильм длительностью 1 час 27 минут.
На самом деле подобных тонкостей значительно больше. Но многие из них требуют уже глубоких знаний режиссёрского и операторского искусства. Это лишь простые примеры, которые можно заметить во многих фильмах. И при просмотре очередной картины вам наверняка бросится в глаза «голландский угол» или длинный кадр без монтажа. Но это не разрушит волшебство кинематографа, а наоборот, сделает просмотр ещё интереснее.
Читайте также 🎬
Голландский угол — Википедия. Что такое Голландский угол
Материал из Википедии — свободной энциклопедии Штативная головка специальной конструкции позволяет поворачивать камеру на необходимый для творческого замысла угол.Голландский угол (англ. Dutch Angle, также немецкий угол) — термин для обозначения специфического приёма фотографии или кино. Этот приём часто используется для того, чтобы показать душевные волнения или напряжённое состояние героя. Голландский угол получается, когда камера смотрит на героя снизу вверх, при этом горизонт должен быть завален набок. Большинство кадров, снятых с голландского угла, статичные. В движении камера может вращаться, идти вслед за актёром или двигаться по диагональной линии, заданной режиссёром или оператором. Кадры с «голландским углом» обычно монтируются так, чтобы наклон по горизонтали чередовался. Например, сначала наклон влево, потом — вправо и т. д.
Такой ракурс часто использовался в фильмах немецкого экспрессионизма для выражения безумия, беспокойства, необычности и дезориентации. Считается, что отсюда произошло название приёма. В английском языке слово Deutsch (немецкий) часто путается со словом Dutch (голландский), которое имеет похожее происхождение и звучание.
Ветераны немецкого экспрессионизма, перебравшиеся в Голливуд, широко использовали съёмку с острого угла в фильмах ужасов и фильмах-нуар. Это один из наиболее распространённых стилистических приёмов нуаровой эстетики. К примеру, в нуаре 1949 года «Третий человек» широко использовались кадры, снятые под голландским углом, чтобы подчеркнуть отчуждение главного героя перед всем тем, что его окружало в другой стране.
Устройство Dutch head
Большинство панорамных головок киносъёмочных штативов не позволяют наклонять кадр относительно горизонта. Поэтому для получения таких кадров используется специальное устройство Dutch head, устанавливаемое между камерой и штативной головкой[1]. Большинство таких устройств позволяет осуществлять плавную регулировку наклона камеры и даже изменять его в процессе съёмки.